Todo o Mundo é um palco

FESTIVAL CALE-SE 6

2012-01-09T09:44:00.002Z

Começa no próximo 21 de Janeiro a sexta edição do "CALE-se" Festival Internacional de Teatro, único certame do género a nível nacional com carácter competitivo, numa parceria com a Câmara Municipal de V. N. de Gaia, a Freguesia de Canidelo e empresas privadas, organizado pelo Cale Estúdio Teatro - Associação Cultural de Actores.
A edição de 2012, enquadrada no âmbito do 26º aniversário do Cale Estúdio Teatro, vai decorrer aos sábados até 24 de Março, nas instalações da Associação Recreativa de Canidelo (Rua do Meiral, 51 – junto ao cruzamento dos 4 Caminhos), em Vila Nova de Gaia.
Os espectáculos iniciam às 22 horas.
O festival visa a participação de grupos de teatro não profissionais, numa estrutura de oito espectáculos a concurso, que vão disputar os "Prémios CALE", atribuídos por um júri e também pelo público e que distinguem as melhores prestações nas várias áreas a concurso, como Interpretação, Encenação, Cenografia, Figurinos, Luz e Som.
Para mais informações e/ou reservas, queiram por favor contactar através de e-mail ou dos telefones 911062216 ou 963697254.

APENIQUEIRA

2011-06-21T14:33:00.004+01:00

Comédia Urbana de Costumes

Alfredo Correia

Consideramos “Apeniqueira” uma comédia urbana de costumes, cujo

texto é centrado num círculo caseiro de uma família , onde os comportamentos

e costumes passam pelos amores ilícitos, pela violação

das normas de conduta, pelas preocupações da vida amorosa, pelo

dinheiro, e pelo desejo de maior ascenção social.

Esta comédia, é a alternativa perfeita para o público espectador que,

deseja rir-se do que acontece na casa dos outros.

Qualquer semelhança encontrada nas situações, ocorridas na peça ,

são pura coincidência.

Divirtam-se e desfrutem desta arte que, apesar de efémera, nos leva

muitas vezes a reflectir o que somos.

POR ORDEM DE ENTRADA

Irene Magalhães

Cátia Gomes

Olívia Martins

Mauro Silva

Fernando Gomes

Lourdes Costa

José Pinto Gomes

Beatriz Ferreira

Cesário Costa

cenografia, desenho de luz e som, encenação

ALFREDO CORREIA

apoio logístico da Junta de Freguesia de Ramalde

20.ª PRODUÇÃO ANOS 90 SÉC. XX

COMPANHIA TEATRAL DE RAMALDE

DA ASSOCIAÇÃO 26 DE JANEIRO

PORTO – 2011

ELENCO SINOPSE

execução cenográfica

António Peixoto

operadora de som

Mariana Correia

design cartaz/programa

Artur Cunha

montagem da sonoplastia

David Ferreira

assistente de sala

Fátima Oliveira

COMPANHIA TEATRAL DE RAMALDE

A S S O C I A Ç Ã O 2 6 D E J A N E I R O

Homenagem a JOEL

2011-06-09T10:16:00.000+01:00

O nosso amigo Joel, dos Plebeus Avintenses partiu faz alguns dias. Certamente estará ao lado de tantos quantos, como ele amavam o mundo das Artes e em particular do Teatro. O nosso aplauso de pé para o Joel. A nossa homenagem com um video produzido pelos seus companheiros. O céu ganhou mais uma estrela...

Helena Peixoto

30ª Edição do Fazer a Festa - Festival Internacional de Teatro / EVOCAÇÃO

2011-05-15T11:23:00.003+01:00

Infelizmente, a 30ª edição do Festival não se vai realizar em condições normais, com uma programação de espectáculos teatrais protagonizados por várias companhias nacionais e estrangeiras.

Várias são as razões:

os cortes nos apoios do Ministério da Cultura e a sua insensibilidade ao longo destes últimos anos para com a situação particular deste Festival Internacional.

A sucessiva deterioração das condições financeiras que o Festival vem acumulando ao longo das últimas edições.

A atitude hostil da Câmara Municipal do Porto que, além de não o apoiar financeiramente, deixou de disponibilizar o Auditório da Biblioteca Municipal Almeida Garrett para a sua realização e, este ano, ainda nem respondeu ao nosso pedido (o primeiro feito a 6 Dezembro 2010) de autorizar a utilização dos Jardins do Palácio de Cristal...

Todavia, ainda achamos que este Festival não deve acabar: o número de espectadores que a ele acorrem anualmente, a disponibilidade das companhias nacionais e estrangeiras que sempre aceitam a sua participação de forma entusiástica e todo o seu longo historial e referentes artísticos continuam a dar-nos alento para não desistir.

Entendemos que estes trinta anos devem ser lembrados e festejados como uma edição evocativa
que permita ser, ao mesmo tempo, um momento de festa e de parabéns por todos quantos contribuíram para que o FAZER A FESTA tivesse tão longa vida, mas também um compasso de espera, um momento de reflexão para o repensar e encetar novos caminhos que permitam que o Festival se renove e continue a ser um marco incontornável da vida teatral...

Assim o “FAZER A FESTA” de 2011, na sua 30ª edição, será a sua própria evocação, ocupando o espaço público da cidade do Porto com intervenções artísticas em lugares icónicos do burgo, festejando e questionando o seu lugar na vida cultural e social portuense e apelando à participação de todos quantos tornaram possível esta realidade com trinta anos, três vezes mais os que gastou Homero no seu regresso a Ítaca, depois da guerra de Tróia.

As intervenções artísticas serão concretizadas pelos elementos e colaboradores habituais da companhia e por todos aqueles artistas, companhias, amigos e espectadores que já passaram pelo Festival e todos as demais companhias e artistas teatrais portugueses que se queiram associar a esta edição evocativa, que acontecerá entre os dias 14 a 17 Junho 2011.

Relembramos as fases principais porque passou o Festival ou, aproveitando o mote, dar um passo no passado e outro no futuro.

José Leitão (director artístico do Festival)

Na Primavera de 1982 organizámos a 1ª edição do “FAZER A FESTA - FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO”.

A partir dessa data, anual e ininterruptamente, este Festival (o terceiro mais antigo Festival Internacional de Teatro que se organiza em Portugal e que, durante muitos anos, foi o único que dedicava a maior fatia da sua programação ao Teatro para a Infância e Juventude) foi cumprindo os seus objectivos bem como outros entretanto introduzidos, acompanhando a evolução teatral da cidade do Porto.

Relembrar alguns aspectos da sua história constitui um acto de resgate do olvido a que geralmente se vota a alguns aspectos da actividade teatral que, dada a sua efemeridade, facilmente se esquece se deles se não der notícia...

Ora, como sem memória não existe conhecimento e sem este não existe criatividade, o futuro alicerça-se também neste passar de testemunho dos que fizeram para os que vão fazer, ou melhor dizendo, nós não somos o princípio da história, ela já existia quando aqui chegamos e só se aprende sabendo...

de 1982 a l991 (da 1ª à 10ª edição): O Teatro à procura da Cidade ou aprendendo a andar, caminhando...

São anos de intensa actividade, aprendizagem, contactos e intercâmbios que nos permitem conhecer e ser aceites na comunidade teatral da cidade e do país. Lembre-se que a cidade do Porto só tem a 1ª edição doutro Festival Internacional de Teatro (o de Marionetas) em 1989, o Teatro Municipal Rivoli ainda não tinha programação, e o T.N. São João, como Teatro Nacional, só começaria e funcionar desde l984. Não havia na cidade salas de acolhimento de outras companhias e só nos dois festivais existentes (FITEI e FAZER A FESTA) se podia ver grupos de fora do Porto e do estrangeiro.

Em toda esta década o núcleo principal da programação do Fazer a Festa esteve sediado no Salão da Junta de Freguesia do Bonfim, que apoiou entusiasticamente o Festival até 1991.

de 1992 a 2002 (da 11ª à 21ª edição): A Cidade encontra o Teatro... Há Festa na Aldeia !

É nestes dez anos que o FAZER A FESTA dá o salto e se consolida como Festival de referência a nível nacional, principalmente porque passa a maior parte da sua programação para os jardins do Palácio de Cristal.

Os espectáculos são apresentados em tendas especialmente montados nos jardins e aproveitam-se outras estruturas edificadas no local. A programação vai desde as 10h da manhã até à madrugada, com espectáculos diurnos para a infância e escolas e aos fins de semana e espectáculos para a juventude e adultos às 21h30, às 23h30 e mesmo à 01h00 da madrugada... durante dez dias seguidos !

Começa-se a construir-se uma “Aldeia Teatral”: públicos e artistas partilham o mesmo restaurante e o bar, convertendo estes espaços em local de amena cavaqueira, conhecimento, aproximação e discussão entre os que fazem e os que viam os espectáculos.

Várias companhias nacionais já prestigiadas aceitam apresentar e mesmo estrear alguns espectáculos nestes espaços não convencionais e há momentos de intensa partilha teatral e artística entre todos os intervenientes. Companhias emergentes e projectos em nascimento apresentam-se no Festival e as companhias da chamada “província” encontram no Porto um espaço de apresentação dos seus espectáculos. Descobre-se que o País teatral não é só Lisboa e Porto...

Em 2001, a 20ª edição do Festival corresponde ao ano em que o Porto é capital europeia da Cultura e é inserida na sua programação. É neste ano que, pela primeira e única vez, é visitado por um Ministro da Cultura !

De notar que, em todas as suas edições nunca nenhum presidente das Direcções Gerais que o Ministério “inventa” ano sim ano não, nenhum secretário de estado da Cultura e nem mesmo qualquer Presidente de Câmara do Porto “ousaram” assistir ao Teatro nas tendas em que o Festival se realizava ! Talvez porque o FAZER A FESTA nunca teve gala de abertura, começando desde logo com Teatro... mas seria interessante saber quantos espectadores foram então conquistados para o Teatro por assistirem a este Festival !

de 2003 a 2011 (da 22ª à 30ª edição ?): O Teatro deixa a cidade...e o deserto aqui tão perto !

É a partir desta data que o Festival começa a sentir muitas dificuldades em se realizar.

Os apoios estatais não aumentam e o orçamento do Festival está englobado na actividade da companhia, não tendo contas autónomas. A Câmara Municipal com o novo executivo começa a hostilizar a cultura e o teatro e descem drasticamente os seus apoios numa primeira fase, para mais tarde acabarem com os mesmos.

Segue-se depois um tempo (2006) em que para obter apoio camarário é necessário assinar uma cláusula, comprometendo-se a companhia a não criticar a política cultural da edilidade. Quem não assina, não recebe apoio financeiro. Não assinamos: corte total do apoio financeiro.... que continua até hoje, 2011.

Esta última década tem sido penosa para a organização do Fazer a Festa e a sua programação tem andado “perdida” porque os apoios escassearam e o orçamento que o Teatro Art’ Imagem dispõe para o Festival não permite organizá-lo como achamos que merece. Tem sido a persistência da estrutura da nossa companhia e o apoio que tem vindo a ter de outras companhias de teatro portuguesas e também de algumas galegas, a única maneira encontrada para não acabar, esperando que melhores dias nos cheguem.

Olhando o futuro do Festival com muita apreensão mas não baixando os braços,

tudo faremos para que ele continue, se renove e encontre outros caminhos, colaborações e apoios !

( in página do facebook Art'imagem Teatro )

.

MENSAGEM DO DIA MUNDIAL DO TEATRO 2011

2011-03-29T21:17:00.004+01:00

Mensagem do Dia Mundial do Teatro 2011 ITI - International Theatre Institute [World Organization for the Performing Arts]

Este é o momento exacto para uma reflexão sobre o imenso potencial que o Teatro tem para mobilizar as comunidades e criar pontes entre as suas diferenças.

Já, alguma vez, imaginaram que o Teatro pode ser uma ferramenta poderosa para a reconciliação e para a paz mundial?

Enquanto as nações consomem enormes quantidades de dinheiro em missões de paz nas mais diversas áreas de conflitos violentos no mundo, dá-se pouca atenção ao Teatro como alternativa para a mediação e transformação de conflitos.

Como podem todos os cidadãos da Terra alcançar a paz universal quando os instrumentos que se deveriam usar para tal são, aparentemente, usados para adquirir poderes externos e repressores?

O Teatro, subtilmente, permeia a alma do Homem dominado pelo medo e desconfiança, alterando a imagem que têm de si mesmos e abrindo um mundo de alternativas para o indivíduo e, por consequência, para a comunidade.

Ele pode dar um sentido à realidade de hoje, evitando um futuro incerto.

O Teatro pode intervir de forma simples e directa na política. Ao ser incluído, o Teatro pode conter experiências capazes de transcender conceitos falsos e pré-concebidos.

Além disso, o Teatro é um meio, comprovado, para defender e apresentar ideias que sustentamos colectivamente e que, por elas, teremos de lutar quando são violadas.

Na previsão de um futuro de paz, deveremos começar por usar meios pacíficos na procura de nos compreendermos melhor, de nos respeitarmos e de reconhecer as contribuições de cada ser humano no processo do caminho da paz.

O Teatro é uma linguagem universal, através da qual podemos usar mensagens de paz e de reconciliação.

Com o envolvimento activo de todos os participantes, o Teatro pode fazer com que muitas consciências reconstruam os seus conceitos pré-estabelecidos e, desta forma, dê ao indivíduo a oportunidade de renascer para fazer escolhas baseadas no conhecimento e nas realidades redescobertas.

Para que o Teatro prospere entre as outras formas de arte, deveremos dar um passo firme no futuro, incorporando-o na vida quotidiana, através da abordagem de questões prementes de conflito e de paz.

Na procura da transformação social e na reforma das comunidades, o Teatro já se manifesta em zonas devastadas pela guerra, entre comunidades que sofrem com a pobreza ou com a doença crónica.

Existe um número crescente de casos de sucesso onde o Teatro conseguiu mobilizar públicos para promover a consciencialização no apoio às vítimas de traumas pós-guerra.

Faz sentido existirem plataformas culturais, como o [ITI] Instituto Internacional de Teatro, que visam consolidar a paz e a amizade entre as nações.

Conhecendo o poder que o Teatro tem é, então, uma farsa manter o silêncio em tempos como este e deixar que sejam “guardiães” da paz no nosso mundo os que empunham armas e lançam bombas.

Como podem os instrumentos de alienação serem, ao mesmo tempo instrumentos de paz e reconciliação?

Exorto-vos, neste Dia Mundial do Teatro, a pensar nesta perspectiva e a divulgar o Teatro, como uma ferramenta universal de diálogo, para a transformação social e para a reforma das comunidades.

Enquanto as Nações Unidas gastam somas colossais em missões de paz com o uso de armas por todo o mundo, o Teatro é uma alternativa espontânea e humana, menos dispendiosa e muito mais potente.

Não será a única forma de conseguir a paz, mas o Teatro, certamente, deverá ser utilizado como uma ferramenta eficaz nas missões de paz.

Jessica Kaahwa (Uganda)

Makerere University Department of Music, Dance and Drama

CALE-SE 5 - PROGRAMAÇÃO

2011-01-10T09:35:00.003Z

A quinta edição do festival "CALE-se", organizado pelo Cale Estúdio Teatro, vai decorrer aos sábados, em Canidelo, Vila Nova de Gaia, de 15 de Janeiro a 19 de Março, na sala da Associação Recreativa de Canidelo (Rua do Meiral, 51 – junto ao cruzamento dos 4 Caminhos).

Os espectáculos iniciam às 22 horas.

Para mais informações e/ou reservas, queiram por favor contactar através de e-mail ou dos telefones 911062216 ou 963697254.

CALE-se 5
FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO

PROGRAMA

--------------------------------------------------------------
15 JANEIRO
Homenagem a VÍTOR DE SOUSA, patrono do “CALE-se 5”,

com presença confirmada do actor

Espectáculo: A VINGANÇA DE ANTERO

Autor: Luísa Costa Gomes

Grupo: ULTIMAcTO (Tomar)

Género: Comédia

--------------------------------------------------------------
22 JANEIRO

Espectáculo: O MEU CORAÇÃO DE BANDOLIM
Autor: Leandro Ribeiro

Grupo: SOL D'ALMA (Ovar)

Género: Musical

--------------------------------------------------------------
29 JANEIRO

Espectáculo: SE PERGUNTAREM POR MIM, NÃO ESTOU

Autor: Mário de Carvalho

Grupo: CCPL - Confederação da Comunidade Portuguesa no Luxemburgo (Luxemburgo)

Género: Comédia (em português)

--------------------------------------------------------------
5 FEVEREIRO

Espectáculo: A COLINA

Autor: Miguel Mestre

Grupo: GRUPO DE TEATRO CONTRA-SENSO (Lisboa)

Género: Drama

--------------------------------------------------------------
19 FEVEREIRO

Espectáculo: A CASA DE BERNARDA ALBA

Autor: Federico García Lorca

Grupo: VITEOTONIUS (Viseu)

Género: Drama

--------------------------------------------------------------
26 FEVEREIRO

Espectáculo: MÉDICO À FORÇA

Autor: Molière

Grupo: OS PLEBEUS AVINTENSES (V. N. Gaia)

Género: Comédia

--------------------------------------------------------------
5 MARÇO

Espectáculo: A SOCIEDADE

Autor: Ricardo Kalash

Grupo: CURRAL DA MULA - GRUPO DE TEATRO DE ABRUNHEIRA (Montemor-o-Velho)

Género: Comédia

--------------------------------------------------------------
12 MARÇO

Espectáculo: ORAÇÃO

Autor: Fernando Arrabal

Grupo: CALABOUÇO ENCENAÇÕES (Brasil)

Género: Drama

--------------------------------------------------------------
19 MARÇO

Espectáculo: REPÚBLICA PORTUGUESA: O SONHO DE UM MONARCA

Autor: Jorge Geraldo

Grupo: LOUCOMOTIVA - GRUPO DE TEATRO DE TAVEIRO (Coimbra)

Género: Comédia

CERIMÓNIA DE ENTREGA DOS "PRÉMIOS CALE"

ENCERRAMENTO DO "CALE-se" 5

----------------------------------------------------------------------------------
Cale Estúdio Teatro - Associação Cultural de Actores
Rua do Meiral, 51 – 4400-501 V. N. Gaia
Tlm. 911 062 216

CALE-SE 5 - 2011

2010-10-02T23:25:00.002+01:00

O Cale Estúdio Teatro - Associação Cultural de Actores, em parceria com a Delegação Regional da Cultura do Norte, a Câmara Municipal de V. N. de Gaia e a Freguesia de Canidelo, promove a quinta edição do festival CALE-se, Festival Internacional de Teatro, único certame do género a nível nacional de carácter competitivo. A edição de 2011, que se enquadra no âmbito do 25.º aniversário do Cale Estúdio Teatro, decorrerá aos sábados, entre 15 de Janeiro e 19 de Março, e rege-se pelo seguinte regulamento:

Regulamento

1. OBJECTIVOS DO FESTIVAL

Promover e apoiar o desenvolvimento qualitativo do Teatro de Amadores, premiando o mérito de prestações individuais e colectivas. Também a permuta de experiências, o reforço da solidariedade associativa e a divulgação do fenómeno teatral de carácter não-profissional, constituem objectivos deste projecto, sublinhando a importância que o Teatro de Amadores continua a assumir na sociedade.
É, ainda, objectivo do grupo organizador promover a divulgação e o intercâmbio com realidades de teatro não-profissional de outros países de língua oficial portuguesa e da União Europeia.

2. CONDIÇÕES DE ADMISSÃO

2.1. Podem concorrer ao "CALE-se 5" todos os grupos de teatro de carácter não-profissional, portugueses, de outros países da UE e de países de língua oficial portuguesa, sujeitando-se a uma selecção prévia. A organização pode, por sua vez, proceder a convites directos ou delegar esses convites aos parceiros institucionais.

2.2. Os grupos interessados devem proceder à sua inscrição (candidatura), entre 1 e 31 de Outubro de 2010 (data do correio).

2.3. A inscrição dos grupos deve ser feita através de formulário próprio, a enviar via postal ou por correio electrónico, a que os grupos devem juntar, obrigatoriamente, os seguintes elementos relativos ao espec-táculo que inscrevem:

a) texto integral e biografia do autor;
b) fotografias;
c) filmagem em DVD;
d) ficha técnica e artística;
e) sinopse;
f) cartaz;
g) rider técnico;
h) historial do grupo;
i) documento de classificação etária, atribuído pela Comissão de Classificação de Espectáculos.

2.4. A simples inscrição no "CALE-se 5" implica a aceitação integral das normas do presente regulamento por parte dos grupos de teatro candidatos.

3. MÉTODOS DE SELECÇÃO

3.1. Serão critérios de selecção dos espectáculos participantes, parâmetros artísticos, exigências técnicas, historial do grupo e factores logísticos como a duração do espectáculo e o número de elementos.

3.2. Os grupos estrangeiros devem ter em conside-ração o facto de o idioma utilizado nos espectáculos propostos não deve constituir um entrave à compreensão dos mesmos.

3.3. A divulgação dos grupos seleccionados será feita na segunda quinzena de Dezembro de 2010.

4. LOCAL

O "CALE-se 5" realizar-se-á nas instalações da Associação Recreativa de Canidelo, em Vila Nova de Gaia, ao abrigo do protocolo entre o Cale Estúdio Teatro e aquela associação. Não está excluída a hipótese de alguns espectáculos, pelas suas características, ou por indisponibilidade da sala, se realizarem noutros locais do concelho.

5. ESTRUTURA DO FESTIVAL

5.1. O "CALE-se 5" desenvolve-se ao longo de nove sábados. Em cada um dos dias, um grupo concorrente apresentará o seu espectáculo, num total de oito grupos concorrentes.

5.2. Faz parte do "CALE-se 5" uma sessão de encerramento, onde se procederá à entrega dos prémios. A sessão é precedida da actuação do grupo vencedor do Prémio “Melhor Espectáculo 2009”.

5.3. Cada grupo participante assume o compromisso de se fazer representar na sessão de entrega de prémios por, no mínimo, um elemento do grupo. A organização garante a estadia (alojamento em quarto duplo e jantar) a dois elementos de cada grupo.

5.4. Cada grupo participante é responsável pela montagem do seu espectáculo, devendo obrigatoriamente comunicar à organização, e em tempo útil, as necessidades de ordem técnica e/ou logística, que aquela tentará suprimir dentro das suas possibilidades.

5.5. A organização do “CALE-se 5” garante o alojamento dos participantes dos grupos cuja sede se situe a mais de 150 km de V. N. Gaia.

5.6. Fica também ao encargo da organização o jantar de sábado dos elementos participantes de grupos portugueses. Aos grupos estrangeiros que venham a participar no festival, a organização garante, ainda, o almoço de sábado e o de domingo.

5.7. Toda e qualquer despesa relativa a direitos de autor dos espectáculos seleccionados fica à responsabilidade dos grupos participantes, não assumindo a organização qualquer dever nesse sentido. Enquanto promotor do festival em referência, o Cale Estúdio Teatro providenciará as necessárias licenças de representação para os espectáculos que integrem o “CALE-se 5”. Para tal, os grupos seleccionados devem apresentar, no prazo máximo de 15 dias após confirmação de participação no “CALE-se 5”, autorização da Sociedade Portuguesa de Autores ou congénere, que comprove situação regularizada sobre os direitos de autor.

5.8. O incumprimento do ponto anterior por parte de qualquer grupo é motivo de anulação da sua partici-pação no festival, obrigando-se o grupo em questão a assumir todas as despesas eventualmente realizadas decorrentes da sua participação no festival.

6. JÚRI

6.1. O Júri é composto por três elementos: duas personalidades ligadas ao Teatro, convidadas pela organi-zação, e um terceiro elemento, do Cale Estúdio Teatro.

6.2. Nenhum membro do Júri poderá participar, nas mais diversas áreas, em qualquer dos espectáculos a concurso.

6.3. Os critérios de avaliação dos espectáculos serão definidos entre os membros do Júri.

6.4. O Júri é soberano, não cabendo recurso das suas decisões.

7. PRÉMIOS

7.1. O festival “CALE-se” institui a atribuição dos ‘Prémios CALE’, que visam distinguir as melhores prestações, entre os espectáculos a concurso e segundo a avaliação do Júri, nas seguintes categorias: Interpretação (masculina e feminina), Cenografia, Desenho de Luzes, Guarda-Roupa, Sonoplastia, Encenação e Espectáculo.

7.2. Os prémios são reconhecimentos de mérito, não pecuniários, simbolizados num troféu original concebido para o efeito.

7.3. Prevê-se, ainda, a atribuição do "Prémio do Público", que indicará a escolha do público para o Melhor Espectáculo, e para o qual podem votar os espectadores que assistam à maioria das sessões do "CALE-se 5". Para tal, a organização disponibilizará um cartão que permita o controlo das presenças e a respectiva votação.

8. HOMENAGEM

O Cale Estúdio Teatro convidará a estar presente na abertura do “CALE-se 5” uma figura de reconhecido mérito que tenha contribuído para o desenvolvimento, engrandecimento e divulgação do Teatro, e que será o patrono da quinta edição do festival.

9. OMISSÕES E ESCLARECIMENTOS

Dúvidas ou omissões do presente regulamento serão esclarecidas pela organização, cuja decisão será sempre soberana.

Mais informações:
Cale Estúdio Teatro
Rua do Meiral, 51 - 4400-501 Vila Nova de Gaia
Telefones: 911 062 216 - 963 697 254
caleestudioteatro@gmail.com

cale.se05@gmail.com

Conversa da treta

2010-07-30T07:29:00.000+01:00

Morreu o actor António Feio.

2010-07-30T07:27:00.000+01:00

Uma lição de vida - António Feio

2010-07-30T07:25:00.000+01:00

Um aplauso de pé para António Feio...

2010-07-30T07:16:00.002+01:00

Terminou às 23h25 de ontem, precocemente, uma das mais brilhantes carreiras do teatro português. Desaparece, com 55 anos, um homem que o público se habituou a respeitar. António Feio, internado de urgência na quarta-feira no Hospital da Luz – onde teve ontem duas paragens cardiorespiratórias durante a manhã – acabou por sucumbir à doença que o afligia há ano e meio.

Para a história ficará a memória de um artista de talento que fez rir milhões, sobretudo nas últimas duas décadas, em que, ao lado de José Pedro Gomes, criou um estilo próprio e inimitável de fazer comédia. Ironicamente, começou por fazer chorar...

António Feio tinha 27 anos quando o seu rosto se tornou familiar ao grande público, ao interpretar, na telenovela da RTP ‘Origens’, ‘Nando’, um toxicodependente cujo drama comoveu o País. Já tinha anos de trabalho em teatro. Filho de uma actriz, havia-se estreado nos palcos com apenas 11 anos, desafiado por Carlos Avilez a interpretar ‘O Mar’, de Miguel Torga.

Depois de uma breve passagem por um atelier de arquitectura, como desenhador o apelo das tábuas foi mais forte, e provou ser uma decisão acertada. A viragem na carreira aconteceria depois do encontro com José Pedro Gomes, no início da década de 90. A dupla de actores – cuja química se tornou evidente desde a primeira colaboração, em ‘Inox – Take 5’ – assinou vários espectáculos que foram num crescendo de sucesso: ‘Conversa da Treta’, ‘O Que Diz Molero’, ‘Arte’, ‘Pop Corn’, ‘Jantar de Idiotas’, ‘O Chato’, ‘2 Amores’.

O anúncio da doença veio interromper um percurso ascendente nos palcos, mas nem os tratamentos impediram António Feio de continuar a trabalhar. Apesar dos médicos lhe terem dado três meses de vida, recusou-se a baixar os braços e encontrou tempo – e forças – para terminar a ‘A Verdadeira Treta’, como actor, e de assinar duas encenações, uma das quais ‘Vai-se Andando’, com José Pedro Gomes. A sua página da rede social Facebook foi o elo de ligação com os fãs. A sua última mensagem foi: 'Esqueçam a minha doença! Parem para pensar!'. O velório realiza-se hoje à tarde no Palácio Galveias, em Lisboa.

PERFIL

António Feio nasceu a 6 de Dezembro de 1954 em Lourenço Marques. Estreou-se no teatro em 1966 e colaborou com estruturas como a companhia Laura Alves, Cooperativa de Comediantes Rafael de Oliveira, Teatro Popular, Teatro Aberto ou Teatro Nacional D. Maria II. Fez televisão, cinema e dobragens, encenou inúmeros espectáculos. Formou gerações de jovens como professor de teatro (no Centro Cultural de Benfica). Foi casado duas vezes e teve quatro filhos.

HONRADO NO DIA EM QUE SE TORNOU COMENDADOR

'Só espero ser um digno representante deste tipo de honra.' Foi assim que António Feio reagiu à condecoração que o Presidente da República, Cavaco Silva, lhe atribuiu no último Dia Mundial do Teatro, a 27 de Março. Desde essa data, o actor passou a comendador da Ordem Infante D. Henrique e compareceu à cerimónia, no Museu dos Coches, visivelmente emocionado, até pela fragilidade visível, reflexo já do seu estado de saúde. 'Queremos um País mais vivo, teatralmente falando, e com mais cultura. O teatro para nós é e será sempre uma festa', disse o actor, que falou na altura em nome de todos os homenageados. Acompanhado pela família, assumiu andar mais emotivo.

DOENÇA APROXIMOU FEIO DA FAMÍLIA

António Feio deixa quatro filhos: Bárbara e Catarina (do casamento com Lurdes Feio), e Sara e Filipe, da relação de 18 anos com Cláudia Cadima. Com uma carreira exigente, nem sempre foi o pai que quis, mas no último ano a doença acabou por aproximar a família – sobretudo depois da morte da irmã, Helena Luísa, falecida em Setembro de 2009, com a mesma doença de António Feio.

'Nós sempre fomos uma família muito próxima, mas claro que nos uniu mais', admitiu, recentemente, a filha Catarina.

Conscientes da luta que o pai estava a travar, as filhas mais velhas chegaram a ir viver com ele, em alturas diferentes, e, tal como o pai, sempre mantiveram uma atitude positiva. Aliás, segundo Cláudia Cadima, era António quem lhes dava maior força. Ontem, voltam a estar unidos, de forma diferente. O nascimento do neto Dinis, actualmente com dois meses, foi um momento de felicidade para o actor, que deixa um desejo por concretizar: levar os filhos a Moçambique, a terra onde nasceu. Ainda assim, manteve, até ao fim, coragem para lutar contra o ‘bicho’ que o consumia, mesmo quando admitiu:. 'Não tenho medo da morte'.

REACÇÕES

'VOU TER MUITAS SAUDADES DELE', Maria Rueff, Actriz

'Estou profundamente sentida com a morte do António. Vou ficar sempre com a memória de um extraordinário encenador, de um actor de comédia excepcional, que lutou sempre até ao fim contra a doença que o levou. Vou ter muitas saudades dele, mas sei que ele estará a sorrir onde quer que esteja'

'EXEMPLO DE CORAGEM PELA FORMA C0MO LUTOU', Nicolau Breyner, Actor

'Vou recordar o António Feio como um amigo de longa data. Tínhamos ainda uma grande diferença de idades. Era um actor muito inteligente, com um sentido de humor excepcional. O António deu também um exemplo de coragem pela forma como lutou com toda a força esta doença. Fez uma parelha fantástica comJosé Pedro Gomes.'

'PERDEU-SE UM HOMEM MUITO IMPORTANTE', Manolo Bello, Produtor

'Perdeu-se um grande homem e um grande actor. Era muito importante para o País. Amigo de toda a gente, estava sempre disponível. Lembro-me do António, há mais de 20 anos, no programa do Joaquim Letria, com o Nuno Artur Silva. Andava sempre preocupado com os textos, por causa da censura... Encarou este último momento da sua vida com muita dignidade.'

AMIGO CHORA MORTE DE FEIO

Aldo Lima, grande amigo de António Feio, acompanhou o sofrimento do actor ao longo das últimas semanas. Ontem, na hora do adeus, o comediante estava inconsolável, não conseguia controlar as lágrimas e, por isso, não conseguiu sequer dizer uma só palavra.

No "Todo o Mundo é um Palco" o nosso aplauso de pé!

BEIJOOPORTO

2010-06-20T15:35:00.004+01:00

Dias 22,25,29 e 30 de Junho às 21.45 - Rivoli - Pequeno Auditório

Levar à cena “BEIJOOPORTO”, é completar o tríptico de espectáculos baseados em textos do Historiador Portuense Professor Hélder Pacheco, que se iniciou em 2002, com “PORTO PROFUNDO”, e em 2006 com “A PÁTRIA DAS CAMÉLIAS”.
Intercalados por 4 anos, eis chegados a “BEIJOOPORTO”.

Adaptar para o Teatro alguns textos publicados em livros deste Historiador Portuense, é para nós um sentimento gratificante quando podemos desta forma singela, apesar de efémera, homenagear as humanidades do autor, as palavras e os gestos das gentes, o cheiro das ruas e lugares desaparecidos ou diferentes, a forma como defende orgulhosamente a sua (nossa) cidade, o encanto com que descreve a vida da gente e suas intimidades, feitas de rostos, frases, risos, desesperos e vozes.
Vozes que retratam a Cidade feita pátria das camélias, e que nos levam
profundamente a VER O PORTO, de Hélder Pacheco.
“BEIJOOPORTO” é o complemento deste tríptico que consideram:
“...uma manifestação cultural da cidade e para a cidade, uma forma da cidade se reencontrar com a sua cultura, e é, uma manifestação de gratidão da Companhia Teatral de Ramalde a todos que amam a cidade e valorizam a defesa dos valores desta comunidade, e nada mais oportuno do que o fazer, atravez do olhar de um homem do Porto: Hélder Pacheco”.
“BEIJOOPORTO” é composto por 2 partes com 19 quadros, onde 11 intérpretes representam 68 personagens e figuras, e ainda, o Bolo de S.João, o manjerico, o alho porro, a erva cidreira, as bichas de rabiar e os estalinhos, a “praia dos tesos” na Foz, o eléctrico UM, o arco e a gancheta, a bicicleta de arame, o carrinho de rodas, o pião, o livro de fiados, o óleo de fígado de bacalhau, as papas de linhaça, a infusa d’alhos, as águas do Rio Douro, a Ribeira, as ruas e praças, o Mercado do Bolhão, os Pregões do Porto.
Ah! e uma “bolinha vermelha”, que às vezes surge como aviso.
Divirtam-se e beijem este Porto...profundamente.

Alfredo Correia

Homenagem a Fernando Peixoto

2009-10-04T09:43:00.003+01:00

Caros Amigos,

No próximo dia 31.10, pelas 21.30h, no Auditório Municipal de Gaia, a Associação das Colectividades de Gaia vai homenagear o meu pai, evocando todo o seu percurso de vida.

Será um espectáculo com música, teatro e poesia com textos de sua autoria.

Para reservar o seu convite, envie urgentemente um email para helena_peixoto@sapo.pt, com o número de convites que pretende reservar.

Melhores cumprimentos,

Helena Peixoto

Faleceu Morais e Castro

2009-08-24T01:22:00.003+01:00

José Armando Tavares de Morais e Castro (Lisboa, 30 de Setembro de 1939 - Lisboa, 22 de Agosto de 2009) foi um dos grandes actores e encenadores portugueses.

Actor experimental do Grupo Cénico do Centro 25 da Mocidade Portuguesa, enquanto estudante liceal. Estreia-se profissionalmente no Teatro do Gerifalto, dirigido por António Manuel Couto Viana na peça A Ilha do Tesouro (1956).

Em 1958 estreia-se na televisão em O Rei Veado de Carlo Gozzi, realizado por Artur Ramos. Ainda no Teatro do Gerifalto, integrou o elenco de variadas peças, como O Fidalgo Aprendiz de Francisco Manuel de Melo ou Os Velhos Não Devem Namorar de Afonso Castellau.

Em 1960 trabalha junto de Laura Alves. Em 1961 estreia-se na encenação, dirigindo no Cénico de Direito, O Borrão de Augusto Sobral, premiado no Festival de Teatro de Lyon desse ano. Estreia-se no cinema, com Pássaros de Asas Cortadas de Artur Ramos (1962).
Integrou o Teatro Moderno de Lisboa, de 1961 a 1965, participando em O Tinteiro de Carlos Muñiz ou Humilhados e Ofendidos de Dostoievski onde obtém grande sucesso. Neste período contracenou com actores como Armando Cortez, Fernando Gusmão, Carmen Dolores ou Ruy de Carvalho.

Em 1968 é co-fundador do Grupo 4 no Teatro Aberto, juntamente com Irene Cruz e João Lourenço e aí representou autores como Peter Weiss, Bertolt Brecht, Max Frisch, Peter Handke ou Boris Vian. Aí encenou também É preciso continuar de Luiz Francisco Rebello.

Em 1985 em faz a comédia Pouco Barulho, com Nicolau Breyner, passsando depois pela Companhia Teatral do Chiado, onde ao lado de Mário Viegas participou em À Espera de Godot de Samuel Beckett. Em 2004 a sua interpretação em O Fazedor de Teatro de Thomas Bernard com Joaquim Benite na Companhia de Teatro de Almada valeu-lhe a Menção Honrosa da Crítica. Foi ainda presença regular em novelas e séries, durante a década de 80 e 90. Popularizou-se como professor na série As Lições do Tonecas (1996/1998).
Morais e Castro era licenciado em Direito pela Universidade de Lisboa (1964), exercendo também a advocacia. Foi ainda dirigente do Partido Comunista Português.
Faleceu a 22 de Agosto de 2009 no IPO de Lisboa vítima de cancro.

O Todo o Mundo é um Palco aplaude-o de pé.

Para recordar...

2009-08-08T17:20:00.000+01:00

Morreu Raul Solnado...

2009-08-08T17:13:00.001+01:00

Raul Solnado morreu este sábado aos 79 anos.

O actor estava internado no hospital Santa Maria e esta manhã, pelas 10h50m, foi confirmado o óbito.

Segundo informou o hospital, Solnado sucumbiu na sequência da evolução de um quadro clínico cardio-vascular grave, depois de ter sido operado à carótida, à três dias.

Raul Augusto Almeida Solnado, nasceu a 19 de Outubro de 1929, foi humorista, apresentador de televisão e actor.

Até à sua morte foi director da Casa do Artista, sociedade de apoio aos artistas situada em Carnide, Lisboa, que fundou juntamente com Armando Cortez, entre outros.

Solnado começou a trabalhar em 1947 no teatro amador, na Guilherme Cossul - uma colectividade que nunca esqueceu.

Em 1952 estreou-se «profissionalmente» num show no Maxime e a partir daí não mais parou: opereta, revista, teatro clássico, cinema, televisão. Fazendo rir e pensar.

No palco destacou-se como actor de mil faces, mas foi com as gargalhadas que Raul Solnado se tornou uma figura mítica do espectáculo.

Um génio do humor que conseguiu pôr Portugal a rir de uma guerra sem sentido (com famosa rábula «a guerra de 1908»), numa altura em que a guerra colonial era um assunto tabu. Gargalhadas que venceram uma guerra e que fizeram de Raul Solnado um recordista de vendas discográficas com um disco que nem canções tinha.

O êxito dos monólogos «a guerra de 1908» e «a história da minha vida» foi de tal maneira que superou as vendas de Amália Rodrigues.

Oito anos mais tarde, em 1969, com Carlos Cruz e Fialho Gouveia apresentou na RTP um programa inovador que se tornou um marco na programação televisiva: o «Zip-Zip». Na década de 60 criou de raiz e dirigiu o teatro Villaret.

Raul Solnado assinou assim um tipo de humor nunca visto em Portugal, um humor que esgotou bilheteiras nas principais salas de espectáculo.

O nosso aplauso de pé e um até sempre a um dos maiores actores portugueses.

Até Sempre Amigo...

2009-07-30T22:17:00.006+01:00

Manuel Angelo Mota, um amigo e homem de teatro, partiu na passada segunda-feira (27 de Julho). O funeral realiza-se amanhã pelas 10 horas no cemitério de Santa Marinha em Vila Nova de Gaia. Em Janeiro de 2002, na altura em que completava 60 anos, Fernando Peixoto dedicou-lhe este acróstico que hoje aqui deixamos como homenagem.

ACRÓSTICO AO

M anuel: é o teu nome uma memória,

A travessando os palcos, bem gravada,

N uma firme e coerente trajectória

U nindo muita gente variada,

E rguendo, cena a cena, a oratória

L ivre, pelo Teatro derramada.

A rtista, construindo a sua história

N o Drama ou na Comédia trabalhada

G ritando a euforia da vitória

E ntre actos duma vida partilhada,

L utador incansável, bem conheces

O Amor dos amigos que mereces.

D ando-te sempre aos outros nada esperas

A lém das amizades mais sinceras.

F ormando actores, ergueste no tablado

O ndas de sonhos, ondas de ilusões,

N um mar encapelado de emoções

S em dar descanso ao corpo fatigado,

E stimulando os outros com lições,

C onstruindo nos outros sensações,

A que tu mesmo estavas vinculado.

M estre foste de actores, nesta viagem,

O rago do teatro de amadores,

T u que foste, de entre todos, dos maiores,

A ceita, hoje, de nós, esta Homenagem.

FERNANDO PEIXOTO - 19 de Janeiro de 2002

"O Leão e o Grilo" - Nova Apresentação

2009-07-02T12:24:00.002+01:00

Estimado(a) Amigo(a),

O Grupo de Teatro "Bankuiteatro", constituído por Adolescentes e Jovens que integram a Secção de Teatro da Delegação do Norte do Clube GBES vai efectuar um espectáculo da Peça de Teatro "O Leão e o Grilo", da autoria de Fernando Peixoto e encenação de Francisco Santos, no Mini-Auditório sito na Rua Cândido dos Reis, 78, na Cidade do Porto, no próximo dia 05/07/2009 pelas 10h45.

O espectáculo é aberto a todos.

Contamos consigo!

Um abraço

Helena Peixoto

MAX E MILA

2009-06-11T15:21:00.002+01:00

A Contacto vai estrear no próximo dia 12 de Junho, pelas 21H45, a sua 42ª produção teatral: "Max e Mila" de Volker Ludwig com adaptação e encenação de Manuel Ramos Costa. Max e Mila são irmãos de temperamentos muito distintos. Toleram-se com muita dificuldade e em consequência disso acham-se em constante conflito. Mila adora ver televisão. Max prefere as brincadeiras. A possibilidade de se tornarem amigos e cúmplices parece remota, até ao dia em que ambos conhecem Pedro, um rapaz não menos complicado, que acaba por dar a volta à situação...

É este o enredo, resumido, desta história de expressão realista que se destina a toda a familia

Não perca a oportunidade de se deslocar à Casa da Contacto, na Rua Dr. José Falcão, 237 para assistir às aventuras e aos sonhos destes três personagens. Mais informações em www.contactovar.com -

Contacto - Companhia de Teatro Água Corrente de Ovar

Apareçam!!!

O LEÃO E O GRILO

2009-05-14T00:09:00.007+01:00

Não sei bem precisar com que idade me lembro de ouvir a estória do leão e do grilo pela primeira vez. Deve ter sido muito cedo pois as primeiras recordações da minha infância já incluem esta estória em jeito de fábula. Consigo recordar com exactidão o meu pai a contá-la, a minha euforia quando integrei o grupo de crianças que a representaram pela primeira vez e uma experiência deliciosa que foi a minha participação na representação em teatro radiofónico. Foram, porém, escassas as vezes em que foi representada, apesar da importância da sua mensagem e do papel que poderia desempenhar na formação do carácter de uma criança.
Este leão e o grilo são a representação dos valores em que o meu pai me educou, enaltecendo a paz e o diálogo em detrimento do conflito. “A guerra só traz a dor, as guerras são sempre más, para o mundo ser melhor temos de viver em paz” ou “Mais forte que a força bruta é a força da razão…”, frases como esta tornam tão actual uma história que já tem quase trinta anos e constituem um alerta para a necessidade de educarmos crianças diferentes, que tenham na sua infância algo mais que jogos de computador e desenhos animados repletos de violência.
Este leão personifica o orgulho e a incompreensão que são a causa de tantas guerras. O grilo é todo aquele que, apesar de uma posição vitoriosa, não perde a sua humildade.

Trinta anos depois esta fábula repete-se no nosso quotidiano. No entanto, ver em cena esta peça desperta-me esperança, pois as crianças que hoje a verão serão homens e mulheres amanhã, quem sabe com capacidade decisória para mudar o mundo. É verdade que, tal como o meu pai quando criou esta peça, também eu acalento um sonho… poder ver crescer as minhas filhas num mundo em paz.
Ao Francisco Santos e aos jovens do Grupo Desportivo do Sindicato dos Bancários do Norte o meu agradecimento, por me trazerem um manancial de memórias de tempos tão felizes vividos com um homem extraordinariamente especial como o meu pai mas, sobretudo pela coragem de fazer renascer esta mensagem de paz e fraternidade a um mundo entorpecido por tantas guerras.

Sabemos das muitas horas necessárias para levar à cena um espectáculo como este, da necessidade de persistência e do espírito de sacrifício para fazer vingar um projecto assim, para todos vocês o meu aplauso de pé.
Parabéns!

Helena Peixoto

O LEÃO E O GRILO

2009-05-05T17:09:00.002+01:00

O Grupo de Teatro “Bankuiteatro”, constituído por Adolescentes e Jovens que integram a Secção de Teatro da Delegação do Norte do Clube GBES vai estrear no Auditório da Junta de Freguesia de Paranhos, da Cidade do Porto, sito na Rua Álvaro Castelões, 811/831, no próximo dia 10/05/2009 pelas 16h00, o seu novo espectáculo "O Leão e o Grilo".

Uma peça de teatro infantil da autoria de Fernando Peixoto e encenação de Francisco Santos.

Contamos com a sua presença no espectáculo da estreia da referida peça.

CONDECORAÇÃO A FERNANDO PEIXOTO

2009-04-23T23:54:00.003+01:00

Dia 25 de Abril, pelas 10.30, no Pavilhão Municipal, junto ao Parque da Lavandeira em Vila Nova de Gaia, Fernando Peixoto vai ser condecorado a título póstumo com a medalha de Mérito Municipal Classe Ouro,por militância cívica.

ABRIL E... TU

2009-04-23T23:49:00.002+01:00

Em Abril tu sentes a vontade
de erguer o rosto ao sol em desafio
Em Abril descobres a verdade
da esperança que te alaga como um rio
Em Abril há brilho nos teus olhos
e há também a firme decisão
de rasgar caminhos, de vencer escolhos,
de fazer de cada dia uma canção.
Em Abril
recuperas a confiança em ti próprio
e no povo a que pertences,
tu sabes, em Abril, que a vida avança
e sorris na certeza de que vences.
Tu lembras, em Abril,
a madrugada que vestiu as cadeias de euforia
e restituiu à voz amordaçada
a força canora da alegria.
Tu lembras, em Abril, o fim do medo
(o fim do medo!),
o fim da guerra ( o fim da guerra!),
o fim das prisões e do degredo
e o regresso do filho à mãe, à terra.
Tu lembras, em Abril,
a tortura, a fome, a opressão,
tu lembras, em Abril,
o fascismo, a ditadura
e o dia do fim da repressão.
Tu lembras, em Abril,
a claridade que rompeu de madrugada
em rostos mil
quando Grândola, a canção da liberdade,
tingiu de vermelho o céu de anil.

Tu saúdas, em Abril, o mundo novo,
tu saúdas, em Abril, a nova idade,
tu saúdas, afinal, todo este povo
que em Abril conquistou a liberdade.

FERNANDO PEIXOTO

ABRIL EM FLOR

2009-04-17T17:56:00.002+01:00

Abril em Portugal é sinónimo de liberdade, de cravos e de esperança e é também o mês em que a Contacto produz e realiza o Abril em Flor um espectáculo multidisciplinar de música, poesia, teatro e dança que tem como principal objectivo recordar a revolução de 1974 que trouxe um novo rumo ao nosso país.
Este ano o convidado de honra será o Grupo de Baladas Nostalgia (de Espinho) e serão também apresentados dois sketches de teatro alusivos ao tema bem assim como leitura encenada de poemas sobre Abril e um número de dança / expressão corporal.
Motivos não faltam, e bons, para visitar a Casa da Contacto no próximo dia 24 à noite.

. Sexta Feira 24 de Abril às 21H45
. "Abril em Flor 2009 - Dia da Liberdade", direcção geral de Manuel Ramos Costa

. Oficina de Teatro da Contacto / Grupo de Baladas Nostalgia

. Local: Casa da Contacto, Rua Dr. José Falcão 237

Reservas através do 917458619 e/ou contacto.corrente@sapo.pt
Mais informações em anexo e também em http://www.contactovar.com/

Fernando Rodrigues

UM ESCANDALO!

2009-04-17T10:56:00.003+01:00

Este ano o “Fazer a Festa” não se realiza no Porto!

O Teatro Art’ Imagem previa realizar a 28ª edição do “FAZER A FESTA – Festival Internacional de Teatro” na cidade do Porto (nos jardins do Palácio de Cristal, como tem sido hábito há mais de 15 anos) dos dias 25 abril a 3 de Maio.

Este Festival, organizado na cidade do Porto anual e ininterruptamente desde 1981, foi sempre reconhecido como de interesse municipal, tendo em 2001 recebido a Medalha de Ouro de Mérito Cultural atribuída por unanimidade pela vereação da C. M. do Porto.

Depois dos acontecimentos de 2006, que obrigaram o Teatro Art’ Imagem a levar a tribunal a C.M. Porto por incumprimento do apoio financeiro já acordado ao “Fazer a Festa” desse ano, a nossa companhia não teve qualquer apoio financeiro do município para a concretização da edição de 2007 do Festival.

Em 2008, após reunião com o Dr Gonçalo Gonçalves, vereador da Cultura da C.M. Porto, este, mostrando-se receptivo ao pedido de apoio financeiro aí formulado, reencaminhou-o para a empresa Porto Lazer EM.
Esta entendeu apoiar o Festival logística e financeiramente, o qual decorreu de 25 abril a 4 de maio 08.
O apoio financeiro foi de 15.000,00 (quinze mil euros), sendo o contrato de colaboração enviado para nossa assinatura a 13 de Outubro 2008.

Em 2009, de novo após reunião com o vereador da Cultura da C.M. Porto (que se mostrou receptivo a um apoio financeiro igual ao do ano anterior para a edição de 2009 do “FAZER A FESTA” e que, por nossa sugestão, ficou de considerar a hipótese de o mesmo ser aumentado para 20.000,00), o pedido transitou novamente para a Porto Lazer que a 16 de fevereiro 09 nos comunicou verbalmente que contássemos, pelo menos, com o mesmo apoio logístico e financeiro do ano anterior e que a hipótese do apoio financeiro ser aumentado para 20.000,00 não estava ainda posta de parte.

Entretanto, a data de julgamento da acção sobre a edição de 2006 do “FAZER A FESTA”, marcada para 24 março 09 (mas posteriormente adiada para o próximo dia 17 abril 09), foi objecto de notícia no “Jornal de Notícias” a 20 março 09.

A 25 de março 09, a pedido da Porto Lazer e com carácter de urgência, tivemos uma reunião com o Eng. Ricardo Almeida, onde nos foi comunicado que:
iria haver cortes percentuais no montante financeiro de vários eventos culturais, (entre outros, os festivais de teatro FITEI e FIMP) e que o “FAZER A FESTA” não teria qualquer apoio financeiro devido a dificuldades orçamentais.

Tal como afirmámos nessa reunião, cremos que esta cronologia de acontecimentos demonstra bem que este festival da cidade, organizado pelo Teatro Art’ Imagem, não está a ser equacionado da mesma forma que outros idênticos, o que nos leva a pensar que está a sofrer retaliações por parte do executivo camarário.

Nesta conformidade, a companhia considera não estarem reunidas as condições de seriedade, boa-fé e integridade para assinar um acordo com um parceiro que mais uma vez falta à palavra dada.

Assim, o Teatro Art’ Imagem entende que esta atitude da C.M. Porto (até porque a mesma não foi tomada face aos outros Festivais de Teatro da cidade), teria de ter uma resposta exemplar, não pactuando com uma atitude que, mais uma vez debilitando à última hora a organização do Festival, prejudica fortemente a actividade cultural da cidade e os munícipes portuenses que, ao longo de 28 anos, têm aos milhares acompanhado as várias edições do “Fazer a Festa”, património cultural da cidade.

Como forma de protesto para com a política cultural deste executivo, a qual não dignifica nem respeita os seus agentes culturais e artistas, não os tratando com seriedade e boa-fé, decidimos – excepcionalmente – realizar a edição de 2009 do Festival no concelho da Maia.
Uma vez que a programação do Festival estava já definida para os jardins do Palácio de Cristal, esta autarquia disponibilizou-nos “in extremis” as condições necessárias para a sua concretização, tendo a programação sido redimensionada para os novos locais onde decorrerá: os jardins e o auditório da Quinta da Caverneira, em Águas Santas (para os espectáculos dirigidos ao público em geral) e o Grande Auditório do Fórum da Maia (para os espectáculos dirigidos aos públicos escolares).

Esta edição de 2009 - um “Fazer a Festa” aqui ao lado (!) que irá acrescentará novos públicos aos públicos habituais do Festival… - só é possível graças tanto à compreensão das companhias de teatro participantes (e também àquelas que à última da hora não puderam estar presentes devido a um orçamento que foi fortemente abalado e às condições dos espaços teatrais disponíveis), como da Câmara Municipal da Maia, (concelho onde o Teatro Art’ Imagem desenvolve grande parte da sua actividade), que mais uma vez deu provas da relevância com que encara a Cultura e os seus artistas e agentes e, sobretudo, como procura dinamizar e solidificar a oferta cultural para os seus munícipes.

Esperamos que no próximo ano o “Fazer a Festa – festival internacional de teatro” volte aos jardins do Palácio de Cristal, seu “habitat” natural, em condições de dignidade que este ano não existiram.

O “Fazer a Festa”, o terceiro festival de teatro mais antigo do País, é um festival da cidade do Porto
e é aqui que o queremos continuar a realizar com todo o apoio da sua Câmara Municipal !

14 de Abril de 2009
A direcção do TEATRO ART’ IMAGEM

COMEMORAÇÕES DO 25 DE ABRIL

2009-04-09T20:14:00.004+01:00

NO ABRIL DOS SONHOS...VAMOS (RE) COMEÇAR!

SALÃO DA ASSOCIAÇÃO RECREATIVA DE CANIDELO, VILA NOVA DE GAIA,18 DE ABRIL, SÁBADO,21H 45M, ENTRADA LIVRE!

AJA Norte e TINO FLORES!

ASSOCIAÇÃO JOSÉ AFONSO (NÚCLEO DO NORTE)

27 Março de 2009 - DIA MUNDIAL DO TEATRO

2009-03-23T20:32:00.003Z

Augusto Boal.

O diretor brasileiro de renome mundial é o autor, este ano, da mensagem do Instituto Internacional do Teatro (IIT) elaborada em comemoração ao Dia Mundial do Teatro, celebrado em 27 de março. Inventor do Teatro do Oprimido e do personagem denominado “espect-ator”, Boal nos convida a subir no palco da vida para criar um mundo onde a dualidade opressores/oprimido será abolida.

MENSAGEM

Teatro não pode ser apenas um evento - é forma de vida! Mesmo quando inconscientes, as relações humanas são estruturadas em forma teatral: o uso do espaço, a linguagem do corpo, a escolha das palavras e a modulação das vozes, o confronto de idéias e paixões, tudo que fazemos no palco fazemos sempre em nossas vidas: nós somos teatro! Não só casamentos e funerais são espetáculos, mas também os rituais cotidianos que, por sua familiaridade, não nos chegam à consciência. Não só pompas, mas também o café da manhã e os bons-dias, tímidos namoros e grandes conflitos passionais, uma sessão do Senado ou uma reunião diplomática – tudo é teatro. Uma das principais funções da nossa arte é tornar conscientes esses espetáculos da vida diária onde os atores são os próprios espectadores, o palco é a platéia e a platéia, o palco. Somos todos artistas: fazendo teatro, aprendemos a ver aquilo que nos salta aos olhos, mas que somos incapazes de ver, tão habituados estamos apenas a olhar. O que nos é familiar torna-se invisível: fazer teatro, ao contrário, ilumina o palco da nossa vida cotidiana.

Em setembro do ano passado fomos surpreendidos por uma revelação teatral: nós, que pensávamos viver em um mundo seguro, apesar das guerras, genocídios, hecatombes e torturas que aconteciam, sim, mas longe de nós, em países distantes e selvagens, nós vivíamos seguros com nosso dinheiro guardado em um banco respeitável ou nas mãos de um honesto corretor da bolsa quando fomos informados de que esse dinheiro não existia, era virtual, feia ficção de alguns economistas que não eram ficção, nem eram seguros, nem respeitáveis. Tudo não passava de mau teatro com triste enredo, onde poucos ganhavam muito e muitos perdiam tudo. Políticos dos países ricos fecharam-se em reuniões secretas e de lá saíram com soluções mágicas. Nós, vítimas de suas decisões, continuamos espectadores sentados na última fila das galerias. Vinte anos atrás, eu dirigi Fedra de Racine, no Rio de Janeiro. O cenário era pobre: no chão, peles de vaca; em volta, bambus. Antes de começar o espetáculo, eu dizia aos meus atores: "Agora acabou a ficção que fazemos no dia-a-dia. Quando cruzarem esses bambus, lá no palco, nenhum de vocês tem o direito de mentir. Teatro é a Verdade Escondida". Vendo o mundo além das aparências, vemos opressores e oprimidos em todas as sociedades, etnias, gêneros, classes e castas, vemos o mundo injusto e cruel. Temos a obrigação de inventar outro mundo porque sabemos que outro mundo é possível. Mas cabe a nós construí-lo com nossas mãos entrando em cena, no palco e na vida. Atores somos todos nós, e cidadão não é aquele que vive em sociedade: é aquele que a transforma!

Augusto Boal

CALE-SE 3

2009-03-23T15:14:00.003Z

(Mensagem lida no espectáculo de encerramento do Festival CALE-SE)

Boa noite.
Chegamos ao fim da terceira edição do festival CALE-se com a satisfação de ter cumprido os objectivos a que nos propusemos: a divulgação de trabalhos de teatro não profissional, incentivando a sua qualidade através da atribuição de prémios de mérito – os Prémios CALE, que começam a ser a referência nacional que almejamos desde a primeira hora.
Conscientes da importância que o Teatro tem no desenvolvimento cultural e social dos jovens, também este ano insistimos na colaboração das escolas do concelho. Infelizmente essa colaboração ainda não foi se realizou nos moldes que idealizamos, apesar de destacar e agradecer a presença neste festival dos alunos de turmas do 8º ano da Escola Secundária Inês de Castro. Para muitos desses alunos, terá sido esta a primeira vez que pisaram um palco e esperamos, sinceramente, que isso possa marcar o seu caminho cultural, de preferência ligado ao Teatro. É nosso objectivo criar e fomentar o aparecimento de novos públicos, de nada melhor do que envolver os jovens para atingir tais premissas.
As falhas que lamentavelmente não conseguimos ultrapassar – e há sempre falhas! – vamos encará-las como um novo desafio, que, esperamos vencer na próxima edição do CALE-se. Tal como no palco, as dificuldades da vida e concretamente as dificuldades na organização de um evento destes só se podem ultrapassar com determinação e trabalho. E isso, nós orgulhamo-nos de ter…
Falando em dificuldades, uma semana antes do arranque desta edição, escrevi no texto de abertura do programa de sala, que a crise que Portugal atravessa poderia ser de bom agoiro para o Teatro de Amadores... mal sabia eu que, dois ou três dias mais tarde me comunicavam que tinha sido despedido, juntamente com 120 colegas. Peço desculpa por estar a falar disso, mas se o faço é porque quero realçar que, hoje, com a minha vida virada a 180º, não mudaria uma linha sequer desse texto e dessa convicção, de que a crise – em muitos casos, como sabem, uma “pseudocrise” – pode ser uma alavanca para o despertar de uma nova consciência do que deve ser o associativismo, cultura onde se insere o Teatro de amadores.
Tentamos trazer ao “Cale-se 3” uma selecção de espectáculos que, dentro das 35 candidaturas recebidas, nos pareceram ser o mais adequados ao espírito deste festival; quero, desde já, deixar uma palavra pública de agradecimento aos grupos participantes e dizer-lhes que, foi com muito agrado que os recebemos. Estamos num festival competitivo e sabemos que todos gostam de ganhar, mas queríamos que encarassem a vossa participação como um ganho, assim como foi para nós, uma mais-valia termos assistido aos vossos espectáculos, permitindo-nos conhecer diferentes maneiras de ver e de interpretar o Teatro. A decisão dos prémios, tenho dito repetidamente, é sempre uma escolha subjectiva, pois depende de quem está a fazer a avaliação dos espectáculos. E, concordemos ou não, são as escolhas de três pessoas destacadas para o efeito.
Premiados ou não, o fundamental é os grupos reflectirem sobre a importância da qualidade das produções que apresentam a público, pois quem está desse lado, assim o exige. E nós devemos isso ao público que escolheu sair de casa para estar aqui, que escolheu ver Teatro, que escolheu ver os vossos espectáculos. Se essa reflexão for feita, estará cumprido talvez o objectivo mais importante deste festival e todos sairão vencedores.

Não posso acabar sem fazer os devidos agradecimentos a quem nos ajudou e apoiou. E todas as ajudas são imprescindíveis para realizar o “Cale-se”: os apoios das várias lojas comerciais, dos restaurantes e dos nossos parceiros, que, apesar do muito pouco que às vezes possa parecer a sua ajuda, são no seu conjunto contributos fundamentais para tornar tudo isto possível. A todos, sem excepção, o nosso profundo obrigado.
Por fim, obviamente, devemos um caloroso agradecimento a todos vós, público, pois de nada adianta o nosso trabalho, actores e técnicos ou organizadores destes eventos, se vocês não estivessem aqui.
Passaram por esta sala desde 17 de Janeiro, 1260 pessoas, traduzindo-se numa média de 140 espectadores por sessão.
Obrigado.

Cândido Xavier (21 de Março 2009)

ENCERRAMENTO CALE-SE 3 - FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO

2009-03-23T14:50:00.007Z

VENCEDORES DOS "PRÉMIOS CALE"

Por deliberação do júri – composto por Salvador Santos (administrador do Teatro Nacional de S. João), Fernando Rodrigues (presidente da Contacto - Companhia de Teatro Água Corrente de Ovar) e Cândido Xavier (director do festival "CALE-se") – foram atribuídos no passado sábado, na grande festa de encerramento do festival "CALE-se", os Prémios CALE 2009, para destacar os melhores desempenhos nas oito categorias a concurso na terceira edição do certame:

MELHOR GUARDA ROUPA

Espectáculos nomeados:
"Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

"A bengala" – Ultimacto" Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR

VENCEDOR: MARTA BALDAIA, autora dos figurinos do espectáculo "Nem tudo começa com um beijo", do grupo Sol d'Alma

MELHOR DESENHO DE LUZ

Espectáculos nomeados:
"Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

" Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR
"Os outros" – Cegada Grupo de Teatro

VENCEDOR: RENATO SANTOS e JOSÉ TELES, do espectáculo "Os outros", do Cegada Grupo de Teatro

MELHOR SONOPLASTIA

Espectáculos nomeados:
"Camila Baker" – Loucomotiva

" Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR
VENCEDOR: ADELINO RODRIGUES, no espectáculo "Camila Baker", do grupo Loucomotiva

Foi ainda atribuída uma Menção de Mérito a Rui M. Silva e Rui Pinheiro, pelo desempenho no espectáculo " Da ocidental praia lusitana…", do grupo AJITAR

MELHOR CENOGRAFIA

Espectáculos nomeados:

"O albergue" – Os Plebeus Avintenses

"Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma
"Camila Baker" – Loucomotiva"Os outros" – Cegada Grupo de Teatro
VENCEDOR: MARTA BALDAIA, autora dos figurinos do espectáculo "Nem tudo começa com um beijo", do grupo Sol d'Alma

MELHOR INTERPRETAÇÃO MASCULINA

Nomeados:
Guilherme Ruano, em "Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

Marco Paulete, em "Camila Baker" – Loucomotiva

Luís de Melo, em "Camila Baker" – Loucomotiva

Luíz Tomaz, em "A bengala" – Ultimacto
VENCEDOR: LUÍS TOMAZ, pelo seu desempenho no espectáculo "A bengala", do grupo Ultimacto

MELHOR INTERPRETAÇÃO FEMININA

Nomeadas:
Sílvia Cruz, em "O albergue" – Os Plebeus Avintenses

Ana Filipa Cardoso, em "Camila Baker" – Loucomotiva

VENCEDORA: ANA FILIPA CARDOSO, pelo seu desempenho no espectáculo "Camila Baker", do grupo Loucomotiva

MELHOR ENCENAÇÃO

Espectáculos nomeados:
"Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

"Camila Baker" – Loucomotiva

"A bengala" – Ultimacto" Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR

VENCEDOR: RUI M. SILVA, autor da encenação do espectáculo " Da ocidental praia lusitana… por (impensáveis) mares nunca antes navegados", do grupo AJITAR

MELHOR ESPECTÁCULO

Espectáculos nomeados:
"Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

"Camila Baker" – Loucomotiva

" Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR
VENCEDOR: "CAMILA BAKER", apresentado pelo grupo Loucomotiva, de Taveiro (Coimbra)

PRÉMIO DO PÚBLICO

Este prémio reflecte o voto do público para a escolha do "Melhor Espectáculo". Para tal, votaram os espectadores mais assíduos da terceira edição do festival, cujos votos foram distribuídos da seguinte forma:

33% - conjunto dos cinco espectáculos menos votados

15% - 3.º classificado - "Nem tudo começa com um beijo" – Sol d'Alma

22% - 2.º classificado - " Da ocidental praia lusitana…" – AJITAR
VENCEDOR: 30% - "A BIRRA DO MORTO" – Kaspiadas Grupo Cénico da Casa do Povo de Pontével

AOS AMANTES DE TALMA...

2009-03-23T13:40:00.003Z

Mensagem do Dia do Teatro Amador

“ Amigo, maior que o pensamento. Por essa estrada amigo vem. Não percas tempo que o vento. É meu amigo também”.
Em terra, em todas as fronteiras. Seja bem vindo quer vier por bem. Se alguém houver que não queira. Trá-lo contigo também.
Se pudesse comprar palavras, estas, seria por certo dono delas. Mas, o seu a seu dono, são palavras de José (Zeca) Afonso, da cantiga – “Trás um amigo também”

E no ano que completo 40 Anos de Vida no Teatro, que a minha memória me leva ao ano de 1969, no Grupo dos Modestos (extinto em 1988), na peça “TODO O MUNDO E NINGUÉM”, de Gil Vicente, no papel de Dinato, com encenação de Leandro Vale, a ANTA trouxe-me até aqui, depois de tanto intervir no seu sítio, umas vezes, com palavras certas, outras vezes, com palavras a passear…
Mas, como não somos donos das palavras, nem tão pouco as podemos comprar, somos às vezes, (muitas vezes), escravos da palavra. E, é por isso, que o “Meu Dom da Palavra” me diz para dizer:
-O Teatro de Amadores das Associações tem de facto um “papel principal” no Desenvolvimento Cultural dos Locais e Regiões onde está inserido.
E tal como no Ensino Básico, é uma “Escola” necessária, no Desenvolvimento Social da população, por isso, os Amadores de Teatro das Associações, devem ser responsáveis e terem orgulho de pertencerem à Grande Região, que produz Teatro no nosso País.
E, se atendermos à importância que o Movimento Associativo tem na Sociedade através das suas mais diversas actividades, mais orgulhosos podemos estar.
Daí, que devemos, TODOS E CADA UM, com a dignidade que o Teatro nos merece, sermos (nos ensaios, nos espectáculos, todos os dias) responsáveis, pelo que significa o Teatro de Amadores das Associações, ou como digo: (expressão que criei) o Teatro Associativo.
E quando se falar na “reforma artística”, devemos antes, (e por isso é prioritário) saber, o que significa a RESPONSABILIDADE DE SER AMADOR DE TEATRO.
A criatividade, o espírito de sacrifício, a solidariedade, quando aliados a uma saudável aprendizagem associativa, são verdadeiramente bases socioculturais importantes, que o Teatro coloca à disposição da sociedade, substituindo em grande medida o “papel principal” dos governantes.
Então, chegados a este conhecimento, sabemos que, com a nossa “mão de obra barata” colocamos à disposição da grande maioria da população, o nosso trabalho técnico/artístico, mas conscientes, que prestamos um Serviço Sociocultural à Sociedade.
E, não é pelo facto de sermos compulsivamente apaixonados “AMANTES DE TALMA “, que a nossa paixão é cega. Sabemos, que hoje, e cada vez mais, é necessário saber “suar a camisola”.
Todos sabemos o que temos feito, mas, o que muitos não sabem, é o significado da RESPONSABILIDADE DE SER AMADOR DE TEATRO.
Sabemos que a tarefa não é fácil, pois infelizmente, ainda há muito “boa gente”, que julga que o Teatro de Amadores das Associações, é uma actividade de recreio, ou de lazer, e pior, é quando pensam, que pelo facto de ser AMADOR... é desculpa!
E mais, não se importam nada de ouvirem dizer “P’ra amadores não está mal” , e até considerem um elogio.
É urgente dizer, a quem assim pensa, o que significa a RESPONSABILIDADE DE SER AMADOR DE TEATRO.
Companheiros
Não é minha intenção” meter o nariz no pó do palco dos outros”, mas é meu entendimento, o quanto é prioritário, alterar esta forma de estar e pensar o Teatro produzido nas Associações.
Todos nós já recebemos muitas manifestações de apreço de Organismos, de Instituições e Personalidades, que nos dizem, que estamos no caminho certo, e que o serviço que prestamos e colocamos à disposição da população, é uma Mais Valia Sociocultural, Associativa e Artística, mas, apesar de todos estes incentivos, temos que, (peça a peça) ano após ano, melhorar o nosso trabalho, para que não considerem os nosso pedidos de apoio, uma exigência fútil, mas sim, uma pretensão que nos assiste, quando queremos melhorar as condições do nosso trabalho, e servir com melhor qualidade as populações.
Também sabemos, e temos disso consciência, que a pretensão que temos para com o “Nosso Teatro”, só é possível com o apoio indispensável de parceiros interessados no crescer cultural da nossa terra.
E quando digo “crescer”, refiro-me particularmente ao crescimento cultural das crianças, dos jovens, e por que não, dos adultos.
Todas as Artes são importantes e neste caso particular o Teatro, para a formação dos cidadãos, e, quanto mais pequenos melhor.
Podemos não saber o que é que queremos que eles aprendam, mas, que devem aprender uma Arte, isso devem.
Com esta aprendizagem, vão ter por certo uma melhor visão da vida e do mundo, e como sabemos, as crianças expressam-se naturalmente. Faz parte da sua descoberta do mundo que as rodeia. Experimentam coisas através de um jogo permanente com a realidade.
Tal como as crianças, os jovens e os adultos, têm no Teatro esse prazenteiro jogo do
« fazer - de – conta », que possibilita conhecer melhor as humanidades.
Claro que não será por isso, que todos serão técnicos ou intérpretes, mas serão por certo cidadãos com princípios éticos, e capazes de saber partilhar e ter conceitos mais ricos e diversificados.
E se pensarmos, que primeiro aprendemos a falar, e depois mais tarde, na escola, aprendemos o abecedário. Podemos ter em conta, que no Teatro se pode e deve aplicar esta verdade como princípio.
Primeiro aprender a Cultura e a Ética Teatral, ter urbanidade para e com a Arte, e depois, mais tarde, na “escola”, aprender a Formação Técnica /Artística.
Se quiserem ter a compreensão, de que, esta base ética é fundamental, o Teatro de Amadores das Associações, é, (deve e pode ser), uma boa escola da vida.
Estar ou Ser do Teatro, é um confronto permanente com a realidade.
Os primeiros contactos devem ser de forma lúdica e divertida, o que, os torna mais tarde, activos e com sentido crítico e participativos.
Aprende-se com todos os sentidos e fica-se mais aberto àquilo que desconhecemos.
É bom que se entenda que o Teatro tal como as outras Artes, são espaços de liberdade e criatividade, onde existe a possibilidade de criar uma mudança de atitude.
Como diz Kant:- «apenas os gostos se discutem»
Mas no Teatro, discutir, é procurar estabelecer pontes, é falar das emoções e vivências partilhadas, tendo por base, experiências de vida muito diferentes.
O papel do Teatro é esse mesmo:
- Proporcionar um sonho de comunidade entre indivíduos distintos.
Estar no Teatro, é muito mais do que se imagina, ou aquilo que se pode encontrar nos livros.
Ser do Teatro, é saber que há objectos inúteis, mas contêm em si, os mais elevados valores.
O Teatro é um curso que nem uma vida inteira chega para o concluir. Por isso se diz :
- “o que custa mais ,são os primeiros 30 anos”
No Teatro, nada é mais importante do que proporcionar a possibilidade de ser cada vez melhor, com a certeza saudável, que nunca se atingirá a perfeição.
E assim, será muito mais possível, acreditar num futuro melhor.
Num futuro, onde hajam Mulheres e Homens com motivação para investirem, não só no seu crescimento social, e na sua qualidade de vida cultural, mas também, contribuir para o Desenvolvimento do Local onde estão inseridos.
Mas para isso, não chegam só as boas vontades, o voluntariado, ou até, ter gente com mais ou menos capacidades técnicas e artísticas, pois sabemos, que cada vez mais, a tecnologia é indispensável nos meios de produção.
Hoje, mais do que nunca, a utilização de meios técnicos, faz parte da formação e do trabalho de cada um. Hoje, a qualidade de vida, tem que passar pela utilização das novas tecnologias.
Cabe por isso, aos Dirigentes Artísticos e Associativos, aos Agentes Culturais, aos Patrocinadores, às Juntas de Freguesia, às Autarquias, (já que o Governo Central não aceita pedidos de apoio, dos Amadores de Teatro), um maior esforço nos apoios, e na contribuição para o crescimento sociocultural das Artes dos Palcos Associativos.
Enquanto isso não for possível, com mais ou menos dificuldades, continuaremos, com “a “mão de obra barata ” que somos, e A LEVAR O TEATRO À PORTA DOS FREGUESES.
Valha-nos, a muita paixão que sentimos pelo Teatro, valha- nos a muita preseverança que temos em querer melhorar a vida cultural do País Que Somos, que aliadas a alguns apoios públicos, e à solidariedade de personalidades e organismos, que acreditam no trabalho dos Amadores de Teatro, vai sendo possível, levar por diante esta maravilhosa tarefa artística e sociocultural , chamada TEATRO. Valha-nos isso.
Mas, não nos devemos esquecer, o quanto é importante saber o que é A
RESPONSABILIDADE DE SER AMADOR DE TEATRO.

O Teatro de Amadores das Associações, é de facto, e sem demagogias, uma Grande Escola de Humanização para a Vida Social, Cultural e Associativa.

Com um abraço companheiro
Sempre
ALFREDO CORREIA
CTR/AMASPORTO

20 de MARÇO DE 2009 - DIA DO TEATRO ASSOCIATIVO (instituído em 1996 pelo AMASPORTO - Encontro de Teatro Associativo)

2009-03-23T13:35:00.003Z

Estou em crer que, por si só, o Teatro de Amadores não teria dado tão
grande passo nem teria alcançado tamanha importância no desenvolvimento cultural e social, não fora, o estar integrado no Movimento Associativo.
No caso vertente, o Teatro Associativo, que o Amasporto instituiu, em 1996.

Falar do Teatro de Amadores sempre mexe comigo, sempre me desperta emoções
fortes, ora de regozijo e contentamento,ora de desalento e de tristeza.

De regozijo e contentamento que mal cabem no peito, e que, por vezes extravasam numa ou noutra lágrima disfarçada de sorriso e que se perde por entre luzes e aplausos quando levamos a cabo e a bom termo o que nos propusemos - a Arte de Talma na sua versão mais integra possível.
De desalento e tristeza,daquelas que nos aperta o estômago,arrefece e magoa o peito, sempre que não conseguimos vencer uma das infindas batalhas em cruel desigualdade, que constantemente combatemos pelo amor ao nosso teatro, ao teatro de amadores.

E um desses combatentes, que nos deixou inúmeras lições é o amigo comum- Fernando Peixoto – e certamente que iremos triunfar com a força de quem teimosamente insiste que as injustiças sociais, se podem vencer pelo Teatro.
Gente como os Amantes que se agarram desesperadamente ao amor...

Este texto também é teu, obrigado.

Há,felizmente cada vez menos, a tendência de considerar o Teatro de Amadores como a parte pobre do teatro, daquele teatro apoiado, de grandes cartazes e patrocínios, mas ,sem desprimor para esse teatro, o teatro que hoje e aqui comemoramos, - o Teatro Associativo – O Teatro das Associações - ,tem a intensidade do apego, do sacríficio,da dedicação de todos , quanto por ele lutam.

Sem grandes ajudas,a maior parte das vezes sem nenhuma, galgam por cima de espinhosas atitudes,muitas vezes, com o sacrifício das suas famílias.

Quantas vezes, meu Deus,o último autocarro já partiu e o regresso a casa é feito a pé,quando já toda a gente ri e descansa juntos dos seus, e o que nos acompanha é apenas o som dos nossos passos na noite já calada e fria...
Quantas vezes meu Deus,mal dormidos,mal comidos,e o que é pior, mal compreendidos, iniciamos um novo dia de trabalho,que não se compadece com a noite anterior.
Mas, os Amadores, trazem sempre com eles uma carga impressionante de amor ao teatro. Doloroso é certo. Dorida paixão é certo, mas...AMADOR... que AMA, com a dor, de Amante de Talma.

Dizem ,que por vezes, das mais difíceis árvores se colhem os melhores frutos, ou na mais espinhosa roseira desabrocham as mais lindas rosas. Pois bem, este difícil palco, estes espinhosos bastidores têm dado belos frutos e maravilhosas flores, em tons de coração, orvalhada com risos e lágrimas e que têm enfeitado a arte do teatro, à cobiça de quantos, os que içados e apoiados se ficam pela mediocridade ou pelo mínimo exigível...
Ao Teatro de Amadores, além do amor e da dor, a minha vénia... pela posição que, com todos os sacrifícios conquistou no mundo do teatro.
Tenhamos presente a simples definição de Associativismo: "reunião de pessoas e de esforços para o fim comum".
Precisamente o que caracteriza o Teatro Associativo, é a reunião de inúmeras e boas pessoas, de inúmeros e enormes esforços, por vezes titânicos, para um fim comum, que, sendo obra do Teatro de Amadores, tem consequências muito mais abrangentes.

O fim comum é precisamente toda a comunidade. É a comunidade que usufrui de uma dinâmica sócio-cultural de grande responsabilidade que é o serviço prestado pelo Teatro de Amadores das Associações.
Nos ombros do Teatro Associativo, nos ombros de cada amador de teatro está alicerçado o desenvolvimento social e cultural de uma região, de uma localidade, de um país, numa enorme e orgulhosa percentagem.

É por isso que, de mãos dadas com o Teatro Associativo, e com, cada um de nós, Amadores de Teatro, estão: o Orgulho e a Responsabilidade.
Aos Amadores... a minha vénia pelo contributo que prestam à Arte de Talma , e o meu agradecimento, pelo que me fez crescer, como pessoa, enquanto Amador de Teatro.

VIVA O TEATRO DE AMADORES DAS ASSOCIAÇÕES

Francisco Santos 20/03/2009

Saudades de Fernando Peixoto - Manuel Córrego

2009-03-22T22:38:00.004Z

PRAGANAS

Lembro-me de que há alguns anos percorri boa parte das livrarias do Porto em demanda não do santo Graal mas de um simples livro de poesia. Apesar do lastro do nome da autora e da saída recente, os meus esforços foram baldados e não encontrei rasto do livro.
A páginas tantas, já cansado de tanta recusa, mas não suportando a ideia de desistir, pedi a um último livreiro o precioso obséquio de mandar vir os “Sonetos”, de Natália Correia –pois desse último fôlego da grande poetisa se tratava. O homem mediu-me de alto abaixo e disparou à queima-roupa, mal-humorado, que não mandava vir livro nenhum. A atitude era de quem, lá para consigo, não percebia por que capricho, entre tantos livros ali expostos, eu havia de querer logo o que ele não tinha.
O tempo passou e hoje as coisas não melhoraram nada. Pelo contrário, quase se pode dizer que as livrarias são cada vez mais o lugar onde não se vendem livros. Ainda há dias António Lobo Antunes, do alto da tribuna que lhe advém de ser um dos mais reputados escritores do mundo, não se fez rogado para dizer que o trabalho de edição de livros não existe no nosso país. Hoje quase se reduz tudo aos best-sellers – que é exactamente o tipo de livro pensado e executado para quem não gosta de ler.

O problema é que, como neste espaço já deixei dito, muitos dos meus amigos, alguns deles bem principais, eu quase os não conheço pessoalmente. Sim através do trato diário com a sua obra. E desses, santa paciência, não posso nem quero desistir. É o caso de Fernando Peixoto, que apenas vi no palco e das leituras interpretadas que Magalhães dos Santos em boa hora se lembrou de organizar – e que todavia conheço de longa data. Professor e investigador, dramaturgo e encenador, Fernando Peixoto tem produzido um importante trabalho de divulgação, enriquecido agora uma por uma obra fundamental como é a sua História do Teatro Europeu.
Para que nos possamos aperceber da importância desta obra, teremos de levar em conta que a última obra existente data dos começos do século vinte (uma outra tentativa foi ensaiada nos meados desse século, mas apenas alguns fascículos viram a luz do dia). Por aqui se vê o prodigioso trabalho de investigação investido pelo autor neste livro.
A História do Teatro Europeu de Fernando avança desde os primórdios do teatro aos nossos dias, detendo-se com visível deleite nos períodos grego e romano, a idade média e a renascença, o barroco e o neoclassicismo, o poderoso século dezoito, o romantismo e o naturalismo, concluindo com um capítulo sobre o caso português e o período contemporâneo.
Mais do que um rol de nomes ou repositório de dramaturgias, esta obra detém-se dedicadamente sobre o empolgante exercício de viver, assim como da epopeia do povo e do seu arauto – o actor de todos os tempos e de todas as épocas. A História do Teatro Europeu é uma obra suculenta e de uma grande modernidade. Estou seguro de que para os leitores em geral será uma fonte de prazer e ensinamento, e para os amantes do teatro uma experiência apaixonante e indispensável.
Lembro, como quem desfolha um festivo ramos de cravos, um poema inserto no belíssimo prefácio de Roberto Merino Mercado, ele que sempre chamou ao homem antigo, ou antiga divindade, o primeiro actor da humanidade, o primeiro que, parafraseando Herberto Hélder:

“Acendeu os pés e as mãos.
Falou devagar.
Se difundiu aos bocados.
Bocado de estrela.
Bocado janela para fora.
Outro bocado gruta para dentro.”

Separata de “O Regional”, S. João da Madeira

As Abelhas e as Vespas na Colmeia do Teatro

2009-03-21T17:40:00.002Z

No dia do Teatro Amador...

FERNANDO PEIXOTO - AS ABELHAS E AS VESPAS NA COLMEIA DO TEATRO – Comunicação proferida em 9 de Janeiro de 2003; na Mesa-Redonda «Teatro e Ensino», no Mercado de Ferreira Borges, no decurso das comemorações dos 20 anos da ESAP/CESAP)

Há o mel e a cera; há as abelhas e as vespas. Uns espetam para estimular a produção; outros para destruir o que foi produzido. Assim acontece na colmeia do teatro; assim se passa na comédia da vida.
Sarah Kane pertencia à geração dos filhos de Margareth Tatcher e suicidou-se aos 28 anos. Miguel Rovisco era o fruto da geração dos anos 60 e pôs termo à vida aos 27. Será que alguém sabe, verdadeiramente porquê?
Um e outro, contudo, deixaram-nos obras não só importantes como promissoras do que poderiam ainda criar se, para tão vasto talento, não tivesse sido tão curta a vida.
Ricardo Pais tem recebido do poder político as condições que lhe têm permitido montar espectáculos pujantes de grandiosa espectacularidade.
Jorge Silva Melo foi despejado e ignora ainda se poderá contar com um espaço tão residual como aquele que ocupavam os Artistas Unidos, afinal o «mínimo denominador comum» que lhe possibilite acalentar novos sonhos para a sua imparável capacidade criativa.
Ricardo Pais tem amplos bastidores, sofisticada maquinaria, um espaço de luxo, gabinete próprio e outras «mordomias» que o poder entende imprescindíveis. Jorge Silva Melo é quase um sem-abrigo, em Braço de Prata, não tem casas de banho, nem lá cabem os 22 actores que presentemente tentam erguer Baal de Brecht.
Será que alguém sabe, verdadeiramente porquê?
No Parque Mayer ensaia-se uma ressurreição com dinheiros provindos do jogo e o poder parece estar contente e feliz com isso.
Há dias fui a um leilão: gente endinheirada disputava quadros que queria levar para casa por milhares de contos; alguns batiam-se por adquirir uma escultura; outros ofereciam lances inimagináveis por pequenas peças de cerâmica. Ninguém adquiriu uma colecção de primeiras edições de peças de teatro de um conhecido autor português que custava cerca de 200 euros!
Será que alguém sabe, verdadeiramente porquê?
O Teatro é uma criação que usa as palavras, as paixões e os corpos como arma.
Se as palavras, no dizer de Stendhal «são sempre uma força que procuramos fora de nós», e Eurípides aconselhava mesmo «fala se estás na posse de palavras mais fortes do que o silêncio, senão mantém-te calado», então o Teatro, que as utiliza mais que ninguém, é a arte que mais estilhaça os espelhos do silêncio, é o canhão que dispara contra os muros do medo e do conformismo, é a trovoada que rasga as veias das fontes do sonho com que se alimenta o Futuro.
Mas o Teatro não existiria se lhe fosse impedido respirar a aragem das paixões, porque «as paixões ensinaram a razão aos homens», como escreveu William Shakespeare, n’A Tempestade, antecipando de alguns séculos as conclusões científicas de António Damásio.
Esta arte, que Téspis divulgou na sua itinerância pelos caminhos gregos da descoberta do Homem, constitui um corpo complexo, que não vive apenas da pele que o reveste (o cenário), dos ossos que o sustêm (os adereços), dos nervos que o impelem (as emoções), mas do sopro de Vida que as mulheres e os homens que o fazem respiram, no quotidiano das ruas, nos palcos, nos bastidores, em qualquer local onde haja seres humanos dispostos ao diálogo, à reinvenção do real e à recriação do mundo que os envolve.
O criador teatral sabe bem da importância do seu acto e, muitas vezes, dos perigos que corre. Mas insiste, porque «criar é matar a morte», como dizia Romain Rolland. E, a propósito da criação, o grande Jean Genet sabia muito bem o que dizia quando afirmou que «criar não é um jogo mais ou menos frívolo. O criador meteu-se numa aventura terrível que é a de assumir ele próprio, até ao fim, os perigos que enfrentam as suas criações».
Por tudo isto o Teatro é perigoso: é que ele aponta, grita, mostra, apela, denuncia, esclarece, descobre, desafia, inventa e renova, transforma-se noite após noite porque não há dois espectáculos iguais, experimenta, interroga, agride e abraça, cospe e beija: é a Vida, em suma, no seu continuum dialéctico.
Louis Jouvet, definiu-o como uma colmeia «onde se transforma o mel do visível para fazer dele o invisível». E desse invisível da Vida se alimenta o sonho, como maravilhosamente nos fez compreender Calderón de la Barca.
A teimosia do sonho e a capacidade de materializá-lo, deverão constituir sempre o horizonte perseguido pelos criadores teatrais: os autores, os actores, os encenadores e todos quantos constituem o exército indómito dos obreiros do combate pela dignificação do Teatro. Por isso, é frequente depararmos com aqueles cuja paixão pela arte dramática supera as mais incríveis limitações. E frequente é também ver autores e actores transformados em Pigmaleões apaixonados pelas Galateias-personagens que eles próprios esculpiram sobre o palco.
Por tudo isto o Teatro foi sempre uma espécie em vias de extinção, mas que vem resistindo porque enquanto houver um homem e uma mulher que se recusam a ser fósseis — e ser fóssil, aqui, significa deixar de sonhar — o teatro há-de levantar-se sempre, como fénix renascida das cinzas em que os inquisidores tentam «assá-lo» há milénios.
É que a imortalidade da criação e da arte teatral provoca ainda em alguns um medo pavoroso. E poucas artes possuem, como o Teatro, a possibilidade de despertar as consciências.
Num estudo recente, que serviu de base a Vítor Rodrigues para a sua dissertação de doutoramento em Psicologia, aquele investigador chegou à conclusão de que os textos de Gil Vicente são os preferidos dos alunos do 10.º ano de Português B, a que se seguiam Os Lusíadas. Apesar destes resultados, já a partir de Setembro deste ano, estes textos vão ser retirados do programa do 10º ano, como consequência da revisão curricular!
A notícia veio no Público de 3 de Janeiro deste ano e entre as várias conclusões a que chegou aquele psicoterapeuta, salienta-se a de que os alunos manifestam um maior grau de atenção frente a um docente que lhes fala de forma clara, melodiosa, expressiva, aconselhando mesmo os docentes a recorrerem a «uma linguagem mais metafórica e emocional» como forma de potenciar uma maior motivação dos alunos.
Mas será isto que acontece na generalidade dos casos? Há, por acaso, formação a este nível, dada aos docentes nas célebres cadeiras pedagógicas das Faculdades que formam os futuros professores? Sabem eles colocar a voz? Utilizam o rosto, as mãos, o corpo, como complementos expressivos?
Formam-se professores de Letras e de Ciências sem a mínima preocupação de os preparar para os difíceis percursos da comunicação oral, e ignora-se mesmo a enorme importância da comunicação corporal, como se isso fosse matéria exclusiva para uns pobres-diabos que não têm que fazer e por isso mesmo se dedicam ao estudo incipiente do Teatro em alguns (poucos) cursos das ESE’s.
Mesmo ao nível do ensino básico, faixa etária em que as crianças carecem de mecanismos diversificados de descoberta que a expressão dramática potencia, como a experiência no-lo tem provado, o recurso àquela forma de expressão tem sido sistematicamente ignorada.
Um exemplo, apenas. Numa escola do 1º ciclo do ensino básico de Gaia, foi dado a ler aos alunos um texto sobre a lenda de Gaia. Dos que o leram — e não foram muitos — poucos o entenderam e nenhum se entusiasmou particularmente com a lenda.
Fomos convidado a contá-la oralmente a um grupo de cerca de centena e meia de crianças, algumas portadoras de diferentes níveis de deficiência motora e intelectual. A estratégia que adoptámos foi a de reunir todas as crianças num recreio térreo e distribuí-las de acordo com as suas preferências: uns eram os cristãos, outros os mouros, alguns reis, outros rainhas ou princesas, cavaleiros, etc. Introduzimos lentamente pequenas porções da história que eles iam mimando. A cena da batalha entre mouros e cristãos, com o rapto da princesa Gaia, constituía o desfecho da lenda. Todos as crianças se envolveram numa «luta» coreográfica, na qual as espadas eram os próprios braços com os dedos indicadores esticados. Um ligeiro toque no colega bastava para simular a sua «morte».
O resultado foi verdadeiramente entusiástico. Durante dias aquele «jogo» foi não só o tema das conversas como serviu de pretexto para composições escritas, desenhos e pinturas. E, curiosamente, muitas quiseram ler posteriormente aquela mesma lenda numa versão que existe em banda desenhada.
É certo que os planos curriculares dos alunos do 1.º ciclo contemplam espaços para as expressões artísticas como a educação musical, plástica ou dramática. Mas quantos docentes estão habilitados a leccioná-las? Nos ciclos seguintes o panorama não é mais animador.
O teatro, pela versatilidade dos meios que emprega, pelos recursos de que se serve, pela abrangência cultural que suscita, constitui — quanto a nós — o veículo privilegiado de acesso ao conhecimento pela via do lúdico. Ele influi e exercita as capacidades motoras, organiza o raciocínio lógico, fortalece a «musculatura» da memória, melhora a articulação das palavras e orienta as necessidades respiratórias; serve-se da Literatura, da História, da Filosofia, da Música, das leis da Física, das Artes Plásticas, utiliza os recursos do meio e provoca a imaginação; questiona mais do que afirma, bebe profundamente nas águas da Psicologia, cria tensões e promove solidariedades, em suma: provoca um amplo e harmónico desenvolvimento humano.
Apesar de tudo isto e do muito mais que poderia ainda acrescentar-se, continua a ser o parente pobre do Ensino.
Será por acaso? Não haverá por aqui algum maquiavelismo escondido com o «príncipe» de fora? Será por ignorância ou ingenuidade dos políticos que o desenvolvimento do teatro se processa sempre de forma lenta e em contra-corrente?

Sabiam que o Teatro é irmão do Político e quase nunca estão de boas relações? Porque, filhos ambos do mesmo Pai (o Homem) e da mesma Mãe (a Natureza Humana), ambos intervêm no quotidiano e os seus objectivos entram frequentemente em conflito.
O Político sabe perfeitamente do grande amor que o Teatro tem pela Liberdade e como quer, casado com ela, despertar os homens e o mundo. É a velha vingança de Zeus contra Prometeu: o Político, enamorado, apaixonado pela Ambição, busca um casamento de conveniência que lhe permita decidir, juntamente com a esposa, da vida e do destino dos humanos, sem ser perturbado pelo fogo do conhecimento que o Teatro pode levar às massas.
Ao longo dos séculos temos assistido a sistemáticas tentativas de fratricídio, com o Político (vestindo trajos de tirano ou de religioso) a tentar amordaçar ou mesmo apunhalar o irmão Teatro. Primeiro na Grécia, onde se tentou calar os dramaturgos; assim foi em Roma, porque Nero não logrou ser o actor de fama que ambicionava; assim foi, durante séculos, nos primórdios do cristianismo. Mas, viajando de carroça ao longo dos tempos, mais tarde entrando de carruagem nos palácios dos mecenas e dos próprios reis, hoje viajando de carro, de comboio ou de avião, tendo já um lugar cativo na própria NET, o Teatro sobreviveu sempre.
Crucificado e recrucificado, o Teatro soube sempre erguer-se do túmulo onde o Político pretendeu sepultá-lo e de cada vez partiu com uma nova mensagem, com um novo sorriso, com uma nova vontade, com uma nova esperança, com um novo sonho, com um novo projecto de Futuro.
Num palco convencional ou numa barraca improvisada, na arena de uma praça ou no espaço estreito de uma rua, no interior de um supermercado ou num recanto de um qualquer centro comercial, o Teatro acontece, pode acontecer, e em todas essas ocasiões é o Homem, o Homem autêntico que se procura a si mesmo para construir o seu próprio itinerário, para criar o seu próprio Futuro. Aí reside a sua força. Aí habita a verdadeira Fé que só os crentes da religião teatral cultivam: um Amanhã diferente com um Homem diferente. Porque, como escreveu Elsa Triolet, «o futuro não é uma melhoria do presente. É outra coisa».
«un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo». — FEDERICO GARCÍA LORCA

Rompamos o silêncio! Apedrejemos a ignorância! Expulsemos o oportunismo! Matemos a morte! Façamos Teatro!

FERNANDO PEIXOTO

CALE-SE - FESTIVAL DE TEATRO 2009

2009-03-12T17:17:00.003Z

O "CALE-se" Festival Internacional de Teatro apresenta, no próximo sábado, o último dos oito espectáculos a concurso, na sua edição de 2009.

Já a 21 de Março, Dia Nacional do Teatro de Amadores, terá lugar a tão esperada cerimónia de entrega dos Prémios CALE, uma espécie de "Oscar" do teatro não-profissional, que visam premiar as melhores prestações nas diferentes categorias (8) a concurso.

Além dos galardões atribuídos segundo a apreciação do júri – este ano constituído por Salvador Santos (administrador do TNSJ), Fernando Rodrigues (presidente da Contacto) e Cândido Xavier (director do festival) – lembramos que o público também vota, tendo à sua responsabilidade a atribuição do Prémio do Público, para a escolha do Melhor Espectáculo.
Contamos consigo!

8º ESPECTÁCULO – SÁBADO, 14 DE MARÇO – 22 HORAS
ASSOC. REC. CANIDELO (V. N. GAIA)

CALE-se 3

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO"OS OUTROS"

Drama de Jaime Salazar Sampaio

Pelo CEGADA Grupo de Teatro (Alverca, V. Franca de Xira)

Dois homens, colegas numa oficina e essencialmente amigos, pintam cacos num outeiro, longe da cidade, longe dos sonhos, quase do outro lado da vida, do outro lado do mundo. Cada um tem uma perspectiva do mundo, cada um confronta o outro à sua maneira.

Num percalço da vida chega outra, uma rapariga… novas perspectivas se desvendam… E tudo se transforma, tal como na natureza, tal como os outros da nossa vida nos transformam quando aparecem.

CERIMONIA DE ENCERRAMENTO DO AMASPORTO

2009-02-03T19:15:00.000Z

Dia 08 de Fevereiro – 16 horas

CERIMÓNIA DE ENCERRAMENTO-Auditório Paroquial da Igreja de Ramalde

Entrega das Placas Associativas aos Grupos Participantes

Atribuição dos “PRÉMIO TALMA”

TRIBUTO A FERNANDO PEIXOTO
Actor,Encenador,Historiador,Teatrólogo,Escritor, Dramaturgo,Professor e Poeta-Prémio Talma 2000

(N.25 Julho 1947 –F.03 OUT.2008)

Colaboração de Helena Peixoto (filha), Manuel Ângelo, Roberto Merino, Sérgio Marques,Francisco Santose do músico/actor, da C.T.Ramalde – David Ferreira

Encenação do Poema “A LOUCURA DO POETA” – excerto de uma cena,da peça “BAR DOS LILAZES” (2008, enc. Alfredo Correia),pelo Grupo de Teatro ACGITAR-Jovim/Gondomar

HOMENAGEM A FERNANDO PEIXOTO

2009-01-22T19:31:00.002Z

No próximo dia 31 de Janeiro, pelas 21.45, a Tuna Musical de Santa Marinha, com o apoio do Curso Superior de Teatro da Escola Superior Artística do Porto, do Teatro Arado, da Câmara Municipal de Vila Nova de Gaia, Gaianima e da Junta de Freguesia de Santa Marinha, homenageiam o Poeta e Homem de Teatro, Fernando Peixoto, numa noite de evocação, com a presença dos seus amigos, colaboradores e alunos. Através da poesia e das palavras evocarão a obra literária e pedagogia deste cidadão do mundo que entregou a sua vida á obra social, politica e cultural de Vila Nova de Gaia e da Freguesia de Santa Marinha.
Estará patente na sede da Tuna Musical de Santa Marinha uma exposição biográfica do autor.
Contamos com a sua presença.

Gilberto Albuquerque (Presidente da Tuna Musical de Santa Marinha)

TEATRO

2009-01-19T00:26:00.002Z

TEATRO
Para o Marcelo Romano, com a admiração do autor

Fazer teatro, não é
deixar a vida correr,
cruzar os braços, viver,
deixar correr o marfim;
e se às vezes se diz sim,
muitas vezes se diz não.
Embora custe ao actor
manter o direito ao pão,
não hesita em dizer NÃO
quando um NÃO é a verdade,
e mantém a liberdadede
dizer que não, que sim,
por questão de dignidade,
porque o Teatro é assim.
Porque o Teatro é a vida
e a verdade é o seu norte,
o actor desafia a sorte
e a mentira é vencida.

Mas na luta desigual
entre a verdade e a mentira,
se nuns despoleta a ira,
noutros reforça o Amor,
e nesta dicotomia
que é o Teatro, afinal,
vence o Bem, que é a Verdade,
cai a Mentira, que é o Mal.
E a máscara da ilusão
com que o homem se disfarça
fica prostrada no chão
ante o humor de uma farsa.

Sempre assim foi e será
(é essa a nossa certeza)
porque o Teatro é a manhã
que dá vida à natureza,
porque o Teatro é a alegria
de saber que vale a pena
transferir o dia-a-dia
para o âmago da Cena.
E repleto de esperança,
sereno, firme e seguro,
o actor é uma criança
que acredita no futuro.

E faz da crença um Amor
tão largo, grande e profundo,
que mesmo pobre, o Actor,
é o mais rico do mundo!

FERNANDO PEIXOTO

P.S - Nunca nos esqueceremos de si professor Peixoto..

M.

Agayola, Absurda Comédia - Alfredo Correia

2008-12-04T18:24:00.005Z

“AGAYOLA” é um espectáculo de Teatro, que o autor diz ser, uma absurda comédia!
O encenador, talvez por desconhecer este género de escrita, entendeu, que os personagens deviam ter cabeças absurdamente cerebrais, argamassadas de artifícios, envolvidas por cabelos de penteados colantes por onde o texto sai, ora esquisito ora palermóide, o que, ao serem expelidos, os espectadores sintam o odor saboneteiro, provocando um ataque de riso, - do chamado nojo de três dias - ou, fazê-los andar por aí a apitar finais avisos de correio azul, o que, diga-se de passagem na passadeira, que nem o Senhor da última cena, gostará que tal aconteça, pois como se sabe, pode até levar à paralisia do aparelho farlapiante.
Para o treinas-encena, é francamente positivo, para os intérpretes, é um exercício excelente, e para o autor, é um sofrimento quando sabe do corte - e - cose, o que, pode até fazê-lo recorrer à caixa de ponto que não temos, e daí, apresentar queixa, à sade social clubística dos autores absurdos.
Ora, Teatro com fregueses não é notícia ! Notícia é quando nas plateias, há menos espectadores que intérpretes.
Valha, nestas situações, os santos que vão a todas e os colegas de carteira, para que assim possa acontecer Teatro nas tábuas de um palco
Por falar em tábuas, recordo, que a indústria do plástico se tem desenvolvido de forma assustadora, o que, originou quase o colapso da madeira por causa do caruncho provocado pelos bichos- carpinteiros, e por isso, já não se fazem gaiolas em condições, como as de antigamente.
Perderam-se muitos ofícios correlativos, e não há cursos de formação de artífices cuja especialidade, é o trabalho manual.
Por isso, o Costa, que diz ser de Gaia mas não é gaioleiro, não dar saída aos impostos pedidos, que os Jotas lhe ordenam, mesmo com os ordenados em atraso, a fazer gaiolas uma atrás da outra.
Porém, com uma disciplinar justiça, o Costa, afirma que só tem duas mãos, o que é verdade, pois podemos testemunhar que não é maneta.
Tem duas mãos, que por sinal se tornam maneirinhas, quando dá um banho de sabão... e mais não posso contar, por causa dos direitos de opção.
Apenas vos posso dizer, e à sucapa do autor, que o Reinaldo é namorado da Rosinha, que os Jotas são os pais da Rosa, que Dª. Amélia é avó da Rosa Maria, que a Rosa tem uma passarinha na gaiola, que a gaiola desapareceu, e ainda, que o Costa é criado para todo o serviço.
No final aparece um Senhor que nem o autor sabe quem é.

ELENCO:

JOSÉ PINTO GOMES /OLÍVIA MARTINS /IRENE MAGALHÃES /LOURDES COSTA /CESÁRIO COSTA /ADRIANO FERNANDES

Participação Especial ANTÓNIO PEIXOTO
Operadora de Som - Mariana Correia

Montagem e Operação de Luz - Tiago Marques
Postiços - Beatriz Ferreira e David Ferreira

Adereços e Guarda Roupa - da Companhia
Carpintaria de Cena - António Peixoto

Montagem da Sonoplastia - Filipe Luciano
Espaço Cénico, Desenho de Som , Luz e Encenação - Alfredo Correia

Produção da Companhia Teatral de Ramalde, da Associação 26 de Janeiro - Fevereiro de 2009

FESTIVAL AMASPORTO INICIA A 29 DE NOVEMBRO

2008-11-27T14:37:00.002Z

O festival Amasporto arranca este fim de semana com o espectáculo "Bar dos Lilazes", textos de Bernardo Santareno e encenado por Alfredo Correia ACGITAR-Jovim/Gondomar, com 2 prólogos , um excerto de uma peça de Jacinto Lucas Pires e o outro prólogo, o Poema "Loucura de um Poeta" de Fernando Peixoto.

Ás 21.45h na sala da Companhia Teatral de Ramalde da Associação 26 de Janeiro

NÃO PERCAM!!!

Crítica por Pretérita Pessoa

2008-11-04T23:02:00.000Z

“Os Estados Eróticos Imediatos de Sören Kierkgaard”

de Agustina Bessa Luís

pelo Seiva Trupe

Direcção de Roberto Merino

Desta peça, Carlos Porto (1930-2008) crítico teatral especialmente ligado ao Porto e aos grupos mais antigos da cidade, nos quais o Seiva Trupe honrosamente se inscreve, provavelmente acentuaria – como em muita da sua produção crítica, sendo um exemplo a generosa menção a Cenas da Vida do Príncipe Hamlet, encenação de Roberto Merino com alunos da ESAP no FITEI 2004 – as qualidades e o trabalho específico de cada um, sejam pessoas ou elementos que constituem a peça.

Provavelmente Carlos Porto falaria de Paulo Calatré, e de como este tão claramente somatiza o tormento de Kierkegaard na sua caracterização do filósofo, fazendo um homem que carrega uma corcunda como, simbolicamente, um peso; e falaria também da presença ágil e voz desenvolta de Jorge Loureiro, num D. João vexado e apoquentado; e mencionaria também a impressionante segurança da Tia, de Clara Nogueira, com a força necessária para dar luta ao protagonista, sedutor que se descobre.

Também o crítico não descuraria falar da ingenuidade patética, em especial na face e voz, da personagem de Miguel Rosas, esse Frederick, para sempre putativo noivo da Regina Olsen de Isabel Nunes, vibrante na sua primeira aparição, ao piano, num silêncio incomportável perante Kierkegaard, com o corpo e os olhos em tensão como que numa espera inquieta de poder falar.

De certeza que Carlos Porto também referiria Hugo Sousa, companheiro do filósofo, libertino mais libertino que Kierkegarard, sem os remorsos e com o orgulho que tão bem demonstrou no modo desabrido com que falava da sua relação com a actriz representada por Anabela Nóbrega, uma Julieta de quarenta anos; a voz de Anabela Nóbrega não deixaria por certo de merecer que se lhe sublinhasse a beleza do timbre.

Parece-nos também evidente que o decano dos críticos não deixaria por dizer que as Criadas Carolina Sousa, Juliana Rodrigues, Lizete Pinto, Vânia Mendes e Vera Pitrez representaram na perfeição – em uma espécie de coro – a seduzida sedutora, cada uma com um tom diferente como as diferentes situações onde cada qual languidamente enunciou ser abordada pelo filósofo. O mesmo Kierkegaard que nesta peça gostava da companhia das criadas e era inseparável do seu guarda-chuva - esse pretexto tão bom como outro qualquer para enredar uma criada que poderia não ter noivo ou namorado e se encontrasse a passear o cãozinho dos senhores.

Carlos Porto haveria também de falar do acerto dos figurinos de Manuela Bronze, na sua sugestão de toda uma época sobretudo pelas cartolas dos homens assim como pelas toucas das criadas, elemento este tão citado de atracção e maldição; e da cenografia de Acácio de Carvalho também falaria, dizendo por certo da sua versatilidade – por um lado – dos módulos metálicos, como da opulência visual dos panos vermelhos em fundo, que, como teatrais cortinas de uma teatral invocação de máscaras e mitos, estão presentes sempre para só se fecharem em conclusão.

A luz de Roberto Merino e Davide da Costa levaria, decerto, a falar da penumbra final que o é também na vida da personagem central, em jogo com a luz da chama no livro que arde no fim; o desenho de som de José Prata e Daniel Santos que tão bem pontua passagens e memórias (como o caso do D. Juan de Mozart ouvindo-se em fundo, na mais plena assunção do carácter sedutor de Kierkegarard) ou presságios (no esvoaçar da ave, quase um arranhar) também seria mencionado.

E a direcção de Roberto Merino seria com certeza relevada nas palavras de Carlos Porto por concentrar em pouco espaço e pouco tempo (menos de hora e meia) várias vidas e uma em particular, a do protagonista, que vai do orgulho à queda: em dinâmicas movimentações de cena e de objectos cenográficos, criando vários cenários que multiplicam a sala, e lhe dão - como em especial com o uso da porta que o era para a rua, o jardim ou, simbolicamente, para uma saída a que Kierkegaard se furtava – dão o paralelo justo às tensões que intensas sucederam às não menos intensas seduções entre as personagens.

Talvez o dissesse Carlos Porto, crítico nobre e generoso na sua atenção. Talvez muito provavelmente o fizesse. E nós assinaríamos por baixo.

Nuno Meireles

Festival Amasporto

2008-11-04T21:35:00.003Z

Todos os anos, como já é tradição, publicamos aqui o programa do Amasporto. Este ano fazemo-lo de forma ainda mais especial. A edição deste ano do Amasporto é um tributo a Fernando Peixoto (anteriormente laureado com o Prémio Talma). Todos os anos o seu fundador, Alfredo Correia, deixa uma mensagem aos participantes. Abaixo poderemos ler a mesma e o programa completo do festival.

Companheiros,
Ainda está muito fresca a memória que temos de Fernando Peixoto, e estou certo, que se vai manter para todo o sempre.
Fernando Peixoto, para além de ser um companheiro solidário e um Amante apaixonado pelas coisas, e causas, dos Amadores de Teatro, deixou-nos imensos registos de saberes e conhecimentos, com os quais, podemos aprender a estar com a vida do Teatro.
Companheiro e Amigo Fernando Peixoto
Quero dizer-te, que és um Lobo do Mar, deste imenso oceano, chamado Teatro, e que ,muito fizeste para que os Amadores possam manejar melhor os remos da sua embarcação.
Quero dizer-te, que no barco do Amasporto, está um leme com o teu nome gravado, e de que tanto se orgulha o Talma.
Quero dizer-te, que o teu nome tenho-o escrito numa pedra, que guardo bem no fundo das águas do meu peito.

Aceita um abraço fraterno e solidário, com respeito e admiração.
Aos Companheiros deste Amasporto e a todos os 1995 participantes que por aqui passaram, permitam-me incluir, os vossos votos de pesar nesta lembrança singela, a um dos mais ilustres membros da nossa Família Teatral Associativa.
Paz à tua alma e aceita o nosso aplauso

Sempre
Alfredo Correia

PROGRAMA AMASPORTO

1º) - 29 de Novembro
“BAR DOS LILAZES”, textos de B.Santareno- Enc.Alfredo Correia
ACGITAR-Jovim/Gondomar

2º) - 13 de Dezembro
“CAFÉ VALENTIM” ,textos de Karl Valentim - Enc.Victor Valente
COMPANHIA DO JOGO -Albergaria-A-Velha

3º) - 20 de Dezembro
“EM CASA DO MESTRE PATHELIN” - (sec.XV) - Enc.Dantas Lima
ASSOCIAÇÃO CULTURAL DE CHAFÉ - Viana do Castelo

4º) - 10 de Janeiro
“7 MULHERES e 3 PELES”,textos: Shakespeare, Gil Vicente e Lorca - Enc.Victor Valente
Grupo de Teatro ILUSÕES & LIMITADAS - Aradas/ Aveiro

5º) - 17 de Janeiro
“AQUI HÁ FANTASMAS”, de Henrique Santana – Enc. Luís Couto
TEATRO EXPERIMENTAL MAGNETENSE-Lousada

6º) - 24 de Janeiro
“O TRIUNFO DAS PERSONAGENS”,de Casimiro D.Simões;
“O CONSULTÓRIO” e “O POÇO”, de A.M. Pires Cabral
GRUPO PAROQUIAL DE TEATRO DE LEÇA-Leça da Palmeira/Matosinhos

7º) - 07 de Fevereiro
“AGAYOLA” , de Alfredo Correia
COMPANHIA TEATRAL DE RAMALDE- Porto

LOCAIS A INDICAR –ESPECTÁCULOS AOS SÁBADOS PELAS 21,45 HORAS

Dia 08 de Fevereiro – 16 horas
CERIMÓNIA DE ENCERRAMENTO-Auditório Paroquial da Igreja de Ramalde

Entrega das Placas Associativas aos Grupos Participantes
Atribuição dos “PRÉMIO TALMA”

TRIBUTO A FERNANDO PEIXOTO

Actor,Encenador,Historiador,Teatrólogo,Escritor, Dramaturgo,Professor e Poeta
-Prémio Talma 2000-
(N.25 Julho 1947 –F.03 OUT.2008)

Colaboração de Helena Peixoto (filha), Manuel Ângelo, Roberto Merino,Sérgio Marques,Francisco Santos
e do músico/actor, da C.T.Ramalde – David Ferreira

Encenação do Poema “A LOUCURA DO POETA” – excerto de uma cena,
da peça “BAR DOS LILAZES” (2008, enc. Alfredo Correia),
pelo Grupo de Teatro ACGITAR-Jovim/Gondomar

"Estados eróticos imediatos.." Mais uma encenação de Roberto Merino

2008-10-30T16:58:00.004Z

"Estados eróticos imediatos de Sören Kierkegaard”, de Agustina Bessa-Luís, estreou no Teatro do Campo Alegre, no Porto. Uma história que cruza o protagonista, o filósofo dinamarquês Sören, com o rei D. João.

A peça, da companhia Seiva Trupe e que vai estar em cena até 31 de Outubro (amanhã), desenrola-se em Copenhaga, capital da Dinamarca, durante o século XIX. Roberto Merino, professor na ESAP, encenador, define a peça como um “encontro fictício entre D. João e Sören”. O rei de Portugal descobre a obra do filósofo por mero acaso e coloca-a em questão. No entanto, o tema central da peça é uma das fases mais marcantes da vida de Sören - o seu amor, entrega e renúncia da sua amada Regina Olsen.

“É um excelente exercício de diálogo teatral, mas, ao mesmo tempo, um desafio conseguido”, disse Roberto Merino. O encenador confessou mesmo ter tido algumas dificuldades na transposição do texto para a acção. “A Agustina é romancista e não tem todas as ferramentas teatrais que um dramaturgo tem”, disse. Uma obra de época que abre ao espectador a vida de Sören, com alguma ironia à mistura. O encenador salientou ainda a importância de “conhecer o outro lado do filósofo, o lado mais humano”. Um homem que na obra de Agustina é classificado como “um génio numa cidade de província”. Na realidade, apesar de ter estado fortemente ligado à filosofia, à teologia, à psicologia e à literatura, Sören Kierkegaard teve um único e grande amor, Regina Olsen, que conheceu aos 22 anos e por quem se apaixonou de imediato. Chegaram a ficar noivos, mas foi o próprio Sören quem acabou com o noivado, sem haver, até hoje, uma razão conhecida para tal decisão.

O cenário, marcado pela quase ausência de luz, contêm quatro prateleiras, com vários objectos de diferentes significados. “Representam ideias, o erotismo, a infância, objectos criados para estarem ali, enquanto o diálogo está a decorrer e que nada têm de realistas”, explicou Roberto Merino.

Agustina Bessa-Luís comemora o 86º aniversário a 15 de Outubro, pelo que, a partir desse dia e até ao final do mês, a Seiva Trupe promove uma homenagem à escritora portuense. Antes de cada exibição, serão lidos excertos das suas obras. Até ao momento, foram convidadas algumas figuras públicas do Porto, mas não há ainda confirmação.

O livro “Estados eróticos imediatos de Sören Kierkegaard”, lançado em 1992, é a primeira obra de Agustina Bessa-Luís que a companhia Seiva Trupe faz chegar ao teatro.

O professor Fernando Peixoto recomendaria, com certeza, este espectáculo Teatral a todos vocês..

P.S - quem tiver fotos do espectáculo que avise..

"RE-PARTINDO..."

2008-10-13T13:07:00.001+01:00

Andava a pesquisar na internet quando encontrei mais uma homenagem ao professor Fernando Peixoto. Existem bastantes blogs onde ele é falado, lembrado e homenageado, mas este chamou-me a atenção pela seguinte razão, dizia que este seria o último poema escrito pelo professor Fernando Peixoto.

« RE-PARTINDO... »

Sei que contigo vão partir
memórias de um tempo partilhado,
dias breves que hoje são passado
e podiam no entanto ser porvir.

Sei que levas na bagagem a lembrança
dos olhos nimbados de tristeza
mas também o brilho da bonança
que alimenta a tua natureza.

Mas se partes, apenas uma parte
vai contigo rasgando o mar e o vento:
que outra parte de ti já se reparte
na minha memória e pensamento.

24 de Agosto de 2008
© Fernando Peixoto

Miguel

Para si... Amigo

2008-10-03T13:08:00.006+01:00

Ainda agora partiu e já sentimos tanto a sua falta.
Ainda ontem falamos de si, o professor que tanto nos ensinou, não só História do Teatro, mas a ver o mundo com outros olhos. O amigo que sempre foi e SERÁ, que sempre esteve lá quando foi preciso e nos ajudou a vencer.
Muitas vezes nos rimos... Demos gargalhadas tão alto que as pessoas que passavam deviam-se perguntar o que é que se estaria a passar dentro daquela sala de aula. Eramos felizes ali dentro... Também tivemos os nossos momentos de angústia, de raiva, de tristeza. Mas ultrapassamos isso tudo e passado um bocado já nos estavamos a rir outra vez. É com um sorriso que o recordo. É com um sorriso que o levo no coração. É com um sorriso que o vou ter, meu amigo, para sempre na memória.
Adeus meu amigo. Adeus. Com uma lágriama a escorrer-me pela cara... Adeus

EM NOME DE TODOS AQUELES QUE TE AMAM, CADA UM À SUA MANEIRA

Miguel

DRAGÃO 7 NO «FAZER A FESTA»

2008-06-30T16:44:00.007+01:00

O FAZER A FESTA (festival de teatro do Art'Imagem) deste ano, saldou-se pela apresentação de bons espectáculos, mostrando que o agrupamento do Porto não se furta a melhorar, de ano para ano, a qualidade do seu Festival.

Entre 25 de Abril e 4 de Maio, foram dezenas os grupos nacionais e estrangeiros que passaram pelos espaços dos jardins, da Capela, do Auditório da Biblioteca e da Tenda do Palácio de Cristal.

Na impossibilidade de analisarmos aqui o conjunto desses espectáculos, não podemos deixar de realçar aquela que, para nós, foi a maior surpresa.

Entre os espectáculos apresentados, contava-se o Auto da Barca do Inferno, de Gil Vicente.

Foram 3 as companhias que trouxeram esse espectáculo ao Festival: 2 portuguesas e uma brasileira: o «Dragão 7».

Era previsível que aguardássemos com expectativa as diferentes versões, mas jamais imaginaríamos que um grupo do Brasil pudesse surpreender-nos da forma como o fez o DRAGÃO 7.

Com efeito, não apenas vimos aquele que foi, para nós, o melhor espectáculo do Festival, como ficamos verdadeiramente encantado com a leitura (fiel e correcta) de Gil Vicente.

Sublinhando os aspectos mais cómicos do texto, o DRAGÃO 7 apresentou-nos um verdadeiro show de bom teatro. Os figurinos foram concebidos com grande rigor e a encenação proporcionou uma leitura e uma movimentação plástica que conferiram à representação uma frescura e uma alegria verdadeiramente contagiantes, possibilitando, inclusive, a participação do público, frequentemente chamado à cumplicidade pelos próprios actores e atrizes.

Desde os Diabos a Joane, do Judeu ao Enforcado, as diferentes personagens foram-se desdobrando pelos actores e actrizes do elenco sem que houvesse a menor perda de ritmo.

Assim, o clássico vicentino apareceu-nos numa moldura modernizada e plena de actualidade (o tema da morte e do pecado atravessa todos os tempos), convergindo na encenação alusões aos dias de hoje e utilizando de forma bastante criativa o espaço cénico (um auditório em anfiteatro), com os actores distribuindo-se pelos diferentes lugares da sala e mesmo no interior das filas onde o público (a princípio um pouco tímido face àquela aposta inesperada) acabou rendendo-se à alegria contagiante das personagens e às musicas de melodias conhecidas ou de sabor carnavalesco tipicamente brasileiro.

Foi uma verdadeira osmose entre Portugal e o Brasil: um Gil Vicente português com sotaque brasileiro e um grupo de brasileiras e brasileiros respeitando a herança cultural sem deixar de introduzir um toque de modernidade realmente encantador.

Muito poderia dizer-se sobre este espectáculo. Mas bastará dizer-se que, no final, os espectadores (nos quais se incluíam crianças e muitos jovens) de uma sala cheia estavam verdadeiramente rendidos ao magnetismo tropical dos nossos irmãos, trazendo até nós um grupo de excelentes actrizes e actores, senhores de uma expressão plástica e corporal notáveis e utilizando as vozes de tal forma que nehuma palavra se perdia, mesmo levando em linha de conta que o texto fora representado com a linguagem do século XVI.

Oxalá possamos ver mais vezes o DRAGÃO 7!

Fernando Peixoto

O QUE EU ESPERO DO TEATRO

2008-06-09T22:42:00.004+01:00

Falando de Peter Brook, o actor/encenador/pedagogo João Mota, conta que:
«Peter Brook fazia muitas vezes uma pergunta que não vem em livro nenhum:
― Quando um grupo de pessoas se encontra numa estação de caminhos-de-ferro, há umas que partem e outras que chegam, mas há uma necessidade de lá ir ― vai-se lá buscar alguém ou vamos despedir-nos de alguém; quando vamos ao restaurante, há uma necessidade de comer; quando vamos ao teatro, qual é a necessidade? [sublinhado nosso] [1].
Quando lia a recente edição portuguesa de O Espaço Vazio, de Peter Brook, veio-me à memória um conjunto de discussões que ultimamente tenho travado com alguns amigos sobre a essência do teatro. E, na maior parte das vezes, estamos em desacordo. Pela simples razão de que continuo a pensar que a arte teatral só existe e se justifica quando se estabelece um «diálogo» entre o actor e eu/espectador.
João Mota, citando Brook, pergunta precisamente aquilo que muitas vezes me tem assaltado: que vou eu fazer ao teatro? Qual é a minha necessidade?
Quando vou a alguns teatros, sento-me confortavelmente em cadeiras (algumas de veludo) e gasto algumas horas vendo actores em movimento, falando, falando, como se falassem consigo mesmos ou apenas estivessem pensando em voz alta, muitas vezes parecendo mesmo terem caído ali por estranho acaso, mas dando a nítida impressão de nada terem a ver uns com os outros e muito menos com o espaço que ocupam. Ou então proferindo frases espaçadas sem qualquer lógica, debitam palavras que nada têm a ver com a vivência do quotidiano do comum dos mortais. Muitas vezes adormeço!
Não me parece que o sucesso do teatro na Grécia antiga fosse consequência da afluência de um público especialmente preparado para ver teatro. Todos sabemos que o público do teatro desse tempo era cultural e socialmente bastante heterogéneo e, todavia, também ele participava nas votações para a classificação dos vencedores dos concursos de tragédia. Os prólogos das peças gregas e romanas mostram-nos bem como os autores procuravam sensibilizar a atenção do público para os seus trabalhos.
Hoje, parece que o drama, a comédia e a tragédia estão fora de moda e o que está a dar é precisamente construir textos e espectáculos que inventem uma realidade que ainda não é a nossa, ou seja, espectáculos que sendo incapazes, por si próprios, de motivarem a atenção e a reflexão do espectador, são vestidos com um tom de falsa declamação, completamente artificial e revestidos o mais possível com grandes efeitos cenográficos, luminotécnicos, ou sonoros.
«A imaginação é um músculo». Esta frase é também de Peter Brook, o mesmo que jamais se inibiu de montar os mais exigentes espectáculos em espaços vazios onde, à partida, a maioria dos encenadores diriam que era impossível montar um espectáculo. Mas, como Brook, também Augusto Boal provou, sem margem para dúvidas, a possibilidade de montar espectáculos no interior das aldeias índias, no meio confuso de um supermercado ou no espaço em movimento de um comboio.
Depois disto, é caso para questionar: quando vou ao teatro, exercito o músculo da imaginação? Se for «encandeado» pelo brilho dos efeitos especiais, é óbvio que a minha atenção fica presa a eles, desaparece o diálogo que o actor deveria travar comigo e fenece em mim qualquer apetite de reflexão.
Quando hoje em dia se vêem grandiosas montagens de Shakespeare, esquecemo-nos dos limitados recursos de meios e de espaço de que se servia Shakespeare e os seus contemporâneos para fazerem aparecer o «Espectro» dialogando com «Hamlet», tal como não havia mar na cena. Muito do que se dizia e representava, resultava do trabalho da imaginação que a obra e os seus fautores (do autor ao ensaiador, dos artífices aos actores) solicitavam ao público. E nem por isso o teatro isabelino deixava de atrair multidões. Não admira: as tragédias gregas nunca necessitaram de derramar sangue em palco para que os espectadores percebessem e se condoessem com as personagens que tinham «morrido» entre cenas.

UM ESPECTÁCULO A RECORDAR

Há pouco mais de duas semanas fui atraído por um espectáculo que para mim era uma verdadeira incógnita, ainda pelo facto de se tratar de um aproveitamento de textos de Brecht adaptados para teatro pelo Teatro Arado em co-produção com o Espaço T: As Histórias do Senhor Keuner.
A sala do Cine-Teatro Brasão estava a pouco menos de metade da sua lotação e, como mais tarde deduzi, grande parte dos espectadores eram constituídos por familiares e amigos das actrizes e actores que integravam o espectáculo.
Confesso desde já que não estava minimamente preparado para ver este espectáculo e nem me dei ao cuidado de ler a capa do programa (um modesto A4 dobrado) que definia «aquilo» como Teatro de Integração Social e Comunitária.
Por isso, logo nas primeiras aparições dos actores os meus olhos «viciados» notaram que havia ali algo de estranho. Eles não falavam como os «outros», não se movimentavam como os «outros» não olhavam como os «outros». Mas, curiosamente, parecia haver algo de indefinido que fazia com que se relacionassem entre eles de uma forma natural. O contacto físico era de grande espontaneidade; partiam de um movimento para o outro como quem vai da cozinha para a sala de jantar, impulsionados por uma palavra ou por um som musical.
Nas falas das actrizes e actores notava-se que havia algo de diferente em relação ao que estamos habituados a ouvir nos actores profissionais. Mais lentidão, por vezes, como se houvesse algumas dificuldades de articulação nas palavras, subidas e descidas de voz que pareciam menos ensaiadas que sons saindo do interior de cada um deles. Também os movimentos eram claramente diferentes daqueles que se ensinam no teatro profissional: os passos pareciam obedecer mais ao instinto do que a qualquer mecanização programada pela encenação, mas não deixavam de partilhar, de forma harmónica, os espaços que os separavam. Depois… bem, depois «escutei» silêncios inesperados e longos que me provocavam sucessivas interrogações.
Quem era esta gente? Como haviam chegado ali? O que os tinha motivado para este espectáculo?
E, o mais surpreendente: a coreografia desenvolvida parecia estar em perfeita harmonia com uma aparente falta de jeito para o ballet. Mas seria isso que se procurava? E, quando se ocultavam como uma massa informe, sob um enorme pano, faziam-no de forma tão convincente que eu me quedava numa ansiosa expectativa: que virá a seguir?
Lentamente fui-me apercebendo do que se passava, do que se pretendia transmitir, da exiguidade de recursos que amplifica a imaginação, e dei por mim surpreso perante aquilo que contemplava. E não adormeci !
No final tive a oportunidade de conviver durante alguns instantes com as actrizes e actores que participaram no espectáculo: e senti-me feliz ao compartilhar das sonoras e alegres gargalhadas de alguns deles, da forma desinibida como comunicavam, sem se importarem com os olhares de viés de alguns «vizinhos».
Eles tinham conseguido preencher um espaço praticamente vazio com uma arte reinventada, fruto da provocação que o grupo do Teatro Arado lhes fez.
E aconteceu TEATRO! Se não foi uma experiência nova, foi, pelo menos, original. E para mim foi altamente gratificante, recordando-me aquilo que Peter Brook escreveu:
«Para que alguma coisa relevante ocorra, é preciso criar um espaço vazio. O espaço vazio permite que surja um fenómeno novo, porque tudo que diz respeito a conteúdo, significado, expressão, linguagem e música só pode existir se a experiência for nova e original. Mas nenhuma experiência nova e original é possível se não houver um espaço puro, virgem, pronto para recebê-la».

É ISTO QUE EU ESPERO DO TEATRO!

NOTA ― O «Espaço T» surgiu no Porto, há quase dez anos, com o objectivo de redefinir a tradicional abordagem de ressocialização das minorias desfavorecidas e marginalizadas. Aqui convivem no mesmo espaço deficientes, toxicodependentes e pessoas "normais", recorrendo à arte como instrumento de terapia.

(Texto publicado em Que Cena, n.º 1-Primavera-2008)

FERNANDO PEIXOTO

[1] ― BROOK, Peter ― O Espaço Vazio. Lisboa: Orfeu Negro, 2008, p. 213.

NOTÍCIAS-JUNHO 2008

2008-06-09T21:42:00.010+01:00

PUNHAL NA CARNE

de Júnior Sampaio
no Teatro do Campo Alegre

10-06-2008 a 29-06-2008

Co-produção do Seiva Trupe e ENTREtanto Teatro, a partir de "Como Um Punhal nas Carnes", de Maurício Kartun, com tradução de António Rebordão Navarro, adaptação, dramaturgia e encenação de Júnior Sampaio, interpretação de Clara Nogueira e José Fragoso, cenografia de Júnior Sampaio e Vítor Sotto-Mayor, desenho de luz de Wilma Moutinho e figurinos de Júlio Waterland.

Um texto, inédito em Portugal, que confronta a força e fraqueza da paixão arrebatadora. Um casal: as suas paixões extraconjugais. Delírios, desejos, esperanças, fantasias, sonhos, sofrimentos, feridas, angústias, desamparos, ressentimentos, desesperos, penúrias e enganos de que quem ama é vítima. A paisagem destruída de um casal depois da fúria devastadora da paixão (catástrofe natural que aflora a pele, inunda o corpo e reconstrói a alma).

O HOMEM SEM CARA
Teatro Art'Imagem

O Teatro Art’ Imagem irá apresentar “O homem sem cara” no auditório da Quinta da Caverneira, Águas Santas, Maia.
Este espectáculo estará em cena em Junho nos dias 12, 13 e 14 às 22h00 e no dia 15 às 16h00.
Destina-se a maiores de 12 anos e o preço do bilhete é de € 3,00 (preço único).
Inf e reservas pelo tlf 96 020 88 19
Esta peça (num texto original da nova dramaturgia portuguesa e estreada em Novembro 2006), foi inspirada na história verídica de um homem que sofre um grave acidente onde perde parte do rosto. Depois de várias operações aceita fazer um transplante. É este o drama em que vive.
Spinoza levantou a questão de saber se um homem muito mutilado ainda podia considerar-se um homem
ficha artística:
texto e encenação de Fernando Moreira * figurinos de Marita Setas Ferro * cenografia de Ricardo Preto * música de Carlos Adolfo * interpretação de Ângela B. Marques, Pedro Carvalho e Valdemar Santos.
sobre a peça (texto do encenador):
Quando vi na televisão uma reportagem sobre um homem que perdeu parte da cara e ao mesmo tempo li as notícias sobre o primeiro transplante mundial de rosto senti que havia matéria suficiente para escrever uma peça de teatro.
Encontrei ainda informações bizarras quanto ao chamado progresso da ciência, isto é, o homem a quem fora feito o primeiro transplante de mão pediu aos médicos para a removerem (porque a achava feia e grande demais);

o homem chinês a quem foi transplantado o pénis pediu para o retirarem (a mulher não aceitou o novo orgão).
Compreendi que havia algo de lírico e trágico no meio disto tudo. Afinal, quem sofre mais: o acidentado ou as pessoas que lhe são próximas? Quem é, e quem foi a pessoa que doa o rosto? Como se aguenta psicologicamente o transplante?
Chegámos às profundezas do ser e como sabemos que arte é reflexão e inquietação avançámos, sem medo, para este desvelar da alma.

DUELO

de Bernardo Santareno
O Grupo Cénico da Música Nova, dirigido por Vicente Batalha, apresenta, no seu Teatrinho de Bolso, em Pernes, Santarém, "O Duelo", de Bernardo Santareno, em ante-estreia, no dia 24 de Maio, às 21h30, e, em estreia, no dia 25 de Maio, à mesma hora. Os espectáculos seguintes terão lugar, a 31 de Maio, 1, 21, 22 de Junho, sempre às 21h30. O Grupo conta com apoios da Câmara Municipal de Santarém, da Junta de Freguesia de Pernes e da Rádio Pernes. A peça "O Duelo", de Bernardo Santareno, foi publicada em 1961, e só subiu à cena dez anos depois (1971), pela Companhia do Teatro Nacional/Amélia Rey Colaço-Robles Monteiro, com Eunice Muñoz, João Perry, Henriqueta Maia e Cecília Guimarães nos principais papéis.
Um elenco de 29 intérpretes dá vida ao espectáculo, assente no belíssimo texto de Bernardo Santareno: Ana Luísa Oliveira (Manuela), Bruno Oliveira (Ângelo), Dária Batista Costa (1ª Velha), Cláudia Henriques (Maria Clara), Filipe Henriques (1º Campino), Joana da Paz (1ª Rapariga), Jorge Paulino (2º Campino), Leandro Pedro/Carlos Vieira (Chico), Maria José Mendonça (Mariana), Maria Manuela Teopisto (Rosária), Maria Teresa Teopisto (Salomé), Pedro Gaivoto (Zé Ruço), Stany Gonçalves (José); e, ainda, Salomé Vieira (Prólogo), Ana Catarina Guerra, Fernando Caetano, José António Leal Teopisto, Mónica Frazão, Paula Gonçalves (Coro), os pequenos, Catarina Henriques, Diogo Frazão, Gabriel Isidro, Leonor Henriques e Ricardo Cintrão, e Vicente Batalha (figuração), completam o grupo e enquadram a acção.Na ficha técnica: Rui Henriques (cenografia), Souzel Vieira, Lubélia Caetano, Maria Aurora Caetano, Maria Emília Cipriano, Maria José Mendonça (guarda-roupa e adereços), COOPERSOM (luminotécnica, Heitor Mendonça, e sonoplastia, Bruno Talhão), e Valter Jesus (apoio de cena). A direcção e encenação de "O Duelo" é de Vicente Batalha, com assistência de Telmo Jesus.
"O Duelo", que alguns estudiosos classificam como "uma tragédia", faz parte do 1º ciclo da obra de Santareno – o "realismo poético" – à semelhança de, "O Lugre", "O Crime da Aldeia Velha", "António, O Marinheiro" (O Édipo de Alfama) e "O Pecado de João Agonia".
A acção passa-se na lezíria do Tejo, no lado de lá da ponte, para as bandas de Almeirim, e tem como pano de fundo o Santíssimo Milagre de Santarém. "O Duelo" trava-se entre os trabalhadores dos campos e os senhores da lezíria. A síntese dessa luta, está expressa, logo no 1º acto, quando a mãe Rosária, num grito abafado, diz ao filho Ângelo, "Eles são os senhores, filho, e a gente os servos, eles podem tudo e a gente nada".
De "O Duelo", disse o crítico João Gaspar Simões (in "Diário de Notícias", em 1961):

"Pela sua linguagem, que é bela, sobretudo na boca de Rosária e Manuela (também de Ângelo e Mariana) e pela sobriedade dos seus lances dramáticos, "O Duelo", quanto a mim, é das peças de Bernardo Santareno que, uma vez em cena, consagrarão definitivamente um dramaturgo já hoje, sem favor, dos mais altos expoentes da dramaturgia nacional."
Do autor, Bernardo Santareno, diz Luís Francisco Rebelo, em "O Teatro Português": "Oscilando entre os pólos (de sinal contrário, mas de força equivalente) de uma fascinação do mal e de uma obsessão de angelismo, o seu teatro realiza a inesperada fusão de temas de raiz popular com as preocupações existenciais mais fundamente sentidas na carne e no espírito do homem seu e nosso contemporâneo."

Texto extraído de Tinta Fresca, Jornal de Arte, Cultura & Cidadania, de 23 de Maio de 2008

O DUELO em Pernes Texto de Rosalina Melro
O Duelo, numa ousada e bem sucedida apresentação do Grupo Cénico da Sociedade Musical União Pernense, fez a sua ante-estreia no passado sábado, 24 de Maio, com a sala esgotada, a que também compareceu o presidente da Câmara de Santarém.
O Duelo é a única peça de Bernardo Santareno que tem como localização a lezíria e a gente da planície ribatejana. O conflito foca aspectos etnográficos, sociais e económicos, nos anos sessenta. A tragédia, pressentida desde a primeira cena, revela-se humana. Caso de amor e paixão, de honra e justiça, de crença e medos. Tudo caminhos que entrelaçam as personagens. De mestre é a direcção, a encenação e a participação especial de Vicente Batalha. Um trabalho que considero das mais significativas homenagens a Bernardo Santareno.
O espectáculo começa com o clássico Coro, que assume função muito particular na antevisão da tragédia. Justifica os aplausos tal ousadia. Há outras funções que, no espectáculo, assumem excepcional relevância: a sonoplastia e a luminotecnia nas mãos e na sensibilidade de Heitor Mendonça e de Bruno Talhão. A cenografia de Rui Henriques e o apoio de cena, sempre muito bem na sua simplicidade. Também o guarda-roupa e adereços merecem louvor pelo cuidado na escolha de modelos e na fidelidade à época.
Maravilhoso o elenco. Aplausos a todos: as mulheres do povo, as raparigas, os campinos, as velhas e aquela estranha feiticeira, tão confiante no seu diabo! Linda, na sua ingénua frescura, a Cláudia Henriques. A Maria José Mendonça faz uma Mariana de actuação muito decidida, sempre bem no desempenho de mulher trave da casa e amiga da mãe de Ângelo, a Rosária é a personagem mais trágica. Personagem excepcionalmente construída por Maria Manuela Teopisto.
Recordo que O Duelo foi escrito em 1961 e representado pela Companhia do Teatro Nacional, em 1971. Então, o papel de Rosária coube a Eunice Muñoz. Papel de elevada tensão dramática, representa uma vida de medo, temor, superstições, mistério e dor. Ela é a mater dolorosa e passa ao filho essa herança trágica.
Também muito forte o trabalho de Ana Luísa Oliveira: a menina Manuela, a patroa, a mulher dona das terras, dos cavalos e dos toiros, mas escrava de coração apaixonada por um servo, Ângelo, o filho de Rosária, o que aprendera, na mágoa da mãe humilhada: "Eles são os senhores, filho, e a gente os servos, eles podem tudo e a gente nada". Surpreendente, o desempenho de Bruno Oliveira, no papel de Ângelo até pela evolução do seu trabalho sobre o palco, aqui representa o homem do povo, o servo que iguala a patroa ao enfrentar o destino trágico. Herói porque herdeiro da tragédia.
Todos ouviram merecidos e prolongados aplausos.

In "O Ribatejo", de 31 de Maio de 2008

Beijamins - III FESTIVAL PARA A INFÂNCIA E JUVENTUDE

2008-05-09T17:10:00.003+01:00

Beijamins III Festival para a Infância e Juventude
Peças de teatro e actividades dedicadas especialmente aos mais novos!

9Maio - 21h45 - Cine Teatro Eduardo Brazão

"A Menina e o Mar" - Clube de Teatro Atl. S. Vouga

"O Príncipe Nabo" - Dramático Flor Infesta

"Nuvem que não Chora fica Doente" - Grupo Aceno de Acenar M/6 Anos

10 Maio- 18h - Biblioteca Municipal de Gaia

Abertura da Exposição das Ilustrações de Roberto Chichorro

Lançamento do Livro "O Pássaro da Primavera" - M/6 Anos

16, 17, 18 Maio - Cine Teatro Eduardo Brazão

"O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá" - Teatro Arado

Horário: 16 Maio - 10h30 e 14h30;

17 Maio - 16h30 e 21h45;

18 Maio - 16h30

22 Maio - 16h30 - Parque da Lavandeira

Conversa à Sombra "O ensino artístico nas escolas"

Com Professores e Encarregados de Educação

Jogos de Expressão Dramática (levar fato de treino)

23 Maio - Auditório do Teatro Amador de Sandim (TAS)

"O Corta-Unhas" - Teatro Assombrado

Horário:10h30, 14h30 e 21h30

M/3 Anos
24 Maio - 21h45 - Cine Teatro Eduardo Brazão

"As Histórias do Sr. Kauner" - Co Produção Teatro Arado/Espaço T

"O Meu Caso" - ESAP 2º Ano Curso de Teatro

"A Ida para o Inferno" - ESAP 1º Ano Curso de Teatro

M/12 Anos

01 de Junho - DIA MUNDIAL DA CRIANÇA - Parque Biológico de Gaia

17,30 - Abertura da exposição das ilustrações de Roberto Chichorro
18,00 - Lançamento do livro O Pássaro da Primavera

02 Junho a 8 Junho - Auditório Parque Biológico

"O Pássaro da Primavera" - Teatro Arado

Horário:

2 a 6 Junho - 10h30 e 14h30

7 e 8 Junho - 16h30

M/ 3 Anos

ACTIVIDADES PARALELAS

09 Maio - Teatro Amador de Sandim (TAS)

Lançamento da Revista de Teatro Que Cena

Horário: 21h

23 de Maio a 07 Junho - Teatro Amador de Sandim (TAS)

21,00 - "Uma Vida no Teatro" -Exposição Documental de Homenagem a Fernando Peixoto

Horário: Inauguração da Exposição - 21h

Diariamente das 10h às 19h

Organização: Gaianima, E.M. e Teatroarado, A.C.

NOTÍCIAS DE TEATRO

2008-05-09T16:00:00.013+01:00

História de uma gaivota

e do gato que a ensinou a voar

pelo ART'IMAGEM

BIBLIOTECA MUNICIPAL ALMEIDA GARRETT no Porto

5 a 15 de Maio8, 9 e 10 de Maio - 21.30h
10 e 11 de Maio - 16.00h

Uma gaivota, vítima da poluição de uma maré negra, confia o seu pequeno ovo a um gato, chamado Zorbas, pedindo-lhe para cumprir três promessas: não comer o ovo; cuidar dele até nascer a gaivotinha; e, por fim, ensiná-la a voar. Zorbas pede então ajuda a três amigos (Colonello, Sabetudo e Barlavento) para tentar levar a cabo a estranha missão de cuidar da gaivotinha. Depois de passarem por muitos perigos para cumprirem as duas primeiras promessas, eles têm que recorrer a alguém muito especial para os ajudar a cumprir a terceira - ensiná-la a voar ! Mas, para isso, têm que quebrar o tabu dos gatos...

Fest'Arte 2008

O Juíz das Borracheiras

Org. TAS - Teatro Amador de Sandim
Representação pelo Grupo Mérito Dramático Avintense, com encenação de Manuel Ramos Costa.

Horário21h30

Local: Sede da colectividade

Morada: Rua do Teatro Amador, 120 4415 Sandim - Vila Nova de Gaia

Telefone:22 7631286

.......................................................................................

De 2008-05-08 a 2008-05-25
Eclipse Total
de Christopher Hampton
Pelo Teatro Experimental do Porto

Uma encenação de Norberto Barroca para a peça de Christopher Hampton, autor, dramaturgo, argumentista e realizador inglês nascido em 1946 na ilha açoriana do Faial, quando o pai, engenheiro, lá trabalhava. Hampton fez carreira no teatro, televisão e cinema, e foi nomeado em 2008 para o Óscar de melhor argumento adaptado por "Expiação". Tem sido, igualmente, autor de vários argumentos, como "Casa de Boneca", "O Cônsul Honorário" ou "Ligações Perigosas".

"Eclipse Total" foi adaptada ao cinema pelo próprio, num filme dirigido por Agnieszka Holland, com Leonardo Di Caprio e David Thewlis. Protagonizada em Gaia por Fábio Alves e Pedro Lamas, a peça aborda as vidas de dois dos maiores poetas franceses, Rimbaud e Verlaine, o seu relacionamento, a sua intervenção polémica e tempestuosa no Século XIX e os seus reflexos até aos dias de hoje.

Tradução, encenação e cenografia de Norberto Barroca

Figurinos e co-autoria de cenografia de Mário Dias Garcia

Desenho de Luz e Sonoplastia de Eduardo Brandão

Interpretação de Fábio Alves, Pedro Lamas, Adriano Martins, Ângela Marques, Aquiles Dias, José Cruz, José Dias, Margarida Machado, Olga Dias e Susana Sá
Org. Pelouro da Cultura, Património e Turismo/Auditório Municipal/TEP/ Gaianima

Horário: de 4ª a Sábado às 21h45 Local: Auditório Municipal de Gaia

........................................................................................

Já saiu o

Nº 33 de Teatro/CELCIT

Revista de teatrología, técnicas y reflexión sobre la práctica teatral iboamericana

A tu disposición en la sección Publicaciones de www.celcit.org.ar

Tres nuevos textos teatrales en www.celcit.org.ar Tres nuevos textos teatrales, de lo mejor de la dramaturgia iberoamericana contemporánea, a tu disposición en la sección Publicaciones/Dramática Latinoamericana de www.celcit.org.ar ;

desde allí podés bajarlos a tu PC, sin cargo alguno.Ya son más de 270 los textos publicados, procedentes de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, España, Francia, México, Perú, Portugal, Puerto Rico, Uruguay, Venezuela... Los nuevos textos son:275. La confesión de un hijo de puta. Paco Sanguino y Rafael González (España)276. Doscientos veinte voltios. Víctor Winer (Argentina)277. Las películas de invierno. Juan Mayorga (España)

Últimos títulos publicados:

255. A ver un aplauso. César de María (Perú)

256. Passport. Gustavo Ott (Venezuela)

257. Ignacio & María. Mara Mansur (Cuba)

258. El último barco. César de María (Perú)

259. Pony. Gustavo Ott (Venezuela)

260. Charlotte Corday. Nara Mansur (Cuba)

261. Arritmia. Leonel Giacometto (Argentina)

262. Tolstoi. Ricardo Prieto (Uruguay)

263. Tren hacia la dicha. Amado del Pino (Cuba)

264. El zapato sucio. Amado del Pino (Cuba)

265. El sueño de Dios. José Luis Arce (Argentina)
266. La niña que moría a cada rato. José Luis Arce (Argentina)

267. A paso lento. Gracia Morales (España)

268. Alcanzar el unicornio. Guillermo Schmidhuber (México)
269. Alicia. Raquel Diana (Uruguay)

270. Café de lobos. Jorge Ricci (Argentina)

271. Cuadros de humor. José Luis Alonso de Santos (España)
272. Cuentos de hadas. Raquel Diana (Uruguay)

273. Cloro. Víctor Winer (Argentina)

274. En busca de un hogar sólido. Guillermo Schmidhuber (México)

.........................................................................................................

Auto da Razão (Grupo de Teatro FJA)

A: 17/5/2008 - 21.30h, Cine-Teatro São Luís

Sinopse
O homem mata a sua mulher.A mulher recusa-se a estar morta.A médica faz o parto à mulher morta.A amante pede ao homem para matar a mulher.A amante morre…Não não. A mulher morre. É assim? Já não sei…A Juíza que decida!O homem não está louco, Não está Louco, Louco!
Ficha Técnica:
Texto: Jorge Palinhos
Encenação, Espaço Cénico e Figurinos: Diana Sá
Elenco: Carla Leite, Catarina Ribeiro, Filipe Salgado e Natália Ribeiro
http://fundacaojorgeantunes.com

http://gtfja.blogspot.com/

....................................................

O Último Baile... do Sr. José da Cunha
Comédia com encenação de Ricardo Silva

Org. Junta de Freguesia de Gulpilhares/ TEAGUS-Teatro Amador de Gulpilhares
Auditório de Gulpilhares, 2008-05-10

....................................................

DOIS PERDIDOS NUMA NOITE SUJA

TEATRO MUNDIAL (PICOAS)
De Plínio Marcos
Encenação de Sílvio Guindane
Com André Gonçalves e Freddy Ribeiro
De 24 de Abril a 18 de Maio
De quinta a sábado às 21h30 domingos às 17h30
Preço dos bilhetes: 20€
Informações: 21 412 17 97
Reservas: 21 357 40 89
Sinopse
Paco e Tonho são dois operários falidos e semi marginalizados de um Mercado de Peixe do cais do porto. Enquanto Paco é um ser tomado pelo sentimento de provocação e agressividade aparente, Tonho, mais velho, tem em seu peito uma grande vontade de crescer na vida, fazer valer o estudo que cursou, por isso desenvolve uma espécie de dependência aos valores socialmente válidos que se recria neste espetáculo relacionado a um par de sapatos.
Estes sapatos representam dentro da critica de Plínio Marcos todos os valores materiais do capitalismo, da exaltação da imagem e do desencaixe social que existe com o ser humano.A agressividade de um e a passividade de outro, dentro deste mundo tão peculiar desnuda o comportamento destes dois indivíduos dilacerando assim uma luta de cérebros até a destruição, luta esta que poderia acontecer com qualquer um de nós, mesmo não sendo nós semi marginalizados de um mercado de Peixe do cais do Porto.
...................................................................

Masterclass por Juan Mayorga no

31º Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica – FITEI

inscrições abertas

O 31º FITEI vai organizar uma masterclass com Juan Mayorga, um dos nomes em destaque nesta edição do Festival. Dirigido a estudantes e profissionais de teatro, cinema e jornalismo, a masterclass pretende ser um espaço de pesquisa do autor espanhol com os participantes, a partir dos textos escritos por Mayorga.

A entrada é livre, sujeita à limitação de 25 inscrições. A masterclass realiza-se no dia 1 de Junho, Domingo, das 10h00 às 13h00, na Sala Polivalente do IPJ.

A ficha de inscrição deverá ser enviada por correio (Rua do Paraíso, 217, 2 - sala , 4000-377 Porto) ou e-mail para geral@fitei.com até ao dia 23 de Maio.

Em 2008, o Fitei inicia uma nova secção, com a finalidade de proporcionar aos estudantes um contacto directo ao nível de formação com criadores de reconhecido mérito do meio teatral. Para esta edição do Festival, são propostas três iniciativas:

Uma oficina de cenografia com Ulisses Cohn, um workshop com Ana Vallés ("EL VICIO DE MIRAR") e uma masterclass com Juan Mayorga.

Trata-se de uma oportunidade dos estudantes das escolas de teatro e não só de terem contacto com a experiência e formas de trabalhos dos autores convidados.

Juan Mayorga nasceu em 1965 em Madrid. Licenciado em filosofia e matemática, dedicou-se à filosofia da história e da estética. A sua tese de doutoramento intitula-se "A filosofia da História de Walter Benjamin" e aborda as obras de Walter Benjamin, Ernst Jünger, Georges Sorel, Donoso Cortés, Carl Schmitt e Franz Kafka. É membro do grupo de investigação " O Judaismo. Uma tradição esquecida na Europa" do Instituto de Filosofia do Conselho Superior de Investigação Científica. Publicou ensaios e diversos textos sobre Lope de Vega, Artaud, Dürrenmatt, Heiner Müller, Valère Novarina e José Sanchis Sinisterra, entre outros. É membro do conselho de redacção da revista "Primer Acto". Ensina dramaturgia e história das ideias na Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Mayorga começa a dedicar-se à escrita teatral em 1989, ano em que é nomeado para o prémio Marqués de Bradomín por Siete hombre buenos. Estreou ou publicou os seguintes textos para teatro:- Siete hombres Buenos (1989)-. Más ceniza (1992), El traductor de Blumemberg (1994-2000), Concierto fatal de la viuda Kolakowski (1994), El hombre de oro (1996), El sueño de Ginebra (1996), El jardín quemado. (1998), La mala imagen (1997), Legión (1998), La piel (1998), Amarillo (1998-2000), El Crack (1998), Angelus Novus (1999), Cartas de amor a Stalin (1998), La mujer de mi vida (1999), BRGS (2000), El Gordo y el Flaco (2001), La mano izquierda (2001), Una carta de Sarajevo (2001), Encuentro en Salamanca (2002), La biblioteca del Diablo (2001), Camino del cielo (2002), El buen vecino (2002), Sonámbulo (A partir de "Sobre los ángeles", de Rafael Alberti) (2003), Animales nocturnos (2003), Tres anillos (2004). Foi ainda co-autor, com Juan Cavestany, de Alejandro y Ana e autor de Lo que España no pudo ver del banquete de la boda de la hija del presidente (2003), Ultimas Palabras de Copito de Nieve (2004) e Hamelin (2004) . Traduziu e adaptou A Visita da Velha Senhora de Friedrich Dürrenmatt (2000), O Monstro dos jardins de Calderón (2000), A dama boba de Lope (2002) Nathan, O Sábio, de Lessing (2003). A sua peça Cartas de Amor a Stalin, em tradução de José Martins, está editada na Campo das Letras. E O Tradutor de Blumemberg, em tradução de António Gonçalves foi editado na Revista "Artistas Unidos".

Masterclass com Juan Mayorga

Sala Polivalente do IPJ

Rua Rodrigues Lobo, Porto

1 de Junho 2008, Domingo, das 10h00 às 13h00

Mais informações em www.fitei.com > Notícias Fitei

.....................................................................................................

FITEI - Newsletter 12

É já no próximo dia 28 de Maio que arranca a

31ª edição do FITEI – Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica.

Durante doze dias, entre estreias e alguns regressos ao Festival, serão 24 espectáculos proporcionados por 15 companhias, de Portugal (7), Espanha (5), e Brasil (1), com destaque para 3 espectáculos de rua, a acontecerem junto à Casa da Música, na Avenida dos Aliados e na Fundação de Serralves.

Nas actividades paralelas, entre outras iniciativas, destaque para a apresentação do Plan Galego das Artes Escénicas, o documento estrutural da política cultural da Xunta da Galicia. Para este ano, o Festival abre uma nova secção – Oficinas FITEI, com uma masterclass com o autor espanhol Juan Mayorga, uma oficina de cenografia por Ulisses Cohn e o workshop dirigido pela coreógrafa e encenadora Ana Vallès.

Revistas de teatro espanholas no Fitei

O FITEI vai contar este ano com a cobertura jornalística das principais revistas espanholas especializadas em Teatro. A Artez, Primer Act e a Revista Galega de Teatro são algumas das confirmações para esta edição do Festival. O interesse da imprensa especializada espanhola no FITEI vem reforçar a importância e abrangência internacional do Festival

Blogue do festival
Informações e notícias sobre o mundo do teatro ibérico em http://www.fitei.blogspot.com

O QUE É A CULTURA ?

2008-04-23T00:10:00.003+01:00

O QUE É A CULTURA? (1)
Por Augusto Boal

Palavras são meios de transporte, como o trem, a bicicleta e o avião; a palavra Cultura é um enorme caminhão que suporta qualquer carga. É necessário defini-la, para que saibamos do que estamos falando, quando dela queremos falar.

Cultura é o que estamos fazemos aqui, agora, neste instante, discutindo o que é a Cultura.

Cultura é este microfone, esta mesa, esta sala. Nada disto existia - é fruto da mão humana, executora de nossos pensamentos e desejos.Este encontro não é apenas "um" exemplo do que seja a Cultura: é o máximo exemplo, pois Cultura é a reflexão do ser humano sobre si mesmo e sobre o mundo, e sobre o que faz neste mundo. É o feito e o fazer, é o como fazer o que se faz. É a criação de uma realidade não prevista nos desígnios da Natureza. Um Real objetivo, como a construção de casas e pontes, feitas de pedra; e um Real subjetivo, como a Moral, feita de valores. A Cultura possibilita e engendra a Arte, que é o seu estado supremo e soberano. Uma lenda antiga e distante - e tudo que é distante e antigo nos dá a impressão de verdadeiro - diz que a Arte tornou-se necessária para completar a incoerente e desorganizada criação divina. Deus, segundo a lenda, por mais perfeito, veloz e talentoso que tenha sido, tinha também seus limites, e não foi capaz de completar a Obra que havia planejado, no tempo que havia calculado. Calculou mal: seis dias mostrou-se curto prazo, mesmo para o Todo Poderoso, pois que o Poder, ao existir, fixa seus limites; se não os tivesse, seria também meu, nosso e vosso, seríamos todos divinos: o poder seria substância universal e não predicado do poderoso. Até o Poder tem fronteiras.Deus, cansado - toda força, na exaustão, encontra seus limite - desconsolado e triste, buscou merecido descanso no domingo, mas não sem antes apelar para os Artistas que logo vieram em seu socorro para reorganizar o mundo que ele mal havia - e havia mal - criado. Os sons divinos andavam por aí, espalhados, notas, claves e bemóis - sonoridades ao vento, enlouquecidas na imensidão vazia... Vieram compositores para lhes dar estrutura e razão: eis a sonata, o samba e a canção. A matéria prima era divina; mas a forma tinha os contornos de Villa Lobos, Cartola, Dolores Durán e Nelson Cavaquinho, para não citar nenhum presente.As cores, espalhadas e sem rumo, andavam às turras com o traço, buscando perspectivas na vida e no espaço - vieram os artistas plásticos e pintaram quadros, esculpiram estátuas, grafitaram paredes, e nos fizeram entender o que Deus quis fazer, mas não teve tempo; quis dizer, mas não disse.

As palavras, esses seres estranhos que não existem - são riscos na areia que as ondas do mar apagam; sons, que a leve brisa dissolve com suas carícias -, as palavras eram vazias e tortas, desengonçadas - até que chegaram os poetas para domesticá-las, dando-lhes sentido e destino.

Só os seres humanos são capazes de criar Arte e Cultura - que é a coerência com a qual o Artista vê o mundo, corrige e completa a obra de Deus que, assim, se revela e resplandece. Vivam os artistas! Mas coerência nem sempre é virtude, como nem sempre a Moral é Ética. A Cultura, que faz existir o imaginado, que é invenção do novo, do necessário e útil - e do belo, tão útil como necessário -, pode-se extasiar diante de si mesma e mergulhar nas águas de Narciso. O Artista, inebriado, pode pensar-se Deus e parir a arte pela arte. Pode, ao contrário, congelar seus caminhos, e se estiolar na repetição.

A Cultura, no fio da navalha, cria, destrói e recria. Quando, querendo instaurar o novo, fixamos nossos caminhos, a cultura se cristaliza na Técnica, que nos permite inventar e apressa o invento, mas que pode nos obrigar a segui-la, e servi-la - ajuda ou atrapalha. Quando fixamos nosso comportamento na sociedade, a Cultura se cristaliza na Moral, tão necessária, mas que pode ser odiosa. Tudo, neste mundo em trânsito, transita.

Cultura, traduzida em Arte, deve ser criação permanente, revolucionária, conquista do novo, nunca estratificação do conquistado. Pode-se transformar em Indústria, pode-se inserir na Economia, sim, mas desde que o criador seja o Artista, sempre o Artista, e não o produtor, que deve trabalhar com aquilo que foi criado, e não criar limites à criação. O artista cria o que não existia; o produtor, ao que existe, abre caminhos. Se o produtor serve ao Mercado, deve ter claro que Mercado quer a repetição estéril, do já feito e conhecido, sem sobressaltos; o Artista quer inovar. O Mercado, eclético, mercadeja arte e sabão em pó, porque ambos são necessários e vendáveis, mas não é justo confundir artista e saponáceo. É verdade que nós, artistas, queremos vender nossos discos, livros e quadros, queremos a casa cheia, mas não ao preço da renúncia daquilo que nos explica e justifica: a Arte, que será sempre revolucionária, ou nada será.Repito, sempre, que não temos nada contra o comércio, como tal. Admiro mesmo os comerciantes que fazem do seu comércio uma arte, mas tenho pena dos artistas que fazem, da sua Arte, um comércio.

Cultura, traduzida em Moral, fixa a Tradição. A Tradição, em si, não é boa nem má, pois é criada por sociedades que não são eternas. Devemos cultivar as tradições humanísticas, mas, com energia, rejeitar as cruéis e desumanas.

No mês passado, eu estive na Índia com todo o meu Centro carioca, presidindo a fundação da Federação Indiana de Teatro do Oprimido, na mesma semana em que foi promulgada uma lei autorizando o Estado a tentar dissuadir os pai de forçarem o casamento de seus filhos crianças. A Lei dizia que, se esses casamentos já tivessem sido realizados, seriam válidos por respeito às tradições familiares. Casar crianças e obrigá-las à convivência é crime, e nenhuma tradição pode justificar um crime!Na mesma semana, foi promulgada, na mesma Índia, outra lei, a que protege as mulheres contra a violência doméstica. Está em vigor. Lei radical, exemplar, que condena e pune, não apenas a violência física e sexual, mas até mesmo o palavrão atirado contra a esposa ou namorada, a tia, a sogra, a filha ou a vizinha. Peço aos legisladores, porventura presentes, que levem em conta a sugestão indiana: seja a mulher quem for, nem palavrão, nem com uma flor.Exemplos de tradições culturais odiosas não nos faltam e, entre tantas, podemos citar os flagelos que são as guerras coloniais e as imperialistas, disfarçadas ou não; a pena de morte e a escravidão; o Cassino da Bolsa de Valores que faz, do Mercado, um Deus, e o cinema de Hollywood, Deus do Mercado; os genocídios étnicos, passados e atuais; o mundo em chamas.

Contra essas tradições sempre se lutou. A Revolução Francesa, que representou um bem para a Humanidade, não respeitou as tradições da realeza; nós, se tivéssemos mantido nossas tradições monárquicas, hoje não seríamos República.

Cruéis tradições devem ser combatidas com vigor por serem contrárias à humanização do ser humano. Mas devemos recorrer às nossas boas e sadias tradições quando somos invadidos pela mídia globalizada, arte enlatada, notícias manipuladas, ódio racial, pensamento único. Isto é a Cultura: acabar com as tradições malsãs criando novos caminhos, inventar uma Ética. Se, no Brasil, já foi tradição a fome no Norte e Nordeste, Cultura é dar de comer ao faminto. Se é tradição o latifúndio improdutivo, Cultura é permitir que, quem sabe, pode e quer, que o faça produzir. Se foi tradição servil imitar a arte alheia, surgiram os Pontos de Cultura para liberar a nossa criatividade, engenho e arte. Os Pontos de Cultura vêm nos lembrar que não se pode privatizar a denominação de Artista, pois Artistas somos todos nós, seres humanos: somos os inventores do mundo. Todos nós somos capazes de produzir Arte - não uns melhor que outros, mas cada um melhor do que si mesmo. Esta é, em Arte, a única competição que devemos aceitar: eu, comigo. Como escreveu o poeta quinhentista português, Sá de Miranda: "Comigo me desavim, sou posto em todo perigo, não posso viver comigo, nem posso fugir de mim".

Isto é Arte: todos nós conosco nos desavimos e, como somos artistas, nos desaviremos sempre, conosco e com o mundo, até mudarmos o mundo que temos, e mudar o que faremos.Se era tradição nortear nossos passos pelo que fazem os países do Norte, temos agora que usar o neologismo de um amigo meu, temos que "sulear" nossos caminhos, estendendo a mão amiga aos países que estão nesta mesa, e a outros que, nesta mesa, também têm assento e, no nosso coração, lugar. Reconhecemos a nossa fraternidade com os países da América Latina, como o Equador; africanos, como a África do Sul; asiáticos, como a imensa Índia; e eu, como bom português trasmontano que também sou, de Justes e Vila Real, saúdo a presença querida de Portugal. Muito obrigado.

NOTA
1. Intervención en la mesa redonda "¿Qué es la cultura?", Río de Janeiro, Fórum Cultural Mundial, 24 de noviembre de 2006.

(Retirado dos Cadernos do CELCIT, n.º 31)

ÚLTIMAS NOTICIAS

2008-04-22T23:41:00.003+01:00

Um livro obrigatório para os amantes do Teatro

2008-04-22T23:01:00.006+01:00

UMA SETA TRANSPORTADA NA MÃO DA TESTEMUNHA

O Espaço Vazio, de Peter Brook

texto Pedro Manuel (extraído da revista OBSCENA

Voltar ao espaço vazio será regressar à linha de partida. E voltar, aqui, não será tanto regressar atrás no tempo, mas reencontrar o lugar do teatro. E, para Peter Brook será sempre um lugar partilhado, entre quem vê e quem dá a ver.
À primeira vista, a edição portuguesa de O espaço vazio traz o sabor de um reencontro e apresenta-se já recoberta com o estatuto dos clássicos: é publicada quarenta anos após a edição original e inscreve-se no contexto social e teatral dos anos 60. Nesse sentido, peca por tardia e, naturalmente, nestes quarenta anos já foi lida por quantos a quiseram encontrar. No entanto, faz sentido trazer esta obra ao dia, na medida em que é determinante a acessibilidade em português a obras-base sobre artes performativas, assim como Peter Brook é um encenador activo e presente, continuando a moldar o território teatral com a sua experiência e experimentação.
Mas, sobretudo, em O espaço vazio, é o discurso de uma testemunha que importa descobrir. Não só pelo olhar datável, mas pela visão pessoal, atenta, reflectida, culta.
O início do texto é exemplo da forma como orienta as observações com o seu pensamento: “Posso chegar a um espaço vazio qualquer e usá-lo como espaço de cena. Uma pessoa atravessa esse espaço vazio enquanto outra pessoa observa – e nada mais é necessário para que ocorra uma acção teatral.” A partir daqui o texto estrutura-se em quatro blocos temáticos (o Teatro do Aborrecimento Mortal, o Teatro Sagrado, o Teatro Bruto e o Teatro Imediato) e, em cada um, Brook descreve e disserta sobre o teatro: da Royal Shakespeare Company ao Living Theatre, dos happenings a Grotowski, passando por diversos autores, para além das histórias de vudu haitiano ou o excelente exemplo dos escravos do México - ou não tenha Peter Brook contribuído para uma certa “globalização” das artes perfomativas, presente ainda nos seus espectáculos.
A análise de cada caso tem por prumo a eficácia da comunicação teatral. O excerto citado vale como uma axioma nesse sentido e diz bem João Mota (numa entrevista sem perguntas, apresentada como posfácio, mas com valiosas passagens sobre a sua experiência como actor com Peter Brook): “O espaço vazio é mais do que um espaço cénico: é um espaço interior”. Não um regresso ao passado, um momento anterior, mas um lugar interior. Trata-se de pensar a comunicação teatral e, em última análise, a comunicação humana que, no espaço-tempo teatral, se torna um instante de partilha.
Será ainda interessante inscrever O Espaço Vazio junto de outros clássicos teatrais pelo seu carácter vivencial, empírico (Stanislavski, Meyerhold, Brecht, Grotowski). Fala a “voz da experiência”, de quem esteve lá, a voz da testemunha. Como as palavras de João Mota. A literatura sobre teatro está cheia de perspectivas biográficas, de “Memórias” de inúmeros actores, e isso deverse- á, talvez, à humanidade desse acto comunitário. É por isso que o teatro pode acontecer em qualquer parte e, quando acontece, “cria memória”, como diria o encenador João Brites.
A passagem do “Teatro do Aborrecimento Mortal” para os outros tipos de teatro é a passagem de um espaço cheio (de artifícios) para espaços vazios, isto é, interiores. Ainda assim, a testemunha Peter Brook coloca-se de forma ambígua, entre o encenador e o espectador e, em cada caso, observa a comunicação desse interior, o preenchimento desse espaço. Mas é a qualidade do seu testemunho que tornam O espaço vazio um clássico: ao mesmo tempo que data uma época fervilhante, recolhe ao interior, para pensar a memória e narrá-la do seu ponto de vista, montando o seu teatro. Um livro obrigatório na estante dos estudos de teatro mas, sobretudo, um convidado muito especial para receber na sala de estar.

(€15, Orfeu Negro tradução de Rui Lopes)

A PRIMEIRA VEZ

2008-04-22T22:50:00.003+01:00

por Paulo Sacaldassy

Como explicar esse momento mágico? A primeira vez sobre um palco é sempre inesquecível. Mas, tudo o que envolve esse momento, transcende a qualquer lucidez da razão. Na noite anterior da apresentação, a barriga dói, a ansiedade toma o lugar do sono, o medo de esquecer o texto já apavora, e um rolar na cama é o movimento mais constante.
Eis então que chega o grande dia, as olheiras denunciam a noite mal dormida e a ansiedade se faz companheira, mesmo com todos os exercícios na tentativa de reverter, ela parece incontrolável. E quanto mais se aproxima a tão desejada hora, mais o nervoso se faz presente.
Ufa! Já no camarim, maquiagem pronta, figurino vestido, o texto passado e repassado várias vezes, a respiração um pouco mais controlada, demonstra uma certa dose de auto-controle. Mas, o burburinho vindo da platéia aumenta a adrenalina, as mãos suam, a barriga volta a doer, o suor corre insistentemente sobre a maquiagem retocada por várias vezes.
Primeiro sinal. Ai, meu Deus! Agora não tem como voltar atrás! Segundo sinal. Nervossismo, suador, dor de barriga, concentração, tensão. Terceiro sinal. Merda!… Merda!… Merda!
Agora sim, em cima do palco, cortinas abertas, o texto na ponta da língua, o nervossismo ficou nas coxias, a dor de barriga ficou para trás, não tem mais ansiedade, o suor agora verte da interpretação, a tensão agora faz parte do drama e a emoção de estar sobre o palco, dá o seu lugar às emoções da personagem.
Parecia que não chegaria, mas passou tão rápido que dá vontade de fazer e passar por tudo de novo. E acho que é por isso que quem sobe ao palco pela primeira vez, e sente esse turbilhão de sensações que nos revira por dentro, sempre quer mais e mais.
O teatro é assim, sempre vai ser como a primeira vez, e não interessa quão experiente a pessoa seja, ela sentirá sim, tudo, tudo do mesmo jeitinho, como se fosse a sua primeira vez. Por tudo isso, se hoje for a sua primeira vez, muita Merda para você!

Paulo Sacaldassy, dramaturgo, roteirista, poeta e letrista. Mantém um blog chamado "poucas palavras" onde publica poesias e artigos. Colabora como Colunista do site Oficina de Teatro.

Vai começar o 27º FAZER A FESTA

2008-04-22T22:13:00.005+01:00

27º Fazer a Festa - Festival Internacional de Teatro
25 de Abril a 4 de Maio de 2008

É já no próximo dia 25 abril, sexta-feira, que se inicia a 27ª edição do “FAZER A FESTA – festival Internacional de Teatro” evento que o Teatro Art’ Imagem mais uma vez organiza nos jardins do Palácio da Cristal, na cidade do Porto.
A Aldeia Teatral e a diversidade de propostas e companhias que ocupavam de manhã à noite os jardins e espaços deste pulmão verde no centro da cidade e que, por força das circunstâncias, quase tinham desaparecido nos últimos anos, voltam (ainda que timidamente) em 2008, nestes dez dias cheios de todo o teatro. É, pois, com alguma esperança que apresentamos a edição 2008 do "Fazer a Festa"- Festival Internacional de Teatro, que apresentará 27 companhias, com 30 espectáculos diferentes e um total de 39 representações.

Aos sábados e domingos e nos feriados do 25 Abril e do 1º de Maio haverá vários espectáculos à tarde dirigidos a todos os públicos.

Aos dias da semana, de manhã e de tarde, a programação é dirigida, principalmente, aos grupos escolares, apresentando espectáculos no auditório da Biblioteca Almeida Garrett

Estará ainda patente ao público uma exposição de cartazes denominada "O Fazer a Festa em Cartaz(es)" e a projecção videográfica "Vinte e Sete Anos a Fazer a Festa", ambas da autoria de Cristiana Correia, que visam reavivar as memórias das várias edições do Festival desde a sua primeira edição em 1982.

A bilheteira funcionará diariamente nos jardins do Palácio das 15:00 às 23:30) e os preços são os seguintes
espectáculos das 16:30 - 3,00 (m/ 12 anos) e 5,00
espectáculos das 21:30 - 5,00 (preço único) espectáculos das 23:30 - 3,00 (preço único)

CONSULTE PROGRAMA MAIS ABAIXO, NESTE BLOG

Reflexões sobre o Teatro Associativo

2008-04-18T00:21:00.007+01:00

REALIDADES DO TEATRO ASSOCIATIVO

(Excerto da Intervenção proferida no encerramento do Festival de Teatro de Amadores de Gaia em

Março de 2006)

I - Rememorando

Não quero pronunciar-me aqui sobre nenhum grupo em particular, mas prefiro abordar um pouco da essência e dos arquétipos que caracterizam o Teatro de Amadores.
Felizmente ainda há múltiplas colectividades que teimam, estoicamente, manter viva uma arte que sempre se considerou em crise.
Por isso, não faltam as aves agoirentas e os profetas dissimulados que passam o seu tempo a tocar nas trompas da desgraça, anunciando a MORTE DO TEATRO. Diga-se de passagem que não estão sozinhos. Muitos outros, gente dita «respeitável», não só pelas gravatas que exibe, pelos carros em que se desloca, pelas vezes em que aparece nos jornais ou na TV, as conhecidas toupeiras dos sinusoidais corredores do poder, contribuem de forma acelerada para tentar minar a solidez do esforço que conduz à Arte Teatral.
Mas há também esses, os que ainda acreditam na imensa força cultural do Teatro e por isso a ele se entregam de corpo e alma, esquecendo chuvas e cansaços, relegando lareiras e confortos, cerrando os dentes de coragem e caminhando pelos difíceis e acidentados caminhos de Téspis, entrando sem medo na caverna de Eurípides, percorrendo corajosamente as ruas de Roma, dando o braço do humor corrosivo a Plauto, espreitando o Paço para rir de frades e alcoviteiras, embarcando nas Barcas de Mestre Gil, mesmo que alguma delas os transportem ao Inferno, ora sentindo-se «Todo-o-Mundo», ora assumindo a consciência clara de «Ninguém», mais adiante percorrendo as ruas londrinas da imundície e da promiscuidade, para usufruir de um Sonho de Uma Noite de Verão, enfrentando tempestades shakespearianas, atravessando o canal e desembarcando no Palácio da Borgonha para rir do Avarento, do Misantropo, do Médico à Força, e assistir, de lágrimas nos olhos, ao Doente Imaginário que morre em pleno palco.
São estes que mais tarde experimentarão novas estéticas, desde o romantismo de Vítor Hugo ao naturalismo de Ibsen, do absurdo de Beckett à revolta incontida e corajosa de um Harold Pinter.
Em todo este percurso, sempre foram assistindo à morte anunciada do Teatro, desde o cristianismo primitivo aos ambulantes das carroças medievais, dos mimos da Commedia dell’Arte à Comédie Française, de Lope de Vega a António José da Silva, de Strindberg a Lorca, experimentaram diversificadas propostas bebidas um pouco ao sabor da experiência colhida em Brecht, Piscator, Pirandello, Artaud, Grotowsky, Boal, Jaime Salazar Sampaio ou Bernardo Santareno e tantos outros que lançavam ao Teatro desafios para um renascimento contínuo.
A «anquilose teatral» não se consumou e o Teatro soube sempre ressurgir com novas forças, retemperadas ora pela supermarioneta de um Gordon Craig, ora pela técnica ainda hoje obrigatória de um Stanislavsky, fontes em que beberiam mais tarde - e avidamente - os grandes e modelares actores americanos (como Marlon Brando ou Paul Newman, James Dean ou Roberto de Niro), formados nesse “ABC” do Actor’s Studio e que os amadores acabariam por assimilar através do cinema, no Cine-Teatro de Gaia ou no Estrela-Cine de Coimbrões, no Odeon ou no Batalha. E complementando o que viam no cinema, escutavam depois nos pequenos salões das colectividades as palavras de ensaiadores e encenadores, muitas vezes fruto de um saber de experiência feito.

2 - A realidade portuguesa
Entretanto, no Portugal do século XX viviam-se duas realidades perfeitamente distintas: de um lado a revista, com todo o cortejo de críticas a um regime ferozmente censório, pontilhando as piadas com metáforas e alegorias na tentativa - nem sempre alcançada - de enganar os tão estúpidos como vigilantes «coronéis do lápis azul»; do outro, um teatro nacional, parido nas entranhas do regime, cuidadosamente evitando criações que duplicassem as fogueiras onde já haviam padecido, duzentos anos antes, génios como o Judeu e obrigando a que autores como Rebello ou Santareno, implacavelmente perseguidos pela Censura, redigissem ― nos finais da década de setenta ― pungentes despedidas do teatro que, felizmente, Abril veio impedir.
Estávamos, então, num país sem televisão, sem PC’s nem DVD’s, sem salas de cinema com pipocas.

«Era uma vez um País

onde entre o mar e a guerra

vivia o mais infeliz

dos povos à beira-terra»

como escreveu o poeta. Era, pois, no seio das colectividades, entre homens e mulheres que à noite se encontravam e conviviam, após a fadiga de penosas jornadas de trabalho, que sobrevivia um teatro humilde e carente de meios técnicos, culturais e humanos. Assim se fazia (ou ia fazendo) o Teatro nas colectividades, com actores que muitas vezes nem sabiam ler, uns com ensaiadores, outros com encenadores, uns e outros verdadeiros motores dos espectáculos, com cenários concebidos na fértil imaginação dos criativos artistas sem escola, tantas vezes com figurinos anacrónicos e completamente desajustados, iluminados por latas com lâmpadas e sonoplastia suportada por efeitos em chapas, vozes, assobios, areia escorrendo e tantas outras soluções verdadeiramente insólitas mas sempre imaginativas.
A própria produção literária dramática raramente chegava ao público leitor sem que a censura extirpasse tudo quanto, no seu entender inquisitorial, pusesse em causa os valores do modus vivendi do regime.
Mesmo assim, eram os amadores a verdadeira Fénix do Teatro.
Por volta dos anos cinquenta, alguns dramaturgos portugueses ensaiam novas estéticas: estamos a lembrar-nos, entre outros, de Luís Francisco Rebello e das suas experiências no Teatro do Salitre, por exemplo, em breve seguido por muitos outros. No Porto explode a «bomba» de um novo teatro, despoletada pelo grande António Pedro no TEP, em breve tornado fábrica de grandes actores, muitos deles oriundos das fornadas locais das colectividades. Uma nova escola de estéticas e de actores e técnicos veio, deste modo, contribuir decisivamente para a renovação de muitos dos grupos de amadores. E se os concursos do SNI tiveram o senão da competição artística que culminou, em muitos casos, no endividamento dos grupos e até em disputas de chauvinismos regionais ou locais que prejudicavam o movimento teatral, sem dúvida permitiu também uma renovação importante nos gostos e nas opções dos que tinham o Teatro como paixão complementar do seu labor profissional.
É certo que nem todos os grupos acompanharam uma renovação que seria de esperar e... desejar. Mas teriam sido eles os únicos culpados?

É sabido que a televisão, como serviço público que é ― por enquanto ― tem por obrigação fomentar o gosto pela arte, de que o Teatro constitui parte integrante. Mas é inegável que HOJE a Televisão não tem nenhum programa de teatro nem exibe regularmente as peças que possui em arquivo. É também inegável que a comunicação social se mantém alheada do fenómeno teatral amador ou associativo e às vezes até parece que quando sai alguma notícia, tal aconteceu por engano. Os críticos estão todos inscritos no Fundo do Desemprego, mas sobram as revistas côr-de-rosa do «jet oito», empenhadíssimas em informar-nos sobre o volume de silicone de Fulana, da «facada matrimonial» do senhor X, da beleza do corte do vestido das «Lilis» e de festas e banquetes onde se gasta mais dinheiro que na montagem de qualquer peça de teatro.

MAS O TEATRO TEIMA EM RESPIRAR!

3 - A realidade do teatro associativo
Um pouco por toda a área do Grande Porto há (ainda) vários grupos a montarem espectáculos teatrais com alguma regularidade. Naturalmente, há espectáculos melhores e outros de menor qualidade.
Importa, porém, perceber as razões por que a qualidade é, por vezes, tão diferente entre os grupos ou mesmo tão diversa entre as várias produções dum mesmo grupo.
A primeira razão, quanto a nós, tem a ver com a preparação dos próprios encenadores, técnicos e actores. Sabemos que há grupos que dispendem somas importantes para dotar os seus grupos de competentes encenadores, cenógrafos e (ou) figurinistas, técnicos diversos. Mas há outros ― a maioria ― que não podem dar-se a essas ousadias.
Além disso, há ainda encenadores que, depois de estreadas as peças, partem para outros grupos, abandonando o trabalho de formação (que deviam ter) desenvolvido, ignorando a lição basilar de que o verdadeiro espectáculo teatral começa após a estreia. Isto significa que, após algumas representações, os espectáculos pouco têm já a ver com o projecto de criação inicial, acabando numa mescla de «inovações e de improvisações» de duvidoso mau gosto. Muitos dos pormenores, do cenário aos figurinos, da luz à caracterização, tudo cai num facilitismo que descaracteriza e compromete um trabalho que demorou meses a erguer. É evidente que não defendemos a obrigatoriedade de o encenador acompanhar todos os ensaios que terão de fazer-se posteriormente à estreia. Mas não deve abandoná-los pura e simplesmente. Além dele, para os ensaios de rotina, é imprescindível a existência dessa figura tão importante como esquecida (nalguns meios) do ensaiador, aquele a quem compete a grande tarefa de manter inviolável a integridade do projecto da encenação.
Assim, deixa de haver continuidade de projectos e de escolas que poderiam e deveriam consolidar a formação teatral das associações.
Surgem novos encenadores, novos cenógrafos, novos técnicos de luz e de som, por vezes mesmo novos actores. É um novo trabalho, no fundo, que não raro faz tábua rasa da preparação e dos ensinamentos anteriores.
Perde-se, deste modo, o carácter propedêutico, o sentido de «escola» que deve permanecer subjacente a qualquer grupo. E não é possível fazer escola sem um projecto que se prolongue, no mínimo, por algum tempo.
Ora, é precisamente aqui que «a porca torce o rabo». Efectivamente, sem um projecto teatral e meios financeiros que permitam sustentar um programa de acção com continuidade, qualquer grupo tende a montar espectáculos de diferenciada qualidade, não adquirindo mais valias culturais e artísticas, nem formando quadros que no futuro possam garantir a própria autosuficiência dos grupos.
Não se pense, contudo, que culpamos disto as colectividades. As autarquias e sobretudo o Estado têm, também neste aspecto, uma particular responsabilidade. É que não chega atribuir-se subsídios pontuais, mas deveriam promover-se regularmente encontros para, através do intercâmbio, se colherem experiências alheias, tão úteis ao desenvolvimento. E, mais que subsídios, proporcionar condições de apoio logístico aos grupos (publicidade, transportes, etc.) para que estes possam dar-se a conhecer dentro e fora das suas regiões. Mas sobretudo, investir na contratação de técnicos que, durante um ou dois anos, trabalhem nas colectividades para, com a sua experiência e saber, contribuirem para o desenvolvimento cultural e artístico dessas associações.
E, finalmente, que os planos curriculares dos estudantes contemplem, de facto, as disciplinas de expressão artística, «semeando» o gosto pelo teatro nas camadas jovens, das quais sairão, por certo, aqueles que poderão insuflar nova vida cultural ao movimento associativo.
Esta deveria ser a política do País para o movimento associativo em geral, implicando ― obviamente ― as autarquias locais que, neste aspecto, têm particulares responsabilidades.

Uma nota final para uma conclusão cínica:
Sabiam que o Teatro é irmão do Político e quase nunca estão de boas relações? Porque, filhos ambos do mesmo Pai (o Homem) e da mesma Mãe (a Natureza Humana), ambos intervêm no quotidiano e os seus objectivos entram frequentemente em conflito.
O Político sabe perfeitamente do grande amor que o Teatro tem pela Liberdade e como quer, casado com ela, despertar os homens e o mundo. O Político materializa a ancestral vingança de Zeus contra Prometeu: o Político, embebido nas teias eróticas da Ambição, busca uma relação promíscua e de conveniência que lhe permita decidir, juntamente com a sedutora, da vida e do destino dos humanos, sem ser perturbado pelo fogo do conhecimento que o Teatro pode levar às massas.
Ao longo dos séculos temos assistido a sistemáticas tentativas de fratricídio, com o Político (vestindo trajos de tirano ou de religioso ― mais recentemente usa fatos de bom corte e gravatas italianas) a tentar amordaçar ou mesmo apunhalar o irmão Teatro. Primeiro, na Grécia, onde se tentou calar os dramaturgos; assim foi em Roma, porque Nero não logrou ser o actor de fama que ambicionava; assim foi, durante séculos, nos primórdios do cristianismo. Mas, viajando de carroça ao longo dos tempos, mais tarde entrando de carruagem nos palácios dos mecenas e dos próprios reis, hoje viajando de carro, de comboio ou de avião, tendo já um lugar cativo na própria NET, o Teatro sobreviveu sempre.
Crucificado e recrucificado, o Teatro soube sempre reerguer-se do túmulo onde o Político pretendeu sepultá-lo e de cada vez partiu com uma nova mensagem, com um novo sorriso, com uma nova vontade, com uma nova esperança, com um novo sonho, com um novo projecto de Futuro.
Num palco convencional ou numa barraca improvisada, na arena de uma praça ou no espaço estreito de uma rua, no interior de um supermercado ou num recanto de um qualquer centro comercial, o Teatro acontece, pode acontecer, e em todas essas ocasiões é o Homem, o Homem autêntico que se procura a si mesmo para construir o seu próprio itinerário, para criar o seu próprio Futuro. Aí reside a sua força. Aí habita a verdadeira Fé que só os crentes da religião teatral cultivam: um Amanhã diferente com um Homem diferente. Porque, como escreveu Elsa Triolet, «o futuro não é uma melhoria do presente. É outra coisa».
Recordemos o que escreveu Federico García Lorca:
«un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo». — Rompamos o silêncio! Apedrejemos a ignorância! Expulsemos o oportunismo! Matemos a morte! Façamos Teatro!

Fernando Peixoto

A CANTORA CARECA em Ermesinde

2008-04-15T12:59:00.003+01:00

O Grupo de teatro CASCA DE NÓS vai levar à cena a conhecida peça de

Eugène Ionesco

A CANTORA CARECA

Encenada por José Gonçalinho, a peça será apresentada no Fórum Cultural de Ermesinde
nos próximos dias 18 (Sexta-Feira) e 19 de Abril (Sábado), pelas 21,30 horas.
No dia 20 de Abril (Domingo) será apresentada às 16,30.

NOTA:
«Eugène Ionesco

Slatina, Roménia, 1912

Comediógrafo francês. Filho de pai romeno e mãe francesa, em 1940 mudou-se para França. Estreou em Paris, onde tinha passado parte da sua infância, A Cantora Careca.

Trata-se de uma comédia num acto classificada pelo seu autor de anticomédia e que se caracteriza pelo seu surrealismo verbal. A sua comicidade, baseada mais no absurdo do que no significado, é uma constante do teatro de Ionesco.

A Cantora Careca desenrola-se da seguinte forma.

No interior de Inglaterra, tipicamente burguês, o casal Smith conversa dizendo banalidades com pouco sentido; aparece Mary, a criada, que anuncia a visita dos Martin. Entram, sentam-se e, como se não se conhecessem, iniciam um diálogo; ao fim de algum tempo, depois de um acumular de ocorrências, em virtude das coincidências apercebem-se de que são marido e mulher. Entra um bombeiro à procura de um incêndio. Quando se vai embora, os quatro personagens entabulam um diálogo sem substância que vai subindo de tom até que adoptam atitudes ameaçadoras. Por fim, as frases não têm sentido e as palavras desarticulam-se limitando-se a sons. As luzes apagam-se e, quando voltam a acender-se, a comédia volta a iniciar-se: os Martin ocupam o lugar dos Smith e voltam a repetir-se as ocorrências iniciais.»

In http://www.vidaslusofonas.pt/eugene_ionesco.htm

TEATRO DE AMADORES E TEATRO PARA A INFÂNCIA

2008-04-13T01:25:00.000+01:00

I - TEATRO DE AMADORES - TEATRO DE AMOR
O teatro de amadores constitui uma realidade artística com caracteres bem específicos e toda a tentativa em aproximá-lo do teatro de profissionais torna-se não apenas estultícia mas mesmo manobra de adulteração. É que, desde a proposta motivadora que está na origem do grupo de amadores, até à demonstração do produto final __ o espectáculo __ há todo um itinerário intermédio de diferenciados matizes, de soluções originais, de recursos específicos que só na aparência lembram os grupos profissionais. O que __ é bom que se diga __ em nada invalida a qualidade dos primeiros face aos segundos. Nem se pense __ como alguém já ousou fazê-lo __ estabelecer entre ambos uma relação como se o primeiro fosse uma espécie de boneco da Rosa Ramalho e o segundo uma escultura de conceituado artista do "mercado" das artes plásticas.
O teatro de amadores possui uma idiossincrasia própria que lhe vem tanto de quem o faz como dos destinatários a quem se dirige. Mas também __ e essencialmente __ dos caracteres múltiplos que se lhe agregam, como resultantes do invariável destino da itinerância que marca indelevelmente as suas criações.
Os amadores constituem-se genericamente a partir de grupos de pessoas etária, social e culturalmente diversos e reside precisamente no eclectismo da sua constituição, uma das características mais notórias da sua existência. Por outro lado, são igualmente heterogéneos os públicos a que chegam, disto decorrendo exigências e opções bem distintas das que se colocam aos profissionais. Há muitas razões (outras) para explicar o estrénuo amor das gentes aos seus grupos e ao teatro. Mas de todas, por certo avultará o gosto adormecido em nós, adultos, por essa arte maravilhosa que em crianças tanto cultivámos: a arte sedutora do "faz-de-conta". Arte que seduz os actores, mas também, por empatia, os próprios espectadores.
Ora, parece-nos que o teatro de amadores possui condições privilegiadas no que toca ao teatro destinado à infância e, quando nele se encaminha preferencialmente, não raro obtém melhores resultados no contacto com as plateias. Cada vez é hoje mais notória a diminuição dos grupos de amadores nas grandes zonas urbanas, por contraste com a vitalidade dos grupos das zonas do interior ou mesmo rurais, fenómeno que a sociologia cultural por certo explicará e que não pretendemos aqui e agora dissecar.
Importa-nos, isso sim, chamar a atenção para uma outra realidade: o teatro de amadores é um teatro de amor. Não há nele a vedeta que salta de patrão em patrão à busca dum melhor vencimento; não há nele lugar para a ditadura intelectual do encenador, ou do cenógrafo e, bem pelo contrário, discute-se, quantas vezes com saudável ingenuidade, as próprias opções dos técnicos: não há nele a superação das incapacidades dos actores pelo recurso sistemático aos efeitos especiais, sofisticados, de luz, de cenários, de música, de figurinos, como tantas e tantas vezes se encontra nos profissionais; e, finalmente, não há nele contratos vinculativos, como algemas, entre os actores e a companhia. Do teatro de amadores se sai, para ele se entra, sem que por um só momento perigue a nossa liberdade. Adesão, entrega, dádiva total, contrato de amor, em suma, que tem como única contrapartida a reciprocidade desse amor, traduzida nos aplausos da plateia.
Uma relação amorosa deste tipo implica necessariamente uma grande dose de disponibilidade afectiva, razão pela qual afirmámos atrás que o amador de teatro está, assim, em condições privilegiadas para desenvolver o teatro para a infância. Ninguém, como as crianças, possui uma tão grande capacidade de receber e retribuir afectividade.
II - TEATRO PARA A INFÂNCIA E NÃO TEATRO INFANTIL
Também pertencemos ao número cada vez maior dos que rejeitam a expressão "teatro infantil".
Se aceitamos que o teatro é uma arte, aceitaremos desde logo a sua universalidade. E tal como os sons duma sinfonia serão escutados de forma diferente, conforme os gostos, a sensibilidade e a cultura musical dos ouvintes, também a linguagem teatral será absorvida ou terá diferentes leituras, consoante o nível etário, cultural ou social dos espectadores. Nada disto, contudo, impede que se crie uma obra de arte a pensar num público específico. O "Pedro e o Lobo" de Prokofiev, não deixará de ser belo quando escutado por crianças ou apenas por adultos. Charles Dickens seduz igualmente novos e velhos e os contos dos Grimm ou de Andersen não perdem o fascínio desde que o leitor não se acoberte sob a capa do adulto imbecil e insensível. Já vimos, de resto, dezenas de crianças vibrarem com peças de Gil Vicente ou Molière, permanecendo indiferentes e mesmo frias diante de espectáculos que lhes eram especificamente destinados. A própria pintura pode ser mais facilmente entendível por uma criança do que por um adulto leigo e insensível. É o caso, por exemplo, da pintura egípcia, cujos cânones por vezes nos recordam os desenhos feitos por crianças. E o cubismo, nos seus princípios originais, estaria assim tão distante da "visão" infantil sobre os objectos ?
Mas que teatro, então, para a infância ?
Concordamos que se pode e deve escrever propositadamente para as crianças, tal como se deve criar espectáculos para elas. Mas num como no outro caso, terá de presidir a preocupação primacial, isto é, criar arte. E deve-se precisamente ao esquecimento desta necessidade primeira o aparecimento de textos e realizações verdadeiramente primárias, no sentido pejorativo do termo, de peças sem o mínimo de qualidade, que mais não são que verdadeiros atentados à capacidade intelectual das próprias crianças.
Ora, um texto ou uma representação teatral não podem constituir atestados de menoridade. É necessário, parece-nos, que antes de mais o adulto se preocupe em fornecer instrumentos que permitam à criança a descoberta do conhecimento, que a sensibilize para os problemas com que terá de defrontar-se num quotidiano de progresso físico e de evolução intelectual, que ela aprenda a reconhecer e a respeitar as diferenças, via importante para ir limando as arestas do egocentrismo típico da infância; que se lhe estimulem as várias capacidades, como a de observação, de análise, de criatividade, num programa coerente que não erradique nem condicione a variedade de leituras própria dos diferentes níveis etários.
Há, ou deve haver, pois, uma preocupação formativa, orientadora, não dirigida. A criança é um ser em formação e não um adulto anão, mas tem da liberdade e dos seus direitos noções muito próprias que o adulto não tem o direito de violar. É generosa e disponível, dois importantes capitais que o teatro não pode inflacionar, e sobretudo possui grandes necessidades de descoberta e de afectividade.
O teatro de amadores, pelo seu contacto com públicos heterogéneos, por vezes mesmo bastante espontâneos nas suas reacções, não raro intervindo com comentários no desenrolar da acção, públicos que não se retraem de em qualquer momento tomar partido, está em condições invulgarmente vantajosas para melhor compreender uma plateia despida de vícios como a infantil.
É óbvio que falamos do teatro de amadores que se assume conscientemente como tal, e não de grupos que, usando a mesma etiqueta, se preocupam apenas em camuflar-se de profissionais sem vencimento, ou aqueloutros, doentes endémicos do vedetismo, apenas interessados em pisar os palcos para exibição narcísica ou para colmatar frustrações ancestrais.
Possuidores duma experiência que lhes vem da vida fora dos palcos, a que aduzem o trabalho cultural do teatro, os amadores podem __ e fazem-no __ proporcionar às crianças um teatro que é já uma obra de arte, mas essencialmente um instrumento importante para o desenvolvimento do processo de conhecimento.
III - ALGUMAS QUESTÕES DE PORMENOR
É sabido que uma plateia infantil barulhenta constitui sintoma de que se está perante uma obra desinteressante e nessa altura é preferível mandar calar o espectáculo.
As reacções ao espectáculo para a infância são díspares e por vezes totalmente inesperadas. É que a criança reage a pormenores ou a situações em consonância com a idade que possui, o que condiciona, naturalmente, a sua atenção e a sua sensibilidade. Ela rejeita a inverosimilhança, mas aceita a fantasia; é atraída para a cor, para a forma, para o som, para o movimento, mas são diferentes os níveis de sensibilização provocados por estes estímulos e por isso o espectáculo teatral pode ser recebido de modo diferente consoante a predominância de um ou de outro grupo etários. Eis por que um espectáculo teatral para a infância nunca está acabado, nem mesmo quando se retira de cena. O que Meyerhold dizia para o teatro em geral, isto é, que a peça só começava verdadeiramente após a estreia, assume relevância particular no teatro para a infância. Assim, nenhuma cenografia, sonoplastia ou luminotecnia e, consequentemente, nenhuma encenação se podem considerar definitivas no teatro para a infância, mas terão de ser concebidas como algo susceptível de contínua mutação, adaptação e transformação. Objectos e pessoas (os actores) deverão possuir maleabilidade e grande dose de disponibilidade para esta verdadeira dialéctica do conhecimento e da acção teatrais.
O ritmo, as imagens, a cor, a coreografia, tudo produz estímulos e são eles que desencadeiam as reacções. Ora, se a criança é um ser em formação, se o teatro é um instrumento privilegiado no processo do conhecimento e tem necessariamente preocupações formativas, então deverá rejeitar todo e qualquer estatismo susceptível de fazer parar esse movimento do contacto com o conhecimento, feito aqui pela via da arte.
Posto isto, defenderemos então uma vez mais a utilidade do teatro de amadores como aquele que mais capaz se apresenta para oferecer um teatro despojado, não artificioso, um teatro que viva essencialmente do conteúdo, em suma, um teatro simples, assente quase totalmente no processo de comunicação recíproca entre os adultos-actores e as crianças-espectadoras. Com isto estamos bem longe de pensar num teatro pobre, num teatrinho miserável. Só que, pelas suas exíguas possibilidades, conjugadas com a permanente prática da itinerância, o teatro de amadores terá de suprir, pelas capacidades comunicativa e criativa, pelo recurso à imaginação, pela arte, em suma, os artifícios técnicos de que em regra se servem, e muitas vezes mal, os grupos profissionais.
Uma criança não deixa de navegar ou de andar de bicicleta só porque não possui um barco ou um velocípede e colmata a lacuna construindo-os, em madeira, em papel ou em arame, quantas vezes limitando-se apenas a cerrar os olhos. E é nesses instantes de criação que ela é mais feliz.
IV - A POLÍTICA DOS ADULTOS
Há, de facto, muita intencionalidade nos erros crassos que se observam na política. As crianças não votam, logo são "cidadãozinhos". Por isso mesmo deparamos com os políticos mais empenhados nos subsídios e apoios aos espectáculos musicais e futeboleiros, para adolescentes e adultos, enquanto esquecem os grupos vocacionados para a infância, com os primeiros auferindo ganhos avultados, além da bilheteira.
É justo reconhecer que os grupos profissionais vocacionados para a infância são ainda aqueles que promovem uma itinerância significativa. Mas neste escalão, profissionais como amadores permanecem como parentes pobres da política para o teatro, situação que se agrava ainda mais pelo facto de em regra não auferirem proventos de bilheteira e, mesmo quando vendem bilhetes, os resultados são tão insignificantes que não chegam a alterar a situação. Por isso se percebe o porquê de haver tão poucos grupos profissionais a dedicarem-se ao teatro para a infância: é que mesmo os amantes do teatro se cansam de o amar de forma masoquista.
Infelizmente a história do rebuçado funciona ainda, e muitos se convencem que qualquer coisita serve para adoçar a boca dos miúdos. À força de quererem ser senhores muito importantes e sisudos, esqueceram-se já dos maravilhosos tempos em que foram crianças, ignorando o quanto importa preparar o futuro, mesmo que isso não se traduza imediatamente no encher as urnas de votos.
V - CONCLUSÃO
Temos plena consciência da abordagem demasiado superficial que fizemos às questões enunciadas e por certo outras haverá bem mais importantes. Algumas serão certamente afloradas em próximas oportunidades. Mas é tão vasto, tão complexo e tão rico o tema que dificilmente o esgotaremos. Fica, porém, a intenção de questionar, mesmo brevemente, alguns dos mais palpitantes problemas com que se debate o teatro para a infância, restando sobretudo a certeza de um debate que valerá sempre a pena.
Pela nossa parte coexistem neste momento duas estranhas sensações: a satisfação de ter levantado algumas questões, infelizmente tão arredadas das nossas tertúlias culturais, erguendo mais uma voz no coro das lamentações legítimas de quantos vivem o teatro por dentro; e, por outro lado, a mágoa de termos ficado ainda muito aquém dos propósitos de abordagem, tantos são os problemas que gostaríamos de aflorar.
A representação teatral é de facto a arte do efémero, um efémero sui generis que, no dizer de Derrida, " não deixa atrás de si, atrás da sua actualidade, nenhuma marca, nenhum objecto que se possa guardar. Não é nem um livro, nem uma obra, mas uma energia, e neste sentido é a única arte da vida ". [ DERRIDA, J.- L'Écriture et la Différence, Paris, Seuil, 1967, p.363 ].
Por tudo isto, fazer teatro para crianças é potenciar-lhes a Vida.

Fernando Peixoto

OVAR - ABRIL EM FLOR

2008-04-13T01:10:00.006+01:00

ABRIL EM FLOR 2008

É já no próximo dia 24 de Abril à noite (21H45)

que vai acontecer o espectáculo

Este ano a Contacto decidiu convidar 3 distintos amigos para comemorar esta data:

José Almada, cantor de "intervenção" dos anos 70,intérprete do célebre "Oh Pastor que Choras";

Raúl Leite, poeta, encenador,actor e declamador de Gaia

e a

Orquestra Ligeira da Banda Ovarense (OLBO)

que é dirigida pelo maestro Ascendino Silva.

A Oficina da Contacto também vai dar o seu contributo através da representação de uma pequena peça intitulada

"A Conferência de Imprensa"

adaptada por Raul Leite

e encenada por Manuel Ramos Costa

Vai ser uma noite em cheio na Casa da Contacto e aconselhamos que reserve já o seu lugar para evitar "surpresas", através do site http://www.contactovar.com/

e/ou

através de um dos seguintes números: 914663390 ou 917458619.

Fazer a Festa - Festival Internacional de Teatro

2008-04-12T22:51:00.007+01:00

27ª edição - 25 de Abril a 4 de Maio de 2008

Jardins do Palácio de Cristal-Auditório da Biblioteca Municipal Almeida Garrett

Programa

Dia 25 Abril, sexta-feira

[ 15.30h ]

"D. INÊS DE CASTRO" ¬ S.A. MARIONETAS . Alcobaça ¬ M/4

[ 16.30h ] estreia "SOMBREIROS SEN CHAPEU" ¬ TANXARINA TÍTERES . Galiza, Espanha ¬ M/4

[ 21.30h ] "A CARTOMANTE" ¬ CIA PAULISTA DE REPERTÓRIO . S. Paulo, Brasil ¬ M/12

[ 21.45h ] "CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

[ 23.30h ] "O CANTO DE INTERVENÇÃO" ¬ AJA - ASS. JOSÉ AFONSO . Porto ¬ M/ 12

Dia 26 Abril, sabádo

[ 15.30h ] "PERDIDO ENTRE CARTAS E SELOS" ¬ TOSTA MISTA . Portugal / Alemanha ¬ M/4

[ 16:30h ] "NARIZES II" ¬ BAAL 17 . Serpa ¬ M/6

[ 21.30h ] "MARIA CURIE" ¬ TEATRO EXTREMO . Almada ¬ M/12

[ 21.45h ] "CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

[ 23.30h ] "O CANTO DO CISNE" ¬ O NARIZ - TEATRO DE GRUPO . Leiria ¬ M/12

Dia 27 Abril, domingo

[ 15.30h ] "Nº8" ¬ BALLET TEATRO . Porto ¬ M/4

[ 16.00h ] "AUTO DAS ESTRELAS" ¬ ESAP . Porto ¬ M/4

[ 16:30h ] "ESTRANHÕES E BIZARROCOS" ¬ TEATRO ANIMAÇÃO DE SETÚBAL . Setúbal ¬ M/4

[ 21.45h ] "CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

Dia 28 Abril, segunda-feira

[ 10:00h e 14.30h ] (#) "A MALA DA ALICE" ¬ CPA / CCB . Lisboa ¬ 3-6

[ 21.45h ] "CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

Dia 29 Abril, terça-feira

[10:00h e 14.30h ] ("OS MINPINS" ¬ CPA / CCB . Lisboa ¬ 6-10

[ 21.45h ]"CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

Dia 30 Abril, quarta-feira

[10:00h e 14.30h ] (#) "A MALA DAS PEDRAS" ¬ CPA / CCB . Lisboa ¬ 3-10

[ 21.30h ] "AUTO DA BARCA DO INFERNO" ¬ CT BRAGA . Braga ¬ M/6

[ 21.45h ]"CONTRA CURVA" ¬ VARAZIM TEATRO . Póvoa de Varzim ¬ M/16

[ 23.30h ] "CAFÉ VALENTIN" ¬ COMPANHIA DO JOGO . Albergaria-a-Velha ¬ M/ 12

Dia 1 Maio, quinta-feira[ 15.30h ]

"COR DA PELE - UM ROSTO DIFERENTE" ¬ ENTRETANTO TEATRO . Valongo ¬ M/4

[ 16.30h ] "BOLBORETA" ¬ TÍTERES TROMPICALLO . Galiza, Espanha ¬ M/4

[ 21.30h ] "GIL VICENTE ? SAMICAS..." ¬ O TEATRÃO . Coimbra ¬ M/12

[ 23.30h ] "SEGUNDO SEGUNDO" ¬ MAU ARTISTA . Porto ¬ M/12

Dia 2 Maio, sexta-feira

[ 10:00h e 14.30h ] (#) "CONTO COM TODOS: O ELEFANTE ELMER" ¬ TEATRO ART’IMAGEM . Porto - 5-12[ 21.30h ]"À ESPERA DE GODOT" ¬ URZE TEATRO . Vila Real ¬ M/12

[ 23.30h ] "CONCERTO Nº1 EM TOM ZÉ" ¬ CENA . Porto ¬ M/ 12

Dia 3 Maio, sábado

[ 15.30h ] "MARIONETAS NO JARDIM" ¬ INSTITUTO SUPERIOR JEAN PIAGET . VN Gaia ¬ M/4

[ 16:30h ] "YNARI" ¬ TEATRO DAS BEIRAS . Covilhã ¬ M/6

[ 21:30h ] "AUTO DA BARCA DO INFERNO" ¬ DRAGÃO 7 . S. Paulo, Brasil ¬ M/6

[ 23.30h ] "CANTATA PARA O HONORÁVEL BANDIDO CHILENO JOAQUÍN MURIETA" - TEATRO ART’IMAGEM . Porto ¬ M/ 12

Dia 4 Maio, domingo

[ 15.30h ] "VOLTA AO MUNDO EM 10 INSTRUMENTOS" ¬ MARIMBONDO . Lousã ¬ M/4

[ 16:30h ] "VALDEMULLER" ¬ CENTRO DRAMÁTICO GALEGO . Galiza, Espanha ¬ M/ 6

(#) - marcação prévia programa sujeito a alterações

actividades paralelas

projecção videográfica ] "VINTE SETE ANOS A FAZER A FESTA" ¬ TEATRO ART’IMAGEM

contactos

Bilheteira (durante o Festival)tel. 00351 22 600 99 05
Teatro Art Imagem

Rua da Picaria, 89

4050-478 Porto

tel - 00351 22 208 40 14 tlm - 00351 96 020 88 19 fax - 00351 22 208 40 21e-mail - producao@teatroartimagem.pt

Texto do Director

Com alguma esperança, apresentamos a vigésima sétima edição do “Fazer a Festa”- Festival Internacional de Teatro que o Teatro Art´Imagem mais uma vez organiza nos jardins do Palácio da Cristal, na cidade do Porto.
Por razões de todos conhecidas, as últimas edições desta Festival, um dos três mais antigos do País, foram organizadas em condições muito difíceis, não deixando contudo de atrair aos jardins do Palácio de Cristal e ao Auditóro da Biblioteca Municipal Almeida Garrett milhares de pessoas, jovens na sua maioria e também muitas crianças, cumprindo a sua principal função: a sensibilização e conquista de novos públicos e a apresentação de um conjunto de espectáculos de consagradas companhias teatrais portuguesas e estrangeiras de grande qualidade.
A Aldeia Teatral e a diversidade de propostas e companhias que ocupavam de manhã à noite os jardins e espaços deste pulmão verde no centro da cidade e que, por força das circunstâncias, quase tinham desaparecido nos últimos anos, voltam, (ainda que timidamente), em 2008, nestes dez dias cheios de todo o teatro.
E isso só é possível este ano graças, também, à Câmara Municipal do Porto que voltou a apoiar a programação do Fazer a Festa, o que se regista e agradece.
Como será então o Fazer a Festa de 2008 ?
Aos dias da semana, de manhã e de tarde, a programação é dirigida, principalmente, aos grupos escolares, apresentando espectáculos o Centro de Pedagogia de Animaçãol do Centro Cultural de Belém e o Teatro Art´Imagem.
Aos sábados e domingos e nos feriados do Vinte Cinco de Abril e Primeiro de Maio haverá vários espectáculos à tarde nos jardins, tendas e Auditório da Biblioteca, dirigidos a todos os públicos protagonizados pelas companhias galegas, Tanxarina, Trompicallo e Centro Dramático Galego, pelo artista alemão radicado em Portugal, Thorsten Grütje, pelos alunos do Ballet Teatro, da ESAP e do Instituto Jean Piaget e pelas companhias portuguesas, BAAL 17, Teatro de Animação de Setúbal, Teatro das Beiras, S.A. Marionetas, Marimbomdo e pelo co-produção do Entretanto Teatro, de Portugal e os brasileiros do Teatro Casa.
Diariamente às 21h30 no palco da Biblioteca e às 23h30 na Tenda de Café-Teatro, decorrerão os outros espectáculos que serão apresentados pelas companhias brasileiras, Dragão 7 e Cia. Paulista de Repertório, ambas de S. Paulo, e as portuguesas Teatro Extremo, Companhia de Teatro de Braga, O Teatrão, Urze Teatro, O Nariz, Mau Artista, Companhia do Jogo, Teatro Art´ Imagem, o grupo musical Cena e uma sessão de canto de intervenção pelo Núcleo do Norte da Associação José Afonso.
Nas noites de 25 a 30,pelas 21h45, estará a actuar na Capela o Varazim Teatro.
Estará ainda patente ao publico uma exposição de cartazes denominada “O Fazer a Festa em Cartaz(es)” e será apresentada diariamente a projecção videográfica “Vinte e Sete Anos a Fazer a Festa”, ambas da autoria de Cristiana Correia, que visam reavivar as memórias das várias edições do Festival que teve a sua primeira edição em 1982.
Como se fosse um sinal, um bom sinal, registe-se que a programação deste ano é preenchida com nada menos que três espectáculos de Gil Vicente, o pai fundador do nosso teatro... um prenúncio anunciador do renascimento do Fazer a Festa ?
Anote-se, ainda, os outros autores que vão ser levados ao palco nesta edição, citando-se só alguns, Becket, Tchekov, Karl Valentin,Neruda, Machado de Assis, Agualusa, Ondjaki…
Com tão boa companhia parece então que temos razão para estar optimistas, embora moderamente.

Para as companhias, portuguesas e estrangeiras e seus profissionais ,que aceitaram Fazer a Festa connosco e que o fizeram em condições muitos especiais permitindo multiplicar um orçamento tão pequeno transformando-o num grande festival , o nosso primeiro muito obrigado.
Depois, às escolas artísticas da cidade, Ballet Teatro, ESAP e Instituto Jean Piaget e aos seus alunos um outro agradecimento.
Um obrigado também a todas as outras entidades (DGA/MC, D.Reg.Cultura do Norte, IGAEM/Xunta de Galícia/ Centro Dramático Galego,Instituto da Juventude e Inatel-Porto) que tornaram possível a continuação deste Festival.
A toda a equipa do Teatro Art´Imagem e seus colaboradores, pela persistência, trabalho e competência, um agradecimento sentido.
Para o público, razão primeira do Fazer a Festa e que nunca deixou de estar presente, o maior obrigado.
Para o ano há mais e melhor FAZER A FESTA !

José Leitão (Director do Teatro Art´Imagem)

Seminário de Jogos Malabares

2008-04-07T00:43:00.001+01:00

A Direcção de Curso de Teatro da ESAP vem pelo presente meio informar a comunidade escolar sobre a realização de um Workshop/Seminário de Jogos Malabares.

Objectivos:

- Capacitar para o uso artístico de malabares, bolas, arcos, maças e outros objectos com propriedades dinâmicas;
- Classificação de técnicas, práticas e jogos;
- Técnicas aplicadas ao Teatro e as Artes Circenses;
- Utilização do espaço orientado a desenvolver o equilibrio, a percepção do ritmo e psicomotricidade;

Orientado por: José Maria Estraviz (Actor, Artista Plástico, Caracterizador e Artista de Circo)

Horário:
Terças e Quartas das 18h às 20h (Dias 15, 16, 22, 23, 29 e 30 de Abril de 2008)
Local: Sala Nova de Teatro

Inscrições: 30,00€ (Trinta Euros)
Para efectivar a inscrição, deverá preencher a respectiva ficha de inscrição e dirigir-se à Tesouraria da CESAP, Rua Infante D. Henrique, n.º 131.

História de uma gaivota e do gato que a ensinou a voar

2008-04-07T00:31:00.003+01:00

Teatro Art’ Imagem

estreia a 18 Abril

História de uma gaivota e do gato que a ensinou a voar
de Luís Sepúlveda, com dramaturgia e encenação de Pedro Carvalho e Valdemar Santos.

Uma gaivota, vítima da poluição de uma maré negra, confia o seu pequeno ovo a um gato chamado Zorbas, pedindo-lhe para cumprir três promessas: não comer o ovo; cuidar dele até nascer a gaivotinha; e, por fim, ensiná-la a voar. Zorbas pede então ajuda a três amigos (Colonello, Sabetudo e Barlavento) para tentar levar a cabo a estranha missão de cuidar da gaivotinha. Depois de passarem por muitos perigos para cumprirem as duas primeiras promessas, eles têm que recorrer a alguém muito especial para os ajudar a cumprir a terceira (ensiná-la a voar !) mas, para isso, têm que quebrar o tabu dos gatos...

A “História de uma gaivota e do gato que a ensinou a voar”, que o Teatro Art’ Imagem leva agora a palco numa encenação em que contracenam marionetas e actores é, segundo o autor, um dos livros que mais trabalho lhe deu a escrever (dois anos) por ser uma história pensada também para as crianças, necessitando por isso de uma linguagem muito especial, directa e sem ambiguidades.

“Os meus livros não são uma forma de eu me explicar ao mundo, mas sim de partilhar com os leitores as minhas pequenas explicações do mundo com todas as suas contradições, bondade e maldade”
Sobre a encenação
Na plateia e como ante-câmara, uma instalação audiovisual remete-nos para o universo fantástico do mundo animal. Segue-se o prólogo trágico da peça numa curta metragem vídeo que invade o palco e faz fusão com uma coreografia de actores, vultos e sombras. Depois vem a história contada por marionetas construídas em polioretano flexível e que permitem uma manipulação directa numa estreita relação de cumplicidade com os actores que lhe dão vida.
A história desenrola-se numa cenografia móvel e em micro escala, onde as atmosferas sonoras e as nuances de luz e de sombras dão a plasticidade, o relevo e o “zoom” ao espectáculo.
Esta fábula ecológica e social escrita por Luís Sepúlveda representa também o regresso do Teatro Art' Imagem ao teatro de objectos, actores e formas animadas.

A história do gato e da gaivota é um espectáculo para todos os públicos e também para aqueles “que à beira do abismo perceberam que só voa quem se atreve a fazê-lo”.
Este magnífico texto do autor chileno Luís Sepúlveda será a 90ª criação do Teatro Art’ Imagem, companhia que mantém a aposta de escolher, de entre os três espectáculos que anualmente apresenta, a adaptação de grandes obras ou autores universais para os jovens públicos.

Refira-se, aliás, que os dois últimos espectáculos estreados pela companhia (“Fulgor e Morte de Joaquín Murieta” e “Cantata para o honorável bandido chileno Joaquín Murieta”) foram também de um autor chileno, o consagrado Nobel da Literatura Pablo Neruda.
Sobre o Autor
Luís Sepúlveda nasceu em Ovalle, no Chile, em 1949. Depois de viver entre Hamburgo e Paris, reside actualmente em Gijón, nas Astúrias, tendo sido um dos fundadores do “Salão do Livro Ibero-Americano”.
Membro activo da Unidade Popular chilena nos anos setenta, teve de abandonar o país após o golpe militar de Pinochet.
Viajou e trabalhou no Brasil, Uruguai, Paraguai e Perú. Viveu no Equador entre os índios Shuar, participando numa missão de estudo da UNESCO. Foi amigo de Chico Mendes, assassinado na defesa acérrima da Amazónia, ao qual dedicou o livro O Velho que Lia Romances de Amor (1989), o seu maior sucesso.
“ Perspicaz narrador de viagens e aventureiro nos confins do mundo, Luís Sepúlveda concilia com sucesso o gosto pela descrição de lugares sugestivos e paisagens irreais com o desejo de contar histórias sobre o homem, através da sua experiência, dos seus sonhos, das suas esperanças “.
Quase todos os seus livros estão traduzidos em português, nomeadamente, O Mundo do Fim do Mundo (1989), Encontro de Amor num País em Guerra (1997), Nome de Toureiro (1994), História de uma Gaivota e do Gato que a ensinou a Voar (1996), Patagónia Express (1996), Diário de um Killer Sentimental (1999), As Rosas de Atacama (2000), O General e o Juíz (2003), Uma História Suja (2004), O Poder dos Sonhos (2006) e Crónicas do Sul (2008)
Presença frequente em Portugal, Luís Sepúlveda é um dos escritores sul-americanos mais lido no nosso país.
Ficha artística
de Luís Sepúlveda - tradução Pedro Tamen - dramaturgia e encenação de Pedro Carvalho e Valdemar Santos
interpretação e manipulação - Anabela Nóbrega, Flávio Hamilton, Pedro Carvalho, Valdemar Santos
concepção plástica Sandra Neves - sonoplastia Carlos Adolfo - vídeo Paulo Martins - execução plástica Sandra Neves, Joana Caetano, Manuela Carneiro - execução cenográfica José Lopes - operação técnica Ricardo Santos

Este espectáculo estreia a 18 de abril, sexta-feira, às 21:30 no auditório da Quinta da Caverneira, em Águas Santas, Maia. tendo mais duas representações: dia 19, sábado, às 21:30 e dia 20, domingo às 16:00.
O preço do bilhete é de 5 € ou 3 € (m/ 25 e M/65). Inf: 22 208 40 14 ou 96 020 88 19
Ensaio de imprensa
Desde já o convidamos a assistir ao ensaio de imprensa no dia 15 de Abril (terça), às 15:00 no auditório da Quinta da Caverneira, na Avenida do Pastor Joaquim Eduardo Machado, Águas Santas, Maia).
Localização: perto da Escola Secundária de Águas Santas. sentido Alto da Maia-Areosa, Rua D. Afonso Henriques, virar à direita para Rua João XXIII (Banco BPI na esquina) e depois virar na 1ª à direita (rua de sentido único que termina em frente ao portão principal da Quinta).

2008-03-31T11:41:00.003+01:00

Fernando Peixoto em entrevista ao Meia-Hora, publicada no Dia Mundial do Teatro (27/03/ 2008)

Teatro em Portugal foi sempre “parente pobre”

O investigador Fernando Peixoto explica circunstâncias históricas e evoca valor mundial dos dramaturgos nacionais.

Mestre em História, investigador, dramaturgo, encenador e professor na Escola Superior Artística do Porto, Fernando Peixoto tem várias obras publicadas nos domínios da História e do Teatro, entre as quais História do Teatro no Mundo e História do Teatro Europeu.
Foi sensivelmente no início dos anos 70 que começou a dedicar-se a estas temáticas, destacando entre os seus estudos “a constatação que temos, ao longo da nossa história teatral, de alguns dos melhores dramaturgos mundiais [no contexto das suas épocas]: Gil Vicente, Almeida Garrett, Raul Brandão, Luiz Francisco Rebello e Bernardo Santareno”.
Em entrevista ao Meia Hora, Fernando Peixoto não deixou, porém, de acrescentar uma outra evidência, segundo confessa, “bem dolorosa”. Destaca “a pouca importância que ainda hoje se dá ao teatro feito em Portugal e em português. Companhias, autores, actores, encenadores são muitas vezes melhor reconhecidos no estrangeiro”.
Uma situação que não é nova se se levar em consideração o facto de, no País, o teatro ter sido sempre aquilo que considera “um parente pobre”.

O poder deve convencer-se de que não pode estar divorciado do teatro

Asas cortadas. “Reconhecem-se, no entanto, alguns períodos importantes, como o séculoXVI, com GilVicente e seus seguidores, bem como os clássicos [António Ferreira, Sá de Miranda, Camões...]. Mas em1536 estabelecia-se a Inquisição e o teatro perderia muitas das asas que pudesse ter”, continua Fernando Peixoto, segundo o qual “foi preciso esperar pelo triunfo liberal para que Garrett se encarregasse de refundar o teatro português, conferindo-lhe uma dimensão como ele nunca conhecera, quer em termos de quantidade [autores e obras] quer de qualidade”.
Não obstante, e como os poderes em Portugal nunca se mostraram particularmente favoráveis às artes dramáticas, “o teatro acabaria por nunca se desenvolver como noutros países”. Com o Estado Novo, voltaria a censura e as medidas repressivas, sobrevivendo“ com custos imensos um teatro relativamente inócuo e a revista à portuguesa”.
Com o 25 de Abril, despontaram autores, companhias e encenadores, mas, defende ainda o autor, “é necessário que o poder se convença de que não pode estar divorciado do fenómeno teatral nem encará-lo como mero veículo de lucro comercial”.

2008-03-31T11:21:00.003+01:00

Pela ajuda que pode dar, incluímos estes exercícios para actores em formação

ENTRENAMIENTO ACTORAL PARTE 6
(ver PARTES 01 / 02 / 03 / 04 / 05 / 06 / 07 / 08 ) em TEATRALIZARTE

DIFERENTES MOMENTOS DE SER
COMO TE MUEVES EN EL MUNDO ES COMO TE MUEVES EN ESCENA

Cuando se ha alcanzado un estado de SER, lo que significa SER donde uno está en ese momento, aquí y ahora, incorporando todo lo que pasa, entonces, uno está listo para actuar.

La palabra "actuar" significa ir, desde el estado de SER personal, al estado de SER que requiere el papel.

Por ejemplo, el presente estado de SER es:
"Me siento flojo, deprimido, pesado, mirando por la ventana, un poco cansado", pero la obligación emocional del papel requiere un estado de excitación y alegría, de euforia.

El personaje en la obra acaba de lograr algo y se encuentra muy entusiasmado por eso. Entonces, uno debe encontrar el camino para ir desde el estado de SER personal, donde uno se encuentra, a ese estado de SER.
A veces, las necesidades del papel son totalmente opuestas a lo que sentimos, lo que significa un esfuerzo terrible.
Muchos actores fracasan porque tratan de saltar de aquí a allí con un solo paso. Uno debe realizar muchos pasos intermedios para ir de la depresión a la alegría.

Usando los estímulos disponibles o trabajando con objetos imaginarios, uno trata de encontrar la forma de estar menos deprimido y algo más alegre.
Uno puede mirar cosas en la habitación que lo hagan sentir mejor.
Puede crear cierta persona en la habitación que lo haga sentir feliz.
Una vez que se ha logrado un cierto grado de alegría, uno está listo para transformar este estado intermedio, aunque sea con otros objetos, y trabajar buscando un mayor nivel de alegría.

Progresivamente, uno va permitiendo que un estado dé lugar a otro.
A veces, el estado de SER desde el cual se parte es tan poderoso que es muy difícil transformarlo.
En esos momentos, uno se da cuenta qué importante es conocer íntegramente su instrumento, tener un gran repertorio de recursos y la habilidad para utilizarlos, y así llegar adonde se desea.
Esta capacidad se logra con un gran esfuerzo y una práctica diaria.
Cuando uno realmente está SIENDO, un estado conduce al siguiente y lo condiciona, como muchos colores que corren juntos y se mezclan, hasta que el estado de SER siguiente se transforma en el color dominante.

Hemos visto que muchos actores que están riéndose en un momento y, abruptamente, se detienen y vemos la tristeza.
Eso se llama técnica impuesta, un síntoma de "antirrealidad".
En la vida, un momento conduce a otro y ambos se mezclan.
En la escena, esto no sucede si no se está SIENDO. Uno debe comenzar con la totalidad de su SER, porque no se puede crear vida en escena o cumplir con las necesidades escénicas, si primero no se tiene una vida que continúa.
Uno no puede crear vida desde la ausencia de vida.

Hay un proceso natural de respuesta antes los hechos.

Este proceso es:
estímulo-
efecto-
respuesta-
expresión.

Primero uno ve, oye, toca, huele o siente algo.
Eso es el estímulo.
Eso produce un efecto en uno. El instrumento responde a ese efecto. Entonces se expresa esa respuesta. El proceso completo se cumple en fracciones de segundo, una y otra vez, ininterrumpidamente. Si uno está trabajando desde el SER, este proceso natural sigue sin interferencias.

SER produce
estímulo -
efecto -
respuesta -
expresión, -

estímulo-
efecto -
respuesta -
expresión - ,

estímulo-
efecto -
respuesta-
expresión.

El actor que premedita su comportamiento produce un cortocircuito. Está tan atento en ejecutar su plan que los estímulos no le llegan. O si le llegan, está tan comprometido con sus conceptos intelectuales, que no lo afectan.
Si está preocupado por simular un efecto,

¿qué podrá afectarlo realmente?

O puede suceder que esté afectado por algo que sucede en escena por ejemplo, su compañera se pintó las mejillas por primera vez esta noche).
En ese caso, tampoco se permite responder, pues trata de imponer el comportamiento preconcebido. Interrumpe el proceso natural de vida, porque no incorpora su respuesta ante las mejillas maquilladas. Si sus respuestas son premeditadas, no puede responder con lo que realmente siente. En lugar de continuar con una respuesta orgánica, la expresión se empobrece.
De esta manera, una mentira origina una reacción en cadena, hasta que la falta de verdad es absoluta.

Cuando el actor interrumpe el proceso natural asumiendo determinadas conductas, imponiéndose actitudes, "actuando", crea lo que llamamos "quiebres" en el instrumento.

Existen todo tipo de quiebres -
vocales,
emocionales,
físicos,
intelectuales
varios combinados.

El SER elimina la posibilidad de quiebres, y si se producen, el mismo SER los corrige.Aún cuando el actor logre el estado de SER y funciones orgánicamente, pueden existir limitaciones en el área interior o expresiva en las cuales debe trabajar para lograr un SER más completo y colorido.

Por ejemplo, los actores que son tímidos y calmos, son, a menudo, extremadamente imaginativos y afectivos, pero incapaces de expresarlo.

Del otro lado de la moneda, están los llamados extrovertidos, los exhibicionistas que parecen llenos de expresividad, pero que pueden no ser imaginativos o sensibles.

Este tipo de actores necesitan reforzar el área interior, hacer ejercicios que se relacionan con su vulnerabilidad.

Cualesquiera sean los problemas del actor (y todos los tenemos en las etapas del desarrollo), SER es el grado cero.
Implícitos en SER están todos los impulsos, los problemas y los colores infinitos del arco iris emocional.
Negar uno solo de los elementos del SER, disminuye su total contribución al artista.
Los ejercicios siguientes están relacionados directamente con SER. Aunque algunos tienen más de un objetivo, es conveniente comenzar con ellos, ya que todos están destinados especialmente a ayudarte a SER.

TEATRO TÉCNICO PARA ACTORES GRUPOS Y SALAS PRODUCIDA POR CARLOS CANAVESE (R) 1999

EJERCICIOS PARA SER

1. – Inventario Personal I

Es un monólogo del fluir de la conciencia debe hacerse en voz baja, de manera que sólo uno pueda oírse.

Uno se pregunta:
¿Cómo me siento?,
entonces expresa sus sentimientos y continúa repitiendo la preguntas.
Hacerlo durante dos minutos como mínimo y diez como máximo, tantas veces al día como sea posible.

Se puede hacer en el supermercado,
en el auto,
en un restaurante
esperado a un amigo,
en cualquier lado.

Durante el ejercicio, habrá cosas que interfieran, interrumpan o llamen la atención .

Se deben incorporar verbalmente estas cosas al monólogo.
Por ejemplo:

“¿Cómo me siento?
Acabo de aclarar mi garganta, preparándome para el ejercicio.
Me siento obligado a hacerlo.
Tomando aliento,

¿Cómo me siento?
Mis ojos vagan por la habitación.
Me siento ansioso, un poco tenso en el pecho.
Oigo el canto de un pájaro en la ventana.

¿Cómo me siento?
Estoy excitado por el trabajo que conseguí hoy,
me siento preocupado por tener que empezar a trabajar allí.

¿Cómo me siento?
Me siento – uh- trabado.
No sé como me siento.
Estoy ansioso porque no sé cómo me siento.
¡Así me siento!
¡Ansioso!
Tomando aliento.
Siento mi estómago flojo.
Tendría que perder un poco de peso.
Me siento un poco más en contacto con mis sentimientos, un poco menos ansioso.
Comienzo a sentir una pequeña excitación...
me pregunto de dónde viene.

¿Cómo me siento?
Me siento mejor, etc.”

El Inventario Personal, si se practica regularmente, permite entrar en contacto con lo que se siente, y entrena para expresar todo lo que sucede momento a momento.
No todas las expresiones son verbales; pueden ser vocales, tales como sonidos o gritos.
Alivia tensiones y favorece el estado de SER.

2.- El SER Personal

Es un buen ejercicio para hacer después del Inventario Personal.
No es necesario continuar con el proceso de preguntarse uno cómo se siente.
Simplemente se debe SER.
Permitir todo lo que uno siente y expresarlo vocal, verbal y físicamente.
Reconocer e incorporar todos los obstáculos que surjan.

Si, por ejemplo,
uno comienza a criticar la autenticidad de los impulsos y esto empieza a interferir en la expresión, entonces se debe incorporar esta crítica, seguida por cualquier impulso verdadero que aparezca.

Tratar de encontrar su brecha personal entre la obligación y el impulso.
Lo sorprendente de este proceso es que una expresión da lugar a la siguiente y ésta a otra, hasta que el fluir de la realidad surge espontáneamente.

Este ejercicio puede hacerse
sentado,
parado,
tendido
en cualquier posición.

Simplemente uno debe permitirse sentir y expresar todo lo que le sucede.
Permítase hacer lo que siente, no lo que piensa que debería hacer.
Para ideas adicionales sobre este ejercicio, consúltese en este capítulo, el diálogo grabado entre E.J. y yo.
3.- Inventario Personal II

El ejercicio del Inventario Personal anteriormente descripto es una de las mejores maneras de empezar a preocuparse por lo que pasa en el interior de uno mismo. Debe hacerse muchas veces al día. El debe adquirir el hábito de descubrir lo que se siente en cualquier momento dado;

hacer un inventario de cómo lo afectan a uno los objetos
interiores
exteriores,
animados
inanimados.

Como dijimos antes, debe hacerse en voz baja, pregunto
¿Cómo me siento? .
Se puede agregar a continuación
¿Cómo me siento por tal cosa?

Una vez contestada la pregunta
“¿Cómo me siento?”,
la próxima debe ser “
¿Estoy expresando cómo me siento, y si no es así, por qué?”.

Esta es una pregunta importante porque impide que el ejercicio se transforme en una gimnasia cerebral.
Lo transforma en una vigorosa experiencia de aprendizaje.

Si su respuesta es
“No, no estoy expresando cómo me siento”,
entonces pregúntese
“¿Qué puedo hacer para expresarlo?”.
“¿Cómo puedo ayudarme a expresar mis sentimientos sin temor a las consecuencias?”.

Por ejemplo,
“Siento ganas de pegarle una trompada en la nariz”.
“Bueno, esto traería consecuencias para el bienestar de otra persona y para el mío, también “.
Cuando las consecuencias son demasiado grandes, uno reconoce el deseo de pegar y elige, conscientemente, el no hacerlo.
La elección nunca es tan opresora como la supresión.

Cuando uno se pregunta,
“¿Estoy expresando cómo me siento, y si no es así, por qué?”,
el por qué es lo más importante.

El por qué permite conocer las cosas que impiden SER.
“Porque tengo miedo de lo que piensen de mí”.

Si esa es la respuesta que surge, uno logra conectarse con eso como problema.
“Porque no quiero que piensen que soy menos que lo que quiero que vean”.

Una vez encontrada la respuesta al por qué, entonces uno trata de expresar todo lo que puede.

Se comienza a reconocer la totalidad de las emociones.
Nadie tiene derecho a negarle a uno lo que siente.
Uno se conecta con la totalidad de lo que siente.
Y no siempre es lindo.
No siempre es bueno, social o cortés con respecto a los demás.
A veces uno ama y da, y ama a alguien que no ama ni da, y uno se siente disconforme.
De esta manera, uno entra en contacto con la evidencia de que no nos ama.

Cuando uno se pone reglas sobre qué debe sentir, esas reglas se trasladan a la escena o a la cámara.
Se trasladan porque las reglas son las condiciones bajo las cuales se vive.
Esto no significa que no debe transformarse en un animal, y golpear a la gente en la cabeza o robar en el supermercado.
No es para nada lo que queremos significar.
Hay un cierto nivel de moralidad en el cual se vive.
Pero todo el mundo tiene derecho a ser uno mismo, y creo que los actores tienen derecho especial, ya que los sentimientos son sus armas de trabajo.

4.- Yo Soy, Yo Quiero, Yo Necesito, Yo Siento
Se hace en voz alta, a la manera de un fluir de la conciencia, pero muy rápidamente, para no tener la oportunidad de reflexionar o premeditar lo que se dice.
El propósito es sorprenderse con lo que surge.

Se comienza cada oración con una de las cuatro sentencias, no necesariamente en ese orden.

Por ejemplo:
“Quiero hacer este ejercicio...
Estoy tenso...
Necesito estar bien...
Necesito ser visto...
Me siento autoconciente...
Siento mis dedos...
Necesito dinero...
Soy lo que soy...
Me siento tonto...
Soy lo que soy...
Quiero reír...
Necesito amor...
Quiero saber quien soy...
Me siento pleno...
Necesito espacio...
Estoy escapándole a las cosas...
Estoy mirando el piso...”

Este ejercicio está destinado a canalizar los impulsos bajo la forma de “Yo soy, yo quiero, yo necesito, yo siento”.
Cuando se responde a una línea concreta de auto cuestionamiento, las preocupaciones por la realidad inmediata se hacen más claras.
El elemento fundamental es la impulsividad de la respuesta.
Si uno se da tiempo para pensar la respuesta, el espacio se llena inmediatamente con los pensamientos condicionados, y no con el sentimiento real.
Es importante recordar que si uno está “en blanco “, debe decirse la primera cosa que venga a la mente, no importa que parezca ilógica o sin sentido.

Debe repetirse
“Yo soy...
yo quiero...
yo necesito...
yo siento...
muchas veces.
5.- ¿Qué quiero?

El objetivo de este ejercicio es descubrir lo que uno quiere aquí y ahora, pero también en el sentido más amplio.
Este ejercicio difiere del anterior porque no se hace impulsivamente.
El objetivo es descubrir la vida subyacente de cada uno.
El énfasis está puesto en una visión más intelectual y filosófica de lo que uno quiere en la vida.
Es necesario comenzar desde un estadio de “aquí y ahora “para lograr una corriente fluida y evitar la tendencia a la pesadumbre.

El ejercicio se hace como el Inventario Personal, pero con la pregunta:

“¿Qué quiero?” en lugar de “¿Cómo me siento?”.

Por ejemplo:
“¿Qué quiero?”
Quiero descubrir qué quiero.

¿Qué quiero?
Quiero ser más feliz.
Quiero trabajar más.
Quiero ser bueno.
Quiero que la gente me respete.

¿Qué quiero?
Quiero no preocuparme por esas cosas.
Quiero el éxito.

Si se desea, se puede unir este ejercicio al Inventario Personal, en lugar de hacerlos separadamente.
El propósito del “Método” es lograr una realidad orgánica en escena.
Toda la realidad escénica se crea desde la realidad interior del actor, desde sus propias experiencias de vida.
El “Método” y su técnicas están estructurados para este fin; sin embargo, el sistema no le dice al actor cómo lograrlo.
Ya que toda la gente es diferente y tiene problemas que son únicos, ningún sistema formulado puede funcionar igual para todos.

Esta investigación sólo ofrece al actor la búsqueda y los medios para encontrarse a uno mismo y lograr un estado de SER, o sea un ESTADO DE SER UNO MISMO, TOTALMENTE.
SER es el elemento primero y básico para todo proceso creativo.
Una vez que el actor llega a su realidad, a la verdad, su verdad, en este momento y en este lugar, entonces está listo para transformar esa verdad en lo que requiera el personaje.
SER no es un estado que se logra inmediatamente; es una forma de vida que requiere mucho trabajo y experimentación.

Además de ingredientes imprescindibles como el talento y un compromiso como artista, se debe tener CORAJE.
Uno debe estar preparado para arriesgar y muchas veces sufrir las consecuencias de las propias acciones, mantener la individualidad y fijar los objetivos, de vida y de trabajo.
Debe recordarse que nadie en el mundo ha contribuido con cosas definitivas sin arriesgar y, a menudo, provocando resentimientos y controversias.

Con frecuencia, vida y actuación son cosas totalmente separadas, pero no debe ser así.
Estos ejercicios y los que se describirán más adelante.
Intentan transformarse en armas que permitan la total correspondencia entre uno mismo y su trabajo.
Cuando uno logra realmente SER, cada parte de uno lo reconoce. El sentimiento es inequívoco.

Si se realiza el trabajo, se practican diariamente estos ejercicios y se los hace parte de la propia vida, se experimentará este estado mágico de SER.
Los resultados del trabajo están llenos de sorpresas y recompensas inesperadas.

TEATRO TÉCNICO PARA ACTORES GRUPOS Y SALAS PRODUCIDA POR CARLOS CANAVESE (R) 1999

(Texto extraído, com a devida vénia, de TEATRALIZARTE)

BABINE (ART'IMAGEM) FOI SUCESSO NO BRASIL

2008-03-30T18:48:00.004+01:00

BABINE, O PARVO, espectáculo do ART'IMAGEM, foi ao Brasil. Inserimos aqui, com imensa satisfação, a crítica da revista BACANTE.

Babine, o parvo por Juliene Codognotto

Hoje fui parvo, amanhã serei também.

Fileira G 29, lugar central no auditório do Memorial da América Latina. Dali dava pra ver perfeitamente os efeitos de iluminação e projeção criados pela Cia. O Teatro Art’Imagem. Perdiam-se, é claro, os detalhes da expressão facial dos atores, mas como a montagem de Babine, o parvo tem o foco num teatro físico em que o corpo todo envia informações, vale a pena preterir a face de cada um em função da imagem formada pelo conjunto dos atores. Outra vantagem de dividir a peça com muitos espectadores e estar distante do elenco é que você pode comer bolacha de chocolate à vontade e até dormir que nenhum ator vai nem perceber, nem te olhar com cara feia, nem entrar em depressão – coisa rara no teatro.
A bolacha de chocolate também não foi capaz de chamar a atenção por outras razões que não a distância do palco. Houve quem chamasse mais atenção, a saber: um cinegrafista não-autorizado que apareceu no cantinho do palco quando filmava a partir da coxia e quase derrubou um dos atores (dizem que o diretor portuga ficou putão); a senhora na minha frente que tinha extrema necessidade de expressar-se com “a coitado!” ou “olha o figura aí de novo” de tempos em tempos; e, como sempre, o menu do DVD, ali no cantinho, como quem não quer nada, atrapalhando a projeção.
Em meio a tudo isso, um personagem muito fofo e caricato consegue ganhar os olhares apesar de tudo. Ele é o tal do “figura” a que a senhora se referia. Ele é o tal do parvo a que o título se refere. Babine, emprestado de um conto de Leon Tolstói, é sistematicamente enganado pela família (mãe, esposa e irmã). Interpretando mal os conselhos da irmã, acaba sempre se metendo em confusões, sempre estendido no chão “mais morto do que vivo”, simplesmente porque usa as palavras certas nos momentos errados.
A encenação conta com duas projeções alternadas – uma de lugares na Rússia pelos quais o parvo passa, outra de quadros de Chagall, Kandinsky e Malevich – cada uma com efeito específico, mas ambas dialogando com o que acontece em cena e ajudando a compor o cenário. Nada daquela história de uma imagenzinha projetada lá distante numa paredezinha fria só pro grupo dizer que usa tecnologia. Aqui a tecnologia ajuda a nos transportar para um outro país – a Rússia – e, ainda, para um outro universo – o da fábula, da fantasia.

Cada aventura de Babine tem a estrutura narrativa idêntica, como uma espécie de gag de palhaço cuja graça está justamente na quebra da lógica construída pela repetição exaustiva. No entanto, a impressão que fica é que, mesmo tendo descoberto a armação e tendo conseguido sair da posição do parvo que apanha, ele não deixa de ser parvo, somente passa a ser aquele que bate. Uma contradição que fica aberta apesar da frase direta do protagonista: ontem fui parvo, hoje não sou mais”, em oposição ao que ele dizia anteriormente; “hoje fui parvo, amanhã não serei mais” e que sempre dava errado.
Finalmente, cabe destacar que o grupo – que, a propósito estréia três espetáculos anualmente segundo o programa da peça – encontrou tempo e energia para fazer uma pesquisa aprofundada do gestual, do figurino e da língua russa. Muitas das músicas e dos versos são ditos em português e em seguida em russo, evitando a perda da sonoridade original do conto. E maior diferencial: saber desconstruir a própria pesquisa e rir dela. Os atores iniciam o espetáculo sem o figurino, batendo um papo no meio da platéia e zuando a personagem que sabe tudo de Tolstói e que, portanto, simboliza a pesquisa que eles realizaram. Uma solução que aproxima os atores do público e funciona muito bem. Até porque rir de si mesmo é sempre uma boa, principalmente depois do sofrimento que deve ter sido aprender a cantar em russo.

4 atores aprendendo a andar na neve projetada.

Publicado em 4, March, 2008

(Sobre o Grupo BACANTE poderá ser consultado o link respectivo)